Mata a Bill

NATURALEZA MUERTA

2008-11-05T04:12:00.000-08:00

Las aguas suben turbias.

Seria una alegoría fácil decir que, para Jia Zhang Ke, todo se hunde en la China contemporánea, pero aunque fácil no por ello menos certera. En todo caso habría que empezar a desglosar un poco los términos acuñados e intentar evitar caer en la simplificación.
Empecemos por el “todo se hunde”: El “todo” podría ser entendido como una exageración si lo tomamos literalmente. Porque, lo que muestra en realidad Naturaleza muerta es la desaparición de 19 ciudades y 326 pueblos. Pueblos que quedaran bajo el peso de las aguas por la construcción de la represa de las Tres Gargantas. Naturaleza muerta es la mirada a la contradicción: si bien esta obra faraónica –considerada la represa más grande del mundo- abastecerá de energía eléctrica al gigantesco país oriental, no menos cierto es que para ello se demolerá hasta el último ladrillo donde hasta el momento viven sus habitantes. Aquí reside una de las ideas centrales de la película, la del “espacio”. Los habitantes son trasladados a “nuevos espacios urbanos” como si las personas fuéramos parte de un enorme rompecabezas acomodable sobre cualquier superficie. En este sentido la “espacialidad” es un termino clave en el cine de Jia porque desarrolla cinematográficamente la conflictiva relación de sus personajes con el medio que los contiene. El director entiende que al registrar este proceso de demolición de ciudades se está demoliendo la relación de los hombres con su medio natural, con la urbe que los ve nacer, con el lugar que eligen o les fue elegido para vivir y en donde establecen sus relaciones sociales y laborales. Ya no estar allí, no pertenecer, no poder establecer lazo con el espacio genera una idea de pérdida y de desamparo. El sujeto sin medio es un sujeto errante, a la deriva, perdido, que anda por el mundo en una condición fantasmagórica, es alma en pena que no encuentra medio físico que lo contenga.
Por eso ahora el “todo”, si tomamos esta idea, cobra sentido. No son solo las ciudades; es el pasado del hombre con respecto a su hábitat, es su condición de ser libre para poder elegir el lugar en el que vive, y son los fantasmas de sus relaciones los que se hunden.

La historia de Naturaleza muerta precisamente cuenta eso, la de un hombre que busca una familia que ya no es, a una hija que hace 16 años que no ve y que ya no esta. Paralelamente es también la historia de una mujer que busca a su pareja que la ha abandonado, de un amor que también ya es pasado, que se ha perdido y que el tiempo ha sepultado.
Solo queda esperar que el agua suba, que se finalice la obra, y que las presencias fantasmales se adueñen por completo del espacio divagando sin tiempo. Efectivizar el entierro, observarlo lentamente, como el mismo subir de las aguas.
El “todo se hunde”. ¿Sigue pareciendo una exageración?
Ahora, para seguir desmenuzando la frase, seria bueno mencionar la idea de: ¿Que es lo que entendemos por China Contemporánea? ¿Como la observa desde adentro Jia Zhang Ke? China es el objeto de estudio moral, social, económico, político y estético del cineasta. Lucido observador, coherente intelectual, riguroso artista que entiende que el crecimiento económico desmedido de su país, escondido detrás de la palabra “progreso”, es en realidad, un reacomodamiento fáctico y solo parcial, solo económico, de China en el mundo: el veloz traspaso de Republica comunista a superpotencia capitalista es perdiendo indefectiblemente la dignidad humana de sus habitantes.
Esto se evidencia ya desde la primera obra maestra del director, Pickpocket (1997); en Platform (2000), segundo opus, relataba ese mismo proceso desde su gestación cultural histórica, desde su pasado; en Placeres desconocidos (2002) donde el presente moderno explota rabiosamente en todas sus contradicciones y el desamparo resultante solo deja lugar al dolor de una juventud desconcertada frente a los nuevos “placeres” que vienen de Occidente. Y para salir del dolor lacerante no queda otra que la ironía fría resultante de la paradoja que se vuelve carne en los sujetos con esa apoteosis de la modernización excesiva y sus ridículas practicas que alcanzan en The World (2004) su punto culmine, parque de diversiones que lleva ese mismo nombre y esta ubicado en las afueras de Beijing (si, la Beijing olímpica). Como espectador, uno solo puede reírse de tamaña contradicción. Es la triste sonrisa que queda como catarsis luego de que toda perdida acontece.
Naturaleza muerta en el contexto de la filmografía del realizador, es resumen de todas sus obras anteriores, el cierre más acabado de todas sus tesis previas.

Además de funcionar como contracara perfecta a todo el cine previo que existía en su país antes, la llamada “Quinta generación” de cineastas chinos (con los “famosos” nombres de Zhang Yimou y Chen Kaige a la cabeza) que en la actualidad realizan sus obras cómodamente instalados bajo el ala oficialista, sin cuestionar nada, aceptando todo ese proceso de modernización haciendo vista gorda al drama humano.
Jia Zhang Ke en cambio es el abanderado de la “Sexta generación” (que incluye a otros realizadores importantes como Wang Xiaoshuai, Wang Bing, Lou Ye, Zhang Yan), la nueva y joven, la que mira la realidad con ojos críticos, la que no tiene apoyo oficial ni masivo, la que filma, muchas veces, en la clandestinidad absoluta, y cuyas voces contrarias al régimen suelen ser castigadas con la censura ideológica y con la prohibición de la exhibición comercial de sus filmes.
Pero también es la obra de un cineasta necesario que interpela la realidad desde los mismos márgenes que ella establece, desde los límites entre la realidad y la ficción.

Alejandro Cozza

LA RABIA

2008-09-07T15:11:00.000-07:00

(TEXTO PUBLICADO EN LA REVISTA "METROPOLIS" DEL CINECLUB MUNICIPAL HUGO DEL CARRIL)

Perro que no ladra, muerde!
Recuerdo una canción que servia como introducción a los títulos de Nacido y criado de Pablo Trapero, dicho sea de paso productor de La Rabia, que dice: sangre/quieta/dura/ tonta/sangre va/lamiendo va la sangre/para el viento/y va la sangre/para suavemente al tiempo/y va sintiendo/el pensamiento/chupa sangre/toma sangre/ama sangre/buena sangre/sin pecado/sangre/sin aliado/sangre. Sólo una asociación libre que se me dispara azarosa al pensar el film de Albertina Carri.
Pasan cosas en el campo argentino, que no necesariamente tiene que ver con la soja y con el lucro, sino con algo un tanto más básico, y no por ello menos acuciante.
Nati es la niña protagonista y observadora que grita pero que de su voz no sale sonido alguno. Nunca hay que fiarse del silencio, allí anida la furia agazapada, presta a saltar y roer el cuello. Nati dibuja, traza a mamá desnuda en la cama con otro hombre que no es papá. El chancho chilla cuando es destripado, al igual que gime mamá cuando esta con ese peón. A Nati solo le queda mirar y callar. Sangre que las venas no contienen. Si el animal anda en pelotas por el campo y muere en su ley, por que la sangre humana no puede correr libre por la tierra. ¿Es eso violencia, o simplemente naturaleza?.
Grito sordo porque el mundo lo es. Ira reprimida que sale de la tripa, humana o animal. Carnicería. Carne y cacería. Desnuda carne. Con la soga al cuello, se arrea al ganado, pero también la correa al cogote de la china puede servir para sadomatizar y dominar.
La honestidad de Albertina Carri tapa toda posibilidad de provocación vacua, de pretensión intelectual, de psicologismo reduccionista, de pose canchera que podría producir su película. Su honestidad al estar por encima de todo transforma a La Rabia en una película justa y necesaria porque injusto es el mundo e innecesarias sus practicas.
Film realista en muchas acepciones cinematografías del término pero que paradójicamente su mayor crudeza emocional proviene de los momentos en donde lo que se cuenta es a través de dibujos y animaciones. Realidad y representación se amalgaman así creando una dialéctica sobredimensionada de la crueldad y de la violencia.

ALEJANDRO COZZA

CINE CORDOBES

2008-09-01T06:00:00.001-07:00

(TEXTO PUBLICADO EN EL MES DE AGOSTO EN LA REVISTA "NUESTRA MUSICA" DEL CINECLUB LA QUIMERA)

AUTOREPORTAJE
¿Que pienso de la creación del cine en Córdoba? ¡En qué aprieto me ponen!
Lo siento, nada bueno. Es la tercera vez este año que me piden una opinión escrita sobre el tema. Me negué a hacerlo antes por considerar que mi opinión al respecto nunca seria constructiva. Conciente del peligro de todas las generalizaciones que pueden desprenderse de mis palabras decido no seguir esquivando el tema.
Entre cinéfilos cordobeses hay un comentario recurrente, de esos que se dicen en voz baja pero que nunca se gritan. La idea, con más o menos peros, es esta: hay (varios) miles de estudiantes de cine en nuestra ciudad, hay (algunos) espacios de difusión/creación cinematográfica alternativa en Córdoba. Esos “varios” con esos “algunos” (recurro a los anónimos y a la vaguedad adverbial solo por obvia falta de espacio) nuca van de la mano ni se juntan. ¿¡Por qué!?
La respuesta nunca seria concreta porque las fuerzas existentes entre esos “varios” y los “muchos” son múltiples por su propia categoría de adverbios de cantidad indefinidos. Pero se pueden proponer ideas rectoras para generar nuevas líneas de tensión.
¿Un realizador cinematográfico debe ser cinéfilo para hacer cine y tener una obra de calidad a sus espaldas? No, no es necesario. Los casos de cineastas famosos que no son cinéfilos son muchos. Pero pienso en los que si lo son, y caigo en la cuenta que son los que me gustan y me interesan. Con todas las excepciones del caso.
¿Entiendo al cine sin Godard, Truffaut, Rohmer, Varda, Resnais, Chabrol, Rivette? ¿Sin Nouvelle Vague? No, no lo entiendo. ¿Se entiende a la Nouvelle Vague sin Henri Langlois y sin Andre Bazin?. No, no se entiende.
Está demasiado disociado en Córdoba el lugar de creación con el lugar de exhibición y eso no es parra nada bueno ni augura un futuro para nada auspicioso.
¿La culpa es del estudiante/egresado de cine? No, no toda. Aunque su abulia es alarmante.
¿El problema esta en su profesores entonces, en la gente que enseña cine en Córdoba?. Si, es uno de los (tantos) problemas concretos.
¿No es gente calificada? Si, es gente muy calificada probablemente.
¿Es gente a la que le gusta el cine?. No, no suele ser gente a la que le gusta el cine, no es cinéfila para nada. Nunca vi profesores de cine en La Quimera. Me van a responder que lo hacían 15 años atrás. ¿¡¿Porque ahora no?!? No había profesores de cine en la proyección de Historias extraordinarias de Mariano Llinas. ¿Se puede enseñar cine hoy en Argentina sin haber visto Historias extraordinarias, o sin haber visto Belle Toujours en La Quimera o sin conocer a Sarunas Bartas? Si, se puede. ¿Se debe? No, no se debería. Hasta el año pasado yo enseñaba cine sin haber visto estos films y lo hacia igual. Pero ahora estos cineastas me obligan a hacerlo desde un lugar mejor. Lo mismo digo respecto al acto creativo y realizativo.
¿Esos profesores pueden contagiar el amor al cine y lograr que sus alumnos filmes cosas importantes? No, no pueden. De esa ausencia de dinámica nunca saldrá nada bueno, salvo de casualidad. Nunca vi un film hecho en Córdoba que haya significado algo para mí. Solo recuerdo algunas imágenes aisladas (nunca su conjunto) interesantes. Y observé muchos. ¿Puede haber algunos que no conozca y que sean buenos? Es probable.
Hoy todos agarran una cámara y pueden filmar, eso no significa hacer cine, ni tener una mirada. Si los que crean imágenes no tienen mirada. ¿Me interesan entonces los trabajos que ellos realicen en un futuro? No, no me interesan. Filmar el mundo significa comprometerse con él. Hacer cine significa comprometerse con una mirada.
La paradoja es que esta gente de cine sin mirada que no frecuenta los circuitos alternativos de exhibición recurren a ellos para que proyecten sus películas y pretenden que todos vayan a verlas. Los que no ven el mundo quieren que el mundo los vea.
Están apareciendo circuitos alternativos de difusión cinematográfica. No son masivos, pero tienen un público fiel y renovable (nunca gente del medio cinematográfico). Esa gente mirando ya esta haciendo cine y es cuestión de tiempo nomás para que alguno tome un cámara, le pregunte humildemente a otro (a un técnico), como se prende y empiece a filmar el mundo. Eso es hacer cine. Tengo Fe en esa gente. Tengo Fe en ese cine en Córdoba.
No entiendo al acto de filmar disociado del acto de ver, e ir a una multisala a ver películas no es ver. No nos engañemos.

ALEJANDRO COZZA

FRANCOIS TRUFFAUT EN CINEFILOS BAR

2008-08-23T06:24:00.000-07:00

LA LIBERTAD DE SARUNAS BARTAS

2008-08-17T13:17:00.000-07:00

Luego del visionado de La Libertad pienso: ¿De que esta hecho el cine de Sharunas Bartas? Y la respuesta que encuentro es, de imágenes.
Una obviedad ya que hablamos de un director de cine, pero en su caso esto se convierte en una revelación y en la esencia de sus films. Y que ocurre con las imágenes entonces en su cine? Se las contempla. Más obviedades. Toda imagen esta hecha para ser contemplada. Pero esto no siempre ocurre. El acto contemplativo de imágenes en Sharunas Bartas alcanza otra dimensión que no alcanza en cualquier creador. Invita a ver de verdad, a ver más.
Arena, pieles secas, para qué lado sopla el viento. Ver huellas… de personas… del tiempo. Gran cineasta del tiempo. En Bartas al tiempo lo observamos, y nos percatamos que el viento, es en realidad tiempo.
Y sobretodo ver miradas. Fijas, hacia la nada, pero fijas. Potentes. Es un cine de acción interior, sostenido solo a partir del peso de la mirada humana que carga de tensión a lo mirado. La de una niña puede provocar un sentido de desolación inmenso. Cuando un ser muere, sus ojos dicen lo mismo que cuando estaba vivo.
Contemplar el entorno natural. Plano General: Naturaleza. Primer plano: Hombre. Pasando de un plano a otro indistintamente se dialoga sobre la relación/tensión entre el hombre y su medio. Los paisajes tienen cualidades humanas; intensos, emocionales, vehementes. Los humanos cualidades propias del paisaje; áridos, secos, estáticos. Los rostros son piedras. A las ropas, los cabellos, los mueve el viento, a las personas no. Las erosiona, como a las rocas. La condición del ser humano en un ambiente natural hostil, como la brisa, como el ruido constante de las olas. Tan hostil como el sol, sin nada que lo detenga, alcanzándolo todo y creando a su paso… sombras. Pero la violencia es del hombre, no de la naturaleza, la naturaleza es implacable, no violenta.
Pensará el lector, que entonces el cine de Sharunas Bartas es como el arte perdido de los cineastas mudos. Si, pero también es limitada la respuesta, porque Bartas obliga a escuchar mejor. Por más que los personajes en su cine prácticamente no produzcan discurso alguno, Si no dicen es porque el mar dice por ellos. Las pocas palabras son piedras arrojadas al viento, que las desparrama por ahí, como a la arena. Así, hablan los silencios, y cuánto! Hay sonidos espeluznantes, como el aletear de las moscas antes de posarse sobre un rostro.
Así, una caricia entre tanto laconismo puede provocar lágrimas. Alivio… respiro… dos cuerpos al fin, se tocan lentamente. ¿Significara que en ese momento, el cine de Sharunas Bartas al fin cree en algo? ¿Vislumbra acaso, esperanza en la humanidad? ¿Nombrándolo? ¿Cree en Dios? ¿En religión alguna? ¿En la piedad? No, todo esto es ilusión, solo presagio de un dolor mayor que vendrá.
Implorar, es el único gesto humano factible antes de morir.
¿Ver? Si, VER.

TEXTO PUBLICADO EN EL DOSSIER DEL CICLO DEDICADO AL CINEASTA LITUANO SARUNAS BARTAS QUE ORGANIZO EL CINELCUB "LA QUIMERA"

ELECTION 1 Y 2

2008-08-17T13:14:00.000-07:00

(E)Lección de cine.

Cuando los planos de una película se combinan como si crearan compases musicales, con melodías, contrapuntos y juegos rítmicos entre las notas. Cuando las tomas se pegan entre si como si fuera un ballet armonioso y bello. Cuando estas notas no desentonan nunca; ninguna sobra, ninguna falta. Cuando nunca se da un paso en falso. Cuando ocurre todo esto en una película, se dice que quien dirige la batuta es un autentico maestro de cine. Johnny To lo es.
En la era en donde ya casi no existen los grandes narradores cinematográficos ni los grandes contadores de historias. Donde la herencia clásica de John Ford, Nicholas Ray, Alfred Hitchcock, Fritz Lang, Howard Hawks parece perdida o, peor aun, aggiornada a los tiempos que corren, se dice que el cine tiende a desaparecer. Solo se nombra a Clint Eastwood como estoico sobreviviente. En Hong Kong, un hombre se cría viendo cine norteamericano y fundamentalmente, lo entiende y sabe crearlo. Este hombre de Hong Kong sabe que la narración, la historia, esta en primer plano, que el autor cinematográfico es el ser esquivo entre las sombras. Y desde allí, silencioso, arma su ballet de planos, su obra maestra.
Nunca será evidente, Howard Hawks nunca lo fue y allí, Rivette lo dijo claramente, residía su genio. Alfred Hitchcock también se escondía en las sombra porque allí estaba su fuerza creadora. Johnny To es el más grande heredero contemporáneo de Hawks y Hitchcock. Ya sea en comedias, dramas románticos, policiales de acción, films de mafiosos, cine fantástico, o westerns (en las dos partes de Election vemos duelos callejeros propios del mejor Sergio Leone). El amigo oriental, diría Wim Wenders.
Nadie en el cine actual mueve la cámara de mejor y más justa forma que Johnny To. El hombre que dignificó a la grúa que lleva la cámara (“dolly”) y le dio estatuto de herramienta fundamental de escritura cinematográfica y de puesta en escena.
En los films, la principal familia mafiosa de Hong Kong elige cada dos años a su presidente y le da su bastón de poder, tal vez el McGuffin más importante del cine moderno. Las triadas se preparan frente a cada elección para la guerra. Y la guerra es siempre una cuestión de política y de sangre. Una cabeza de caballo bajo las sabanas en El padrino 2 es un mensaje político. Un hombre pasado por la picadora de carne y dado a comer a los perros en Election 2 también lo es.

ALEJANDRO COZZA

AGREGO ESTE TEXTO PUBLICADO EN LA REVISTA METROPOLIS DEL CINECLUB MUNICIPAL HUGO DEL CARRIL PARA AMPLIAR EL COMENTARIO SOBRE JOHNNIE TO

CINE Y DERECHOS HUMANOS

2008-08-17T13:05:00.000-07:00

(Prestar atención a estos dos fotogramas. El primero es de M y se ve a Nicolás Prividera entrando solo en un espeso follaje. El segundo muestra a Albertina Carri con una peluca rubia caminado en solitario por el sendero. Comparar y analizar)

El derecho a cuestionar a través de la mirada.

Una pregunta interesante para hacernos seria ¿Como entender los derechos humanos a través del cine? Ya que de por sí el cine, en su construcción, es un lenguaje complejo. Como tal, la multiplicidad de lecturas y miradas son variadas.
Al momento de su creación, el cineasta tiene que optar, como lo hace un pintor con su paleta de colores, que matices va a usar y cuales va a dejar afuera. En el cine, como en toda arte, importa tanto lo que se pone delante en evidencia, como lo que queda afuera, oculto al ojo de la cámara. Esto, que a priori, puede entenderse como una mera cuestión estética, no lo es tal. Si no que, fundamentalmente, estas decisiones son políticas, son sociales, son históricas, son económicas, y más aun, son morales. Todo dentro de un plano cinematográfico dando una visión del mundo que tiene el realizador. El celebre director francés Jean Luc Godard dijo que “el travelling -el movimiento de cámara- es una cuestión moral” y con esa frase marco a fuego toda una concepción del cine que entiende al lenguaje audiovisual unido al ser humano en su contingencia como tal y frente al mundo que lo rodea. Los derechos humanos no son ajenos a estas contingencias, y por ende, no son ajenos al cine. Están siempre en el cine que miramos, en el que se nos ofrece y podemos seleccionar, pero también en el que debemos exigir que se nos muestre.
La duración de un plano, la altura de la cámara, los colores, la banda de sonido, la iluminación, etc. son todos recursos formales que nos pueden hablar sobre los derechos humanos. No es solo importante lo que se dice como discurso hablado a través del guión del film o de los actores del mismo, el “mensaje”. Si no en el cómo se lo dice, por medio de las herramientas audiovisuales y los recursos cinematográficos que se disponen.
En el cine argentino una nueva generación de jóvenes directores ha empezado a revisar su pasado histórico, tanto personal como social, y ambos entrelazados. A tratar de ver y comprender como están parados en el mundo de hoy y a relacionarlo con lo ocurrido en la década del ´70, mas precisamente con la dictadura militar, el principal organismo represor y avasallador de derechos humanos que tuvo el país en los últimos años.
No solo es interesante la intención de estos directores de hablar del pasado, discutirlo y darlo a conocer, si no también la estética, la forma usada para acercarse a ese pasado.
Los ejemplos son muchos, pero quiero focalizarme fundamentalmente en dos casos emblemáticos y sobresalientes: “Los rubios” de Albertina Carri y “M” de Nicolás Prividera. Ambos llamados “documentales”, y uso comillas para aclarar que en ambos casos la frontera entre documental y ficción es esquiva.
Albertina y Nicolás son hijos de desaparecidos y ninguno de los dos hicieron un cine complaciente y de denuncia fácil que se podría esperar de ellos como tales. Todo lo contrario al cine que se venia haciendo en torno a estas temáticas.
Albertina Carri busca su historia, se busca a si misma y bucea en su pasado a través de un proceso de (des)construcción. En vez de armar, desarma. Su dirección es siempre contraria y nadando contracorriente hace un anti-documental según los parámetros de la industria. Mezcla registros todo el tiempo y funde ficción con realidad. Hace animaciones con muñecos en donde se ve a un plato volador secuestrar a sus padres. Así llega más lejos que nadie en su búsqueda de verdad. El Instituto de Cine le rechaza su trabajo, ella filma el rechazo y aparece en el film. Le piden que haga un documental “normal”, “común” (palabras peligrosísimas que atentan contra nuestro derecho a la diferencia), lo que se espera de ella como una hija haciendo honor a sus padres combativos. Nunca le darán plata para hacer el “mamarracho” que creen que Albertina hace. La directora obstinada y lucida filma igual el documental que quiere. Su mirada se ramifica en múltiples direcciones con la sagacidad suficiente como para mostrarnos como la unicidad de criterios atenta precisamente contra los derechos humanos y pueden crear formas, ocultas o evidentes, de represión. Con Los rubios se sale con la suya y logra una pequeña revolución. Es uno de los films mas importante de los últimos tiempos y un documental emblemático que marca un antes y un después por las formas utilizadas. Si eso no es ejercer su derecho a crear y a decir sus verdades. ¿¡¿Que son entonces los derecho humanos?!?
El caso de Nicolás Prividera es distinto, pero no menos loable. Él pone la cara y el cuerpo todo el tiempo en escena. Y es un ser tan racional, tan cuestionador, tan inteligente, como cargoso e insoportable para las personas que interroga. Porque Nicolás tiene una arma poderosísima e irreductible en sus manos; la verdad. Y esta dispuesto a usarla hasta las ultimas consecuencias y contra quien se le ponga delante. Sea amigo, enemigo, pariente, o ex-compañero de su madre desaparecida, a quien busca en su recuerdo. Cuestiona todo el tiempo, con palabras soases y justas, con gestos que dan miedo. Nos hace participes y responsables de lo que pasa, pasó y pasara en el país a TODOS. Y maldito, tiene razón. Hoy, cuando nada se cuestiona y todo se da por sabido y aceptado, que en este país alguien como Prividera haya hecho este documental es para ponerse de pie y aplaudirlo largo rato, por más que él, de seguro se indignaría con nosotros por complacientes. No perdona y ejerce su derecho a la verdad como nadie, y sabe que así nadie podrá callarlo. Porque no hay fuerza más poderosa que ella. En el mundo del relativismo absoluto que todo lo disuelve y lo olvida (que no es lo mismo que la multiplicidad de miradas de Carri), Prividera es quien pregunta y nos devuelve a la razón y a nuestras responsabilidades como seres humanos. Si alguien quiere entender los derechos humanos desde el cine, que se acerque a M. Allí no están explicados, allí están dados como un cachetazo a la conciencia, se entienden y comprenden muchos días después, cuando uno ha terminado de sobarse. Luego de esa toma de conciencia, se puede comenzar mejor a ejercerlos y a pedir por ellos.

Alejandro Cozza

TEXTO PUBLICADO EN UNA REVISTA SOBRE DERECHOS HUMANOS

JOHNNIE TO

2008-08-17T09:15:00.000-07:00

Maestro To.

En el escritorio de mi computadora tengo pegada una postal/foto que un amigo me regalo del Festival de cine de Rotterdam. En ella se ve a un hombre mayor, oriental él, sentado en una mesa de un bar con una cámara de foto en la mano dispuesto a fotografiar a dos bellas señoritas, blondas ellas -probablemente holandesas-, que conversan entre si afuera del bar sin saber que alguien desde adentro, con una mirada juguetona, esta por fotografiarlas. La cámara de foto de quien tomo esta imagen esta ubicada fuera del bar de frente al hombre oriental con la “otra” cámara, en el medio están las dos rubias separadas por el vidrio de la ventana del bar que se me antoja hace las veces de una pantalla de cine. El fotógrafo que tomó esta imagen desconozco quien es; el oriental sentado en el bar con la otra cámara fotográfica es Johnnie To; las rubias son solo objeto de admiración traviesa de ambos fotógrafos.
Esta imagen me gusta y habla mucho del cine de Johnnie To, por ese motivo la tengo pegada en mi escritorio.
La sonrisa y el aspecto lúdico con la creación de la imagen que transmite esta foto sobre el director, habla mucho de él. Sus imágenes se encuentran suspendidas en un punto intermedio entre la felicidad que transmiten sus formas y el drama, muchas veces trágico, que pueden sufrir sus personajes. El suyo es un cine aéreo, en el sentido que desafía leyes de gravedad y las sitúa en un punto intermedio entre el aire y la tierra, un cine que vuela. No sus personajes en sentido literal, sino las quiméricas emociones que ellos desprenden.
Por ello su plano fundamental es el llamado “plano secuencia” y su forma de filmar es con la cámara arriba de una grúa que la sostiene. Así sus imágenes se despegan del suelo, de toda firmeza, y pueden recorrer libremente todo el espacio de la puesta en escena.

1996: uno de los referentes indiscutidos del cine francés contemporáneo, Olivier Assayas, estrena Irma Vep, un film de ficción con aires de ensayo en donde un director de cine (Jean Pierre Leaud, icono actoral de la nouvelle vague) contrata a una actriz oriental, la inigualable y también icónica Maggie Cheung, para protagonizar la remake de un serial francés, Les vampires de Louis Feudialle. Este film puente entre occidente y oriente reflexiona sobra lo que significa la nueva moda del cine de Hong Kong que empezaba a explotar por esos años. En él, se ven fragmentos de una película anterior de Maggie Cheung (cine dentro de cine), un clásico y muy popular, en su país de origen, wuxia contemporáneo de acción y artes marciales llamado El trío heroico, film dirigido por Johnnie To. Assayas traza así, una línea imaginaria para la nueva cinefilia entre dos mundos (no tan) distintos. Y de paso, occidente queda sorprendido por esas breves imágenes que se ven en pantalla. ¿Quién es ese director? ¿Quién hizo semejante película? ¿Quién se atrevió con esos encuadres estilizados hasta lo imposible? ¿Por qué vuelan de esa manera las actrices en el film?

El cine de Hong Kong hizo escuela y fue furor a fines de los ´80 y comienzos de los ´90, etapa de su descubrimiento por parte de occidente. No solo el de autor (caso Wong Kar Wai) sino sobretodo el de género; ya sea de acción, de artes marciales, policial, comedias, etc. La vitalidad, el desparpajo, y la innovación formal era su carta de presentación. El gran experto surgido en esta etapa fue el famoso John Woo (seguido por los menos conocidos Ringo Lam y Tsui Hark), genio indiscutido del cine policial de acción. Célebres son sus tiroteos coreografiados entre palomas que vuelan por doquier.
Pero un suceso político clave como el traspaso de Hong Kong de ser colonia inglesa a depender políticamente de China produjo una merma en este furor amarillo y la producción de cine decayó. Los viejos referentes fueron chupados y arruinados por Hollywood. Poo suerte, sobreviviría un heredero a la debacle quien surgiría con peso propio creando primero su propia compañía productora (la celebre Milky Way) para poder así tener el control total sobre su obra y hacer lo que se le viniera en ganas, que seria mucho, y muy bueno. El discípulo se calzaba ahora el traje de maestro. Johnnie To seria el encargado y el principal responsable de mantener viva la tradición del cine de Hong Kong y de llevarlo a nuevos puertos.

Johnnie To es un indiscutido amante del cine norteamericano en su vertiente más clásica. Al punto tal que es uno de los pocos que sabe narrar cinematográficamente siguiendo el modelo de los directores tradicionales americanos, o incluso, siguiendo los pasos del director más occidentalizado de los orientales, como lo es Akira Kurosawa. Esto se hace evidente en casi todas sus películas que están plagadas de referencias a clásicos concretos de la cinematografía occidental. Desde La pandilla salvaje de Sam Peckimpah en Exiliados (su adoración por este director y film en particular es clave en toda su filmografía); de los spaghetti westerns de Sergio Leone en Election (además de tomar elementos de los films gangsteriles de Coppola y Scorsese); de La Dama de Shangai de Orson Welles en Mad Detective; llegando así al sumum de la referencialidad y la intertextualidad en esa joya cinematográfica filmada con la velocidad puesta en quinta que es Fulltime Killler, recopilación de un sinnúmero de filmes de acción que van desde Point Break a El mariachi, pasando por El Perfecto Asesino, Perros de la Calle y un largo etc.; y no se puede dejar de lado a la figura de Alain Delon encarnando a El Samurai de Jean Peirre Melville, como un referente obligado en la construcción de todos sus personajes masculinos, todos héroes solitarios, ya sean policías, asesinos a sueldo o miembro mafiosos de las triadas.
Esto trasforma a Johnnie To en un gran director clásico en sus formas narrativas, pero netamente posmoderno en su erudición citatoria.

Es un problema (sobretodo porque limita su popularidad y el mejor conocimiento de su obra) que se lo asocie tanto a Johnnie To al género de acción. No vamos a negar que son fundamentales sus obras dentro de esta índole (además de los filmes ya mencionados, son excelentes también P.T.U., Throw Down, Running Out of Time y Breaking News) y es donde probablemente haya dados su filmes mas comerciales. Pero por culpa de una mala distribución que nos ha negado la posibilidad de ver otros filmes no menos espectaculares del director, nos genera un equivoco que es necesario subsanar: Johnnie To es un maestro también de la comedia, e incluso del melodrama romántico. Needing You y Turn Left Turn Right probablemente sean dos obras geniales del amor romántico filmados en clave de comedia ligera, en cuanto a las muy divertidas situaciones de enredos que se generan entre sus personajes y el carácter genuinamente emotivo que ellos destilan. Nuevamente, lo llamativo del caso es que son comedias resueltas sobre grúas “Dollys”. ¡Johnnie To sitúa la cámara arriba de una Dolly hasta para filmar un plano detalle! Y de esa manera le da mayor sentido narrativo hasta la más minima toma. Algo que ningún director haría jamás. A nadie se le ocurriría hacer una comedia filmando casi todo sobre una grúa y resolver la panificación de esa forma. Así la fluidez narrativa alcanzada y el vuelo que toma el argumento es inusitado. Logrando comedias que son complejos mecanismos de relojería; precisos y abstractos al mismo tiempo. Tal vez sea Ayer Otra Vez (un digno film en la tradición de Atrapa al ladrón, aquella ligera y encantadora obra maestra de Hitchcock) el film que une ambas corrientes del director; acción y comedia. Resultando un film burbujeante como el champagne, exquisito y juguetón.

Este año es el del desembarco definitivo de Johnnie To en nuestro país con la edición de DVD de su film Exiliados (gran pena da, no poder ver esta gran película en salas cinematográficas) que se suma a las ya editadas el año pasado Fulltime Killer y Ayer Otra Vez, y la llegada (si a las salas de cine por más que sean DVD´s ampliados) de Election 1 y 2. Ojala el público acompañe estos lanzamientos y podamos permitir así ver nuevos filmes de To por estos lados, que para colmo es un director muy prolífico que filma entre dos y tres películas por año, todas prácticamente perfectas. Es un maestro de cine ya consagrado en muchos lados, pero que por aquí tenemos que descubrir todavía.

Alejandro Cozza

EL SABOR DE LA NOCHE

2008-08-17T09:12:00.000-07:00

EL SABOR DE LA NOCHE de Wong Kar Wai

Dos bares. Una carretera, una mujer. Un casino, un hombre. Dos pares de amantes.
La distancia insondable entre dos personas en donde los diálogos son siempre formas de rodeo en torno a los cuerpos a los que no se puede entrar.
Bares… no-lugares donde el amor no-se encuentra. Pero donde las emociones estallan por los costados (las huidas, las dispersiones) y de frente (un choque de auto), de cara a la imposibilidad de la comunión.
Temáticas afines a un director que entiende el estado latente de los sentimientos amorosos en sus manifestaciones azarosas y peligrosas cuando la imposibilidad es la regla. Wong Kar Wai puede estar en Hong Kong, su patria cinematográfica originaria (aunque él nació en Shangai), puede acompañar a sus amantes hasta Buenos Aires (como en Happy Together), o puede directamente situar toda la acción y cambiar de idioma como en El sabor de la noche, y ser los Estados Unidos el nuevo refugio para sus imágenes, pero siempre la química inaprensible y esquiva entre los amantes será su territorio.
El cambio de lugar era tema de preocupación previa para los incondicionales del director (típica frase tribunera: “se yanquilizó”) ¿Su mundo de imágenes se sostendría en este nuevo contexto? Pregunta un tanto inconducente teniendo en cuenta que Wong Kar Wai es tal vez el director posmoderno por excelencia. De esos que se dedican a borrar fronteras y hacer universales, para bien o para mal, sus inquietudes formales.
Tomando como antecedente inmediato a Wim Wenders, cuando se aleja de su Alemania natal y toma también las rutas de la América profunda en 1984 con Paris Texas, filmando también la imposibilidad del amor. Las similitudes entre los filmes son muchas. Desde la música conducida por el eximio guitarrista Ry Cooder en ambas películas acompañando la misma visión sobre la Norteamérica mítica, una que probablemente ya no exista, o probablemente nunca existió y solo pertenezca al imaginario cinematográfico. Pero como buenos bucaneros es esa, y no otra, la America/Tesoro que van a buscar tanto Wenders como Wong; recorriendo sus caminos, deteniéndose en sus bares y escarbando en sus seres olvidados, marginados. El parecido físico del personaje mas outsider de El sabor de la noche, David Strathairn, con el Harry Dean Stanton de Paris, Texas es como menos curioso y colabora en mucho al trazado de analogías.
Solo que Wong Kar Wai se aleja de la grandilocuencia pretenciosa de Wenders (que se hizo patente en su otro film mas reciente sobre Norteamérica, Land of Plenty) para hacer un film más pequeño, más cercano a un ensayo, o a un ejercicio de formas. Si uno viene con el antecedente de las obras maestras previas del director (Days of Being Wild, Chunking Express, Fallen Angels, Con Animo de Amar) puede sentirse decepcionado por la propuesta y despotricar contra el director (algo que ha ocurrido en muchos sectores de la critica cuando el film fue estrenado en el festival de Cannes del año pasado), pero no se puede dejar de reconocer que incluso un film menor de Wong Kar Wai es infinitamente superior a la mayoría de las películas que podamos ver estrenadas este año.
Ya que su titulo “argentino” menciona al sabor, la exquisitez visual esta asegurada (por mas que en la fotografía no este ya su ladero habitual, el grandísimo Christopher Doyle), la elegancia formal también. El genial barroquismo de la puesta en escena aleja toda pretensión de teatralidad que podrían temer sus escenas (la mayoría transcurren en únicos escenarios, los consabidos bares, durante largos minutos).
Para Wong vendría a ser un film de cámara, en el sentido musical del término, aunque si bien ninguno de sus filmes anteriores se alejan de esta definición. Siempre existe en ellos un papel predominante a la música popular en cualquiera de sus manifestaciones. ¿Cómo olvidar el clásico “California Somnolienta” o “Linger” de los Cranberries en Chunking Express, o a Nat King Cole en Con animo de amar?.
Aquí el soundtrack es también exquisito bajo la cuidada selección del ya nombrado Ry Cooder. La propia Norah Jones, protagonista principal, aporta un tema en exclusiva a la película. Pero sobresale por categoría y clase la sorprendente Cat Power (que además tiene un breve papel como ex-novia de Jude Law) con su tema “The Greatest”, canción del disco homónimo que el director escuchaba obsesivamente mientras planeaba la película.
Se dijo siempre que el guión era el de un cortometraje, y eso se nota. Tal vez sea su lado discutible. Las acciones están alargadas, por momentos, innecesariamente y si sacáramos las estilizadas ralentizaciones habituales del director probablemente el film duraría mucho menos y ganaría en concisión y precisión.
El film se divide claramente en dos bloques siendo Norah Jones el hilo conductual de ambas secciones. Aunque en la primera parte, que transcurre en Memphis, ella es mera observadora de la tragedia amorosa de los personajes de David Strathairn y Rachel Weisz. Ya en la segunda mitad, por lejos la más interesante, su rostro adquiere el rol predominante saliendo airosa de su primera actuación cinematográfica.
Aquí, cuando se cambia de escenario y Las Vegas pasa a ser la ciudad, es donde la cámara se libera del encierro y adopta formas mas libres, sale a tomar aire y como espectadores sentimos la brisa fresca en la cara. Además, esta segunda parte, tiene un factor desequilibrante que se llama Natalie Portman. Usar a la Portman en un film, filmarla, por desigual que pueda ser este film, significa que en sus escenas la imagen se ve transportada a un mundo de ensueño. Es una de las presencias actorales mas fuertes y bellas que existen en el cine actual, y su rostro enamora a la cámara. Cuando junto a Norah Jones huyen de La Vegas en auto, uno desearía estar en el asiento trasero, observándolas, siguiéndolas. Unas Thelma y Louise menos rebeldes y más líricas, preocupadas por si hay que confiar o no en el género humano y en el amor.
Es notoria la inversión genérica que realiza Wong Kar Wai en donde rompiendo estereotipos, los hombres son los seres pasivos, los que esperan, los que están quietos, hombres-bares. Mientras que ellas, son las activas, las que buscan, las que andan, las que se adentran en nuevos territorios, mujeres-coches. Gran reverso cultural. Porque si bien amar puede ser un asunto de espera, de confianza y de dejarse caer, también es paradójicamente una cuestión de búsqueda de libertad.

HISTORIA(S) DEL CINE DE GODARD

2008-06-02T08:47:00.000-07:00

Historia(s) Del Cine (1988-1998) de Jean Luc Godard.
Para adentrarse en un film de Godard hoy, y mas precisamente en sus Historia(s) del cine, hay que partir con algunas consideraciones previas. La primera y principal, que es muy probable que uno se quede afuera de buena parte de lo que el director muestra y dice, no entendiendo lo que pasa delante de sus ojos. Una sensación de disminución intelectual que sufre el espectador desde los primeros minutos. De no estar a la altura. Esto, que a priori puede sonar decepcionante y perjudicial para el ego del espectador es, a viceversa, algo muy positivo para empezar a ver su cine. Esta aceptación del no-entender es base para poder adentrarse en su cine. Godard así lo quiere, y así lo provoca. Pasado ese malestar inicial, y despreocupándonos de nuestro ego, podemos empezar a relajarnos y ver sus imágenes, comprender su propuesta. Ahí, es cuando todo se aclara. Y la disminución del saber intelectual empieza a trasformarse en gozo audiovisual y sensorial en donde todo cobra sentido, solo que en otro orden al habitual. Algo similar a lo que ocurre con el cine de David Lynch. No por nada, tanto el francés como el norteamericano son los emblemas mas grandes de la modernidad y en sus manos esta el camino, y el hacer, del futuro del cine.
¿Y que son, o que es, las Historia(s) del cine?
Un collage abigarrado, lucido, confuso, revelador, genial, complejo, bello, totalizador, fascinante, abrumador, inteligente, lúdico, conceptual, y todos los adjetivos que se nos ocurran agregar, incluso los que sean contradictorios entre si. Así de simple. Quitándonos de encima el peso de la adjetivación recurriendo a buena parte de los adjetivos laudatorios que podamos tener a mano, se puede hablar mejor de su obra.
Es un ensayo, pero al mismo tiempo una ficción, un documental, es la historia contada de la realidad desde la subjetividad (el cine como mirada personal, a la vez colectiva) de los hechos ocurridos. Suena contradictorio? No lo es y si lo es. Es Jean Luc Godard.
En ocho partes el realizador disecciona A SU MANERA, la historia del cine fundiéndola con la historia del siglo XX, reescribiéndola y reinterpretándola a 24 cuadros por segundo. Dice en el film: “al alba del siglo veinte las técnicas decidieron reproducir la vida entonces se inventó la fotografía y el cine”
Las conexiones que Godard establece entre imagen sonido, audio, texto, palabra escrita y palabra hablada, imagen escrita e imagen mostrada nos trasladan a un nuevo mundo de resignificaciones. Así cobran distintos sentidos ideas que va desgranando, tales como:”El cine, como el cristianismo, no se funda en una verdad histórica, nos da un relato, una historia, y nos dice ahora: cree”; “Alfred Hitchcok logro allí donde fracasaron Alejandro, Julio Cesar, Napoleón, tomar el control del universo”; Solo el cine vio que si cada uno hace su tarea las masas se organizan solas siguiendo un irreprochable equilibrio que la luz cae donde debe y soslaya lo necesario porque es útil que ilumine un punto de la escena y porque la sombra puede reinar sobre el resto”.
El cine tiene un poco mas de cien años, y nadie mejor que Godard para explicarlo y hacernos ver su sentido en la historia del siglo pasado; del cine como política; del cine como arte; del cine como sociedad; del cine como filosofía; del cine como química emocional en nuestro cerebro; del cine como industria; del cine como herramienta ideológica de dominación; del cine como poema; del cine como la forma de mirar y plant(e)arse frente al horror (Auschwitz) del mundo.
Nunca didáctico, siempre dialéctico, nunca enciclopedista, siempre abarcador. No da cátedra, muestra el objeto de estudio abierto. Es la rana diseccionada en sus vísceras, no para explicarla y entender el funcionamiento de su organismo, sino puesta arriba de la mesa para que solo la toqueteemos y veamos/descubramos, fascinándonos o asqueándonos, como es su interior.
Es una de las obras cinematográficas mas importante de los últimos años, un resumen de la historia del cine al mismo tiempo que una obra cumbre dentro de la misma.

SIN LUGAR PARA LOS DEBILES

2008-04-27T18:32:00.000-07:00

Tiempos Violentos.

Un fantasma, una sombra asesina, asola imparable e implacable los sueños de los justos, y de los no tan justos. Nadie escapa al alcance del mal. Es la tesis que proponen los terribles hermanitos Joel y Ethan Coen en su última película, “Sin lugar para los débiles”. Y si ese fantasma tiene un peinado tan horrible como el que luce Javier Bardem en el film, les aseguro que se instalara en sus pesadillas para no irse jamás. Tal vez desde Hanníbal Lecter que el cine norteamericano no presentaba a un asesino tan temible como Antón Chigurh. Cargado con un tanque de oxigeno que conectado a su pistola ayuda a que sus balas tengan una potencia mucho mayor, va recorriendo la carretera persiguiendo a un pobre ventajista que le roba una maleta llena de dinero.
No es la primera vez que los Coen realizan un retrato similar, ya las excepcionales “Simplemente Sangre”, “Fargo” y “El hombre que nunca estuvo” compartían tono y temática con este film. Pero nunca habían ido tan lejos y habían sido tan lapidarios. Ya casi no hay resquicio en el film para el humor negro tan corrosivo y característico de ellos, salvo, ay, en ese peluquín de Bardem/Chigurh. Y la gran noticia, es que estos hermanos que siempre se consideraron independientes y que desde su pequeño rincón de la industria cinematográfica tenían la libertad para mostrar las falencias del sistema como quisieran (porque llegaban a poca gente y en el fondo, no molestaban a nadie), de repente ganan el Oscar y son catapultados a audiencias mayores y a un lugar dentro de la industria que nunca habían tenido antes. Y lo bueno, que lo lograron sin resignar un ápice de su independencia y con su film inclusive, mas arriesgado y oscuro que sus anteriores, con una narrativa muy poco convencional y a contramano del uso y gusto de Hollywood.
Lo que tal vez sea un síntoma de los tiempos que corren, porque el cine norteamericano como pocas veces ha ocurrido antes (tal vez la convulsionada década del ´70 con Vietnam como telón de fondo pueda compararse con esta etapa), esta mostrando un vacío moral y una ambigüedad ética que es solo reflejo de una sociedad fragmentada, violenta, sin esperanzas, pérdida por las ansias de poder económico. En donde el fin, el capital, justifica las conductas mas ruines del ser humano. En la línea del reciente film de los Coen podemos agrupar a un numeroso grupo de películas recientes y a realizadores muy críticos hacia el presente y hacia el pasado de su país, que comparten este pesimismo social trasladado a conductas individuales. La excelente también “Petróleo Sangriento” de Paul Thomas Anderson en donde “oro negro” y “religión” forman un cóctel mortal; “Antes que el diablo sepa que estas muerto” del veterano “francotirador” Sydney Lumet; “Dueños de la noche” de James Gray; “Desapareció una noche” de Ben Affleck; todos films que muestran a la ambición como un cáncer que carcome la entraña misma de la familia norteamericana, la base fundamental y sostén espiritual del “american way of life”. Y tampoco puedo dejar de mencionar, por mas que la acción ocurra en Londres y sea filmada por un canadiense, a “Promesas del este”, nueva obra maestra del gran David Cronemberg, que entra en perfecta sintonía con los films mencionados y con la película anterior que el propio realizador ambientó en los EE.UU. “Una historia violenta”, y que funciona ahora como una especie de preludio de los tiempos que vendrían en el cine. Lugares en donde la dualidad moral entre bien/mal solo conduce a una espiral descendente hacia las llamas del peor infierno.

(ESTA NOTA HA SIDO TAMBIEN PUBLICADA PREVIAMENTE EN LA REVISTA "DADA" DEL MES DE ABRIL DEL CORRIENTE AÑO)

JOHN CASSAVETES EN CINEFILOS BAR!!!

2008-04-06T06:23:00.000-07:00

El martes 8 de abril larga en Cordoba el ciclo dedicado al genial, imprescindible, ultraindependiente John Cassavetes. Para quien esto escribe, uno (sino el mas) de los cineastas mas importantes e influyentes de todos los tiempos. Absolutamente toda la historia del cine independiente mundial (no solo el norteamericano) estara en deuda eterna con el cineasta neoyorkino. Sus peliculas, sin embargo, son muy dificiles de ver y conseguir por lo que no se pierdan la oportunidad de disfrutar y apreciar este verdadero evento cinematografico.
La primera proyeccion de este martes 8, sera la de su primer film "Shadows" ("Sombras").
La cita es en Cinefilos Bar (Bv. San Juan 1020) todos los martes de abril y mayo a partir de las 20 hs.
Al finalizar las proyecciones de las peliculas se realizara una charla y posterior debate a cargo de quien esto escribe.
Por la programacion completa chequeen el flyer que pego arriba.
IMPERDIBLE!!!!!!
(JE, y no se crean que lo digo porque yo lo presnto eh)

BETTE DAVIS EN EL CINECLUB "PASION DE LOS FUERTES"

2008-04-03T13:26:00.000-07:00

A partir de este sabado 5 de abril largamos con un cineclub nuevo en Cordoba. Se llamara "Pasion de los fuertes" en honor al celebre film de John Ford con Henry Fonda y funcionara el la biblioteca del CineClub Municipal Hugo del Carril. La idea es proyectar y organizar ciclos dedicados al cine clasico norteamericano y mundial. La cita es entonces el sabado a partir de las 19 hs. en la biblioteca "Los 39 escalones" de Bv. San Juan 49 y la presentacion de las peliculas correra por cuenta de quien les escribe. Para mas informacion, la pagina del cineclub www.cineclubmunicipal.org.ar.
El primer ciclo que hemos organizado con la gente del cineclub estara dedicado a la gran Bette Davis ya que el 5 de abril justamente se cumplen 100 años de su nacimiento. En su honor el primer mes hemos programado cuatro de sus mas celebres peliculas. El sabado largamos con la proyeccion de "Que pasa con Baby Jane?", la obra maestra de Robert Aldrich en donde la Davis junto con Joan Crawford realizan un tour de force actoral increible.
El sabado que viene sera el turno de "La malvada", el celebre film de Joseph L. Mankiewiczs tantas veces homenajeado (Almodovar en "Todo sobre mi madre" para emepzar) y "copiado". Mientras que los sabados 19 y 26 de abril pasaremos dos de los films que la actriz realizo juanto con el indispensable William Wyler; "La Carta" y "La loba".
Esta hecha la invitacion. Quien acaso osaria dejar plantada a una mujer con ese caracter, y con semejante mirada eh?!?!?!

IMPERIO

2008-04-03T05:39:00.000-07:00

Nuestros sueños y pesadillas tienen quien los filme!
Este fin de año, la alicaída cartelera cordobesa se vio fortalecida por la llegada de un “ovni” cinematográfico dirigido por “el James Stewart de Marte” como se lo supo llamar en un momento a David Lynch. El estreno fugaz, pero estreno al fin, de su ultimo opus Inland Empire (Imperio para nosotros) nos hizo creer de nuevo que existen aún posibilidades de enfrentarse con filmes que nos deslumbren, nos sorprendan, estimulen nuestra inteligencia y nos provoquen, llegando al caso de producirnos malestares fiscos que nos acompañan a la salida de la proyección tales como; conmociones cerebrales, mareos varios y dolores estomacales. Que una película sea capaz de provocar semejantes reacciones en la platea es motivo de alegría de todo amante de cine y una demostración que el séptimo, es una arte vivo todavía.
David Lynch es el hombre que desafía toda lógica narrativa y estética que podamos poseer para llevarnos a su propio mundo de pesadillas y alucinaciones. Esto en si, no es del todo novedosa, ya que Lynch no es le primer cineasta que se mueve como pez en el agua por los sueños humanos (de Bergman a Fellini, de Buñuel a Kurosawa, el cine clásico y moderno tuvo muchos directores oníricos, así como en la actualidad podemos encontrar a Michel Gondry por ejemplo o al increíble checo Jan Svanmajer), pero lo verdaderamente sorprendente en Lynch es que una vez que entramos en su mundo, los caminos son accesiblemente complejos, nunca nos perdemos en su laberinto. Es un maestro de ceremonias que sabe conducir al espectador por un mundo irracional sin soltarle nunca la mano en su fábrica de fantasías como un Willy Wonka pasado de ácidos y con muchas noches sin dormir. Y el encanto de su mundo es tal, que por más que uno como espectador no entienda del todo lo que “nos quiso decir”, la experiencia nos deja fascinados y extasiados pidiendo más, no queriendo abandonar nunca la fabrica de espeluznantes maravillas del rey David.
Con Imperio, Lynch confirma que es el más grande narrador de lo irracional, ya que para él, el máximo caos es solo otro orden mejor al que conocemos habitualmente.
Y si hablamos de caos y nos damos una vuelta por la otra parte del globo terráqueo, encontramos a otro gran maestro del desconcierto y la confusión en sus formas mas (des)ordenadas y (des)encantadas. Yendo de occidente a oriente nos topamos con el “primo” desaforado y “zarpadito” (valga aquí el adjetivo) de David Lynch. Takashi Miike su nombre y conocer sus (muchas) películas es volverse un adicto total a su cine. Realidad y sueños se funden y confunden todo el tiempo en pantalla y la perdida de la noción total de todo esquema racional es el premio que recibimos por adentrarnos a sus múltiples mundos. Miike filma mucho, de tres a cuatro films por año, y todos distintos, todos fascinantes. En todos mezcla agua con aceite permanentemente y las mezclas le saben siempre deliciosas. Aunque a veces cuando este director esta pasado de vuelta, y cuando les digo que un director japonés esta pasado de vuelta eso significa que nunca van a ver algo tan extremo, estas mezclas pueden llegar a precisar de una hepatalgina cerebral luego del visionado de joyas como Visitor Q, Ichi the killer, Izo o Audition. Miike puede ir del policial hiperkinético y ultraviolento de la saga Dead or Alive, al film infantil con La gran guerra Yokai; del muy alegre musical negro con escenas animadas con plastilina en La felicidad de los Katakuris, a la calma poética e introspectiva de The bird people in China; de la parodia a la Godzila cruzada con los marcianitos de Tim Burton en Zebraman, con el terror mas extremo y repugnante de Imprint. Conocer las obras de Miike y Lynch significa ampliar en varias pulgadas nuestra capacidad de asombro y enriquecer sobradamente nuestra experiencia audiovisual.

(ESTA NOTA FUR PUBLICADA ANTERIORMENTE EN LA REVISTA DADA DE DICIEMBRE DEL AÑO PASADO)

LAS 75 MEJORES PELICULAS DEL 2007

2007-12-18T08:00:00.000-08:00

Cuelgo la habitual seleccion anual de mejores peliculas del año que hacemos en el video. Pa´que chusmeen y se entusiasmen, son una bocha de peliculas comentadas:

Costó mucho este año seleccionar las mejores películas, no porque no las hubiera habido, sino todo lo contrario. La enorme cantidad, variedad y gama de películas que nos llegaron de todos los tamaños formas y colores hizo que fuera una tarea titánica.
Además, como nunca, estos meses nos llegaron films de años anteriores que nunca habían tenido distribución oficial en nuestro país y ni mucho menos estreno comercial alguno. Poder acceder a este material hizo que conociéramos películas de años anteriores claves para tener una idea más abarcadora del panorama del cine mundial de este nuevo siglo. Por ello decidimos incluirlas en este año para no dejarlas pasar.
Esto motivo a que las habituales “50 mejores del año” se agrandaran y tuviéramos que alargar la lista. No podíamos dejar afuera semejantes películas! Así, más que una lista de “mejores”, es en realidad una guía de 75 ítems con todo lo importante que paso este año en materia fílmica por Séptimo Arte. Si contamos las películas seleccionadas, mas un especial comedias, más los bonus recomendados, más las ediciones de películas clásicas de directores fundamentales, estamos hablando en realidad de una guía de más de 100 películas!!! indispensables para ver.
De los primeros 30 puestos por ejemplo, si bien tenemos la intención de que sea de la mejor a la “menos mejor”, el criterio de selección es netamente relativo, subjetivo y caprichoso. Cualquiera de estas primeras 30 podría haber tenido una ubicación distinta ya que son todas grandes películas, la mayoría de ellas obras maestras. Los puestos con los números es por ello, algo más bien anecdótico y juguetón.
Todos estos films apuntan a defender lo que más intentamos mantener en Séptimo Arte, la VARIEDAD y la posibilidad de ELECCION. Podrán acusarnos de los peores pecados, pero no de que no amamos al cine y apostamos por él en todas sus formas.
Para los que no tengan más planes para el verano que la pelopincho de rigor, o en su defecto, manguera y pies en el balde con agua, les recomendamos este puñado de películas. Ah, y no pregunten después que hay de bueno para ver eh! JAJA.

1) BUCAREST 12:08 : De Rumania descubrimos que no solo había cine, sino que la gente que lo realiza es un grupo de jóvenes cineastas con un soberbio dominio del lenguaje audiovisual. Y esta comedia política sobre la caída del comunismo, y el fin de la dictadura de Ceausescu, es su prueba más contundente. Con solo tres personajes dentro de un estudio de televisión se crea uno de los films más inteligentes y complejos políticamente hablando de los últimos años, y uno de los más divertidos! Bonus: Rumania revisa su pasado reciente a puro cine y Como celebre el fin del mundo es otra prueba contundente de esto.
2) SOÑANDO DESPIERTO: De Michel Gondry (director de El eterno resplandor de una mente sin recuerdos) sabíamos que poseía una creatividad desbordante, pero no cuan lejos podía llegar si lo dejaban suelto con toda la libertad del mundo en un set de filmación. Ver para maravillarse y creer en todo lo lejos que puede llegar la imaginación de un hombre cuando no tiene limites. Realidad y sueños se amalgaman creando un mundo encantador y una realidad paralela para contar una historia de amor que atraviesa toda barrera racional.
3) IMPERIO: El milagro cinematográfico del año! Que hayan estrenado la nueva y mas grande locura de David Lynch en los cines ya de por sí, es digno de festejo. Y cuando digo la mas grande locura de… estamos hablando David Lynch! Por lo que eso quiere decir ponerse frente a un shock absoluto de imagines que desconcertara y fascinara hasta los limites mas extremos. Un Lynch al 100% de su creatividad, así que imaginen lo que eso significa! O no... porque nadie en su sano juicio puede imaginar esto, solo viéndola se puede llegar a tener una idea.
4) LOS AMANTES REGULARES: Phillippe Garrell es uno de los directores mas importante del cine francés de los últimos 20 años, solo que su carácter de “cineasta maldito” ha mantenido su obra oculta al gran publico. Por suerte podemos ahora disfrutar de su última obra maestra, un muy realista fresco sobre el mayo del ´68 que en comparación, deja a Los Soñadores de Bertolucci como un inocente juego de niños. Bonus: Inocencia Salvaje es su film anterior y cuenta la relación que mantuvo el director con Nico, la cantante de The Velvet Underground.
5) LOS ESPIGADORES Y LA ESPIGADORA: Puedo parecerles exagerado pero creo que Los espigadores… es uno de los mejores documentales de todos los tiempos. Agnes Varda es la abuelita del cine francés y posee una sabiduría frente a la vida y frente al cine que le permite JUGAR (así con mayúscula) con toda la basura y los desechos que encuentra a su paso para reflexionar sobre el mundo moderno con una lucidez tan reveladora como divertida. Si es verdad que existen esas películas que “iluminan la vida”, esta es sin duda una de ellas.
6) THE WILD BLUE YONDER + GRIZZLIE MAN: Cuando creíamos que el gran Werner Herzog ya no hacia cine, se despacha el hombre con dos documentales que tranquilamente podemos considerarlos como entre lo mejor de su carrera;. The Wild Blue Yonder es un maravilloso “falso” documental de ciencia ficción sobre un futuro apocalíptico que expande los limites del cine; mientras que Grizzlie Man cuenta las desventuras de un hombre que amo a los osos hasta los extremos de la locura y de su capacidad como ser humano, o sea, todo lo que Herzog siempre contó en sus historias, solo que esto es real! Bonus: Rescue Dawn es la vuelta a la ficción de Herzog con Christian Bale haciendo de un prisionero de guerra en Vietnam.
7) PROMESAS DEL ESTE: Una vez mas David Cronenberg filma una obra maestra. Como en Una historia violenta, nuevamente con Viggo Mortensen (Oscar urgente para el hincha de San Lorenzo!) poniéndose en la piel de un descarnado mafioso en un thriller crudo y sangriento, además de complejo y profundo, que en nada tiene que envidiarle al cine de Scorsese y Coppola. Desde ya este film es un nuevo clásico inmortal del cine! Y posee la mejor y mas violenta escena del año con Viggo en un sauna enfrentando a los tipos que quieren matarlo.
8) THE HOST: El gran film “monstruo” coreano. Una maravilla absoluta. La ciencia ficción, la clase “B”, la superproducción de Fx y el cine catástrofe emergen de las aguas del río de la mano de un monstruo mutante para poner en peligro a una humilde familia. El drama, la comedia negra, el cine social y político, todo se mastica como un bocado perfecto en las fauces del “Nahuelito” coreano. Bonus: Boon Jong-Ho se llama este director y hay que aprenderle el nombre porque con solo tres películas ya se anota como uno de los directores mas prominentes del futuro, sus filmas anteriores a The Host son Barking Dogs Never Bite y Memorias de un Asesino y son dos prodigios también imperdibles!
9) FUNNY HA HA: La mejor noticia de los últimos, por lo menos, diez años dentro del cine independiente norteamericano se llama Andrew Bujalski. Un joven cineasta que filma películas chiquitas, con sus amigos, y con dos mangos y medio. Pero que poseen un encanto y una magia surgida de esa espontaneidad que no veíamos desde que John Cassavetes dejo de filmar. Las comparaciones que se le hacen al director con Eric Rohmer, Richard Linklater, Jim Jarmusch y el propio Cassavetes, les juro, que no son exageradas. La gran esperanza del cine “indie” es una realidad. Mientras esperamos para el año que viene su segunda película Mutual Apreciation, disfruten ahora de Funny Ha Ha, su excelente opera prima.
10) EXILED: Como todos los años hay un director que no nos falla y siempre hay una de sus películas entre las mejores del año. Claro! Si se trata del enorme Johnny To, el más grande maestro del cine policial. Este año se anota con Exiled, su mejor película a la fecha. Un glorioso ballet de acción y balas, así como de amistad y camaradería entre el grupo de yakuzas que ya habíamos conocido en la anterior, y también excelente, The mission. Bonus: se estreno también de este prolífico director japonés Ayer otra vez, una comedia/thriller chispeante, sobre una pareja de ladrones de guante blanco que en nada tiene que envidiarle al cine de Htchcock.
11) LOS ANGELES EXTERMINADORES: Una de las ultimas sorpresas que dio el cine francés en los últimos tiempos es este polémico film en donde su director Jean Claude Brisseau cuenta su experiencia real realizando castings para sus películas en donde pedía a sus actrices realizar subidas escenas de experimentación sexual con sus cuerpos. Un gran film que fuerza los limites del deseo y se enfrenta a sus consecuencias. Hacia mucho tiempo que la pantalla de cine no ardía tanto como con esta película que puede provocar absoluto rechazo, pero no indiferencia!
12) EL LIBRO NEGRO: Al igual que la coreana The Host, otro excepcional film que combina a la perfección el entretenimiento popular, en las formas del thriller y el film de espionaje, con las formas cinematográficas mas refinadas. El siempre polémico Paul Verhoeven vuelve a su Holanda natal para filmar con un trepidante ritmo los entretelones de la caída de la ocupación nazi en su país. Un complejo juego de cajas chinas en donde su heroína (aprendan el nombre de la chica; Carice Van Houten, se luce!), una “Mata Hari” judía, se debe infiltra entre los altos mandos nazis viendo y sufriendo como el bien y el mal se (con)funden todo el tiempo entre sí.
13) OASIS: De Corea no dejan de salir directores excepcionales y obras maestras. Y lo más interesante es que estos directores son todos distintos y originales sus propuestas, tanto estética como temáticamente. Tal el caso de Lee Chang Dong que cuenta en Oasis una de las historias de amor mas bizarras y extrañas que ha dado el cine. Un sujeto recién salido de la cárcel y con muy pocas neuronas se enamora de una discapacitada luego de violarla. La historia de amor de estos personajes marginales es justamente un oasis incomprendido en la moderna sociedad coreana. El tono justo alcanzado en todas las escenas hacen de este un soberbio film.
14) TU, YO Y TODOS LOS DEMAS: Junto con Funny Ha Ha, ésta es la otra gran joya del año que ofrece el cine independiente norteamericano. Divertida y grave en dosis iguales, la opera prima de Miranda July (directora, guionista y actriz del film) nos muestra a una artista con una sensibilidad única para retratar las relaciones humanas de personajes tan particulares y extravagantes como reales y cercanos. Otra promesa de directora a tener en cuenta en un futuro.
15) EL ULTIMATUM DE BOURNE: Uno de los mejores films de acción de los últimos años. La 3ª parte de la saga del agente Bourne confirma lo que ya se anticipaba en las anteriores. Que su director Paul Greengrass es un maestro del nervio y el ritmo cinematográfico. Y esta es su mejor película! Un tren bala a toda marcha que nos pasa por encima dejándonos totalmente boquiabiertos. Bonus: el año empezó de parabienes con los agentes secretos, se vino un nuevo James Bond con Casino Royale y la agradable sorpresa es que es un excelente film, distinto a todos, y mejor! Y Daniel Craig les tapo la boca a todos componiendo un 007 de antología.
16) STILL LIFE: La nueva obra del chino Jia Zhang Ke (el mismo del que apreciamos el año pasado las excelentes The World y Unknow pleasures), un cineasta fundamental para entender el cine oriental y a todo el cine actual. La construcción real de una monumental represa le permite al director conjugar todo su lirismo así como sus hondas reflexiones sociales en torno a la historia de un trabajador que llega allí para buscar a su hija que hace años no ve. Un cineasta único que hace todas obras mayores.
17) EL CIELO GIRA: La vedette del año han sido sin duda los documentales y El cielo gira es uno de los más importantes. Su joven directora Mercedes Álvarez vuelve a su pueblo natal “Aldeaseñor” para filmar durante un año a los poquísimos habitantes que allí quedan antes que el pueblo desaparezca definitivamente sepultado por el paso del tiempo y la globalización que no ha golpeado a sus puertas. Con sutil poesía, muestra el contraste de culturas entre gente que parece vivir en otro siglo, en medio del proceso de cambio modernizante de la Unión Europea.
18) DEATH PROOF: Compleja y fascinante es la ultima película de Quentin Tarantino. Por mas que a simple vista parezca todo lo contrario. Alejándose mucho de sus films precedentes para entrar en el terreno pleno de la clase B, Tarantino marca un nueva camino al cine norteamericano (difícil de discernir) y se muestra una vez mas un paso por delante del resto de sus colegas. Un grupo de chicas acosada por un asesino al volante es solo la excusa para filmar increíbles persecuciones automovilísticas, transformadas en arte puro y sublime por Tarantino.
19) PLANET TERROR: Sin dudas la película mas divertida, desquiciada, bizarra, berreta, asquerosa, repugnante y estimulante del año. Este film es de lo peor, de última en todos los sentidos. Robert Rodríguez hace, lejos, su mejor película con el colmo de las incorrecciones. Un film que tiene como pariente cercano al primer Peter Jackson de Braindead y Mal gusto. Una fiesta absoluta para todo amante de la clase B y del cine a secas!
20) LUCES DEL ATARDECER: Quien no conozca a Aki Kaurimsaki se pierde a uno de los más personales y encantadores cineastas de la actualidad. Sus films son una delicia absoluta, con un humor absurdo que ya es marca de fabrica en el director, más allá que nos cuente historias sumamente deprimentes que le ocurren a los personajes más comunes y patéticos que podamos encontrar. Y nunca perder tuvo tanto encanto como en este ultimo film de Kaurismaki. Tan triste como los tangos de Carlos Gardel que abren y cierran este film finlandés!?!?
21) LAST LIFE IN UNIVERSE: Abrir las puertas de la percepción en materia cinematográfica significa adentrarse a buscar nuevas formas visuales en países desconocidos hasta ahora, tal es el caso de Tailandia. Allí hay un cine distinto, con nuevas formas estéticas y narrativas. Y hay grandes cineastas, y uno de sus principales referentes es Pen-Ek Ratanuarang quien filma de manera hipnótica con una calidad exquisita y con la ayuda de dos enormes figuras del cine oriental, y mundial, como lo son el gran Tadanobu Asano en el rol principal del film y el director Miike Takashi como productor. Entre los tres logran una exuberante joya asiática.
22) ARMA FATAL: Que bueno confirmar que la excepcional Muertos de risa (Shaun of the dead) no fue producto de la casualidad sino del enorme talento de sus realizadores y de sus protagonistas. Edgard Wright, el director, así como Simon Pegg, actor y guionista, junto con Nick Frost reinciden juntos en su siguiente película y superan a la anterior, lo que en si da como resultado una obra genial del cine de acción, de la comedia, de la parodia, y del thriller de suspenso con toques a lo Agatha Christie. Un film divertidísimo hecho con total seriedad, además de con mucha inteligencia y conocimiento del cine de género por parte de su realizador.
23) ZODIACO: David Fincher nos ofrece su mejor película luego de una larga espera. Y eso, viniendo del director de Seven y El club de la pelea es una gran noticia. Basada en la historia verídica del asesino del Zodiaco que asoló los EE.UU en la década del ´70, Fincher reconstruye un gran fresco de la época y un excepcional film sobre la obsesión humana cuando los tres personajes principales ven que sus vidas están atravesadas por los misteriosos asesinatos.
24) TROPICAL MALADY: El nombre de este director tailandés Apichatpong Weerasetakhul es tan difícil de pronunciar como lo es encasillar a su cine pretendiendo entenderlo y dilucidarlo. Solo se recomienda abandonarse al placer de imágenes nunca vistas, con un poder y una potencialidad visual que hacen que la película parezca venida de otro planeta, un ovni tan indescriptible como hermoso. Tropical Malady es un film que se multiplica en varios, y todos ellos parecen chocar entre si al mismo tiempo que dialogan formando nuevas ideas y dotando de novedosos sentidos a lo que se esta viendo.
25) HONOR DE CAVALLERIA: La película que logró que mas gente huyera de las salas cinematográfica en donde se proyecto este año! Y lo increíble, para quienes quedan y terminan de verla es darse cuenta que ese es el mejor elogio que se le puede hacer a una película como Honor de cavallería (con “v” corta sí). Radical, imposible, fascinante, uno de los films más revolucionarios de los últimos tiempos. El mejor Quijote de la Mancha filmado hasta la fecha, y lo más llamativo es que se logra hacerlo yendo en dirección contraria a la ideada por Cervantes. Es la no-narración de la más grande narración de lengua hispana. Y esta hablada en catalán!.
26) REYES Y REINAS: El cine galo esta teniendo una renovación creativa y cualitativa muy interesante, y ejemplo de ello es este excelente film de uno de sus directores que mas aportan a dicha renovación, Arnaud Desplechin. Reyes y reinas muestra a una mujer (la excelente Emanuelle Devos) en crisis lidiando con los hombres de su vida; hijo, padre, marido, amante, amigo en un film maduro y complejo. Con notable fluidez narrativa pasa por distintos estados entre presente/pasado, cine/teatro, comedia/drama.
27) FLANDRES: Bruno Dumont hace un cine doloroso. En sus temáticas, en sus planos, en sus paisajes, en sus silencios, en sus personajes con demasiada carga existencial en sus espaldas por mas que no lo sepan. No es un cine fácil, ni digerible. Y enfrentarse a sus imágenes es a sabiendas que se sufrirá permanentemente. Y más aun si en su último film se atreve a ir de hostiles ambientes rurales de la campiña francesa, a la guerra de medio oriente con soldados galos incapaces de discernir el bien del mal. La recompensa, luego de soportar los malestares, es la sensación final de haber visto una gran película.
28) ANATOMIA DEL INFIERNO: Film solo para paladares muy exigentes y un estomago a prueba de todo. El último tango en Paris y El imperio de los sentidos son películas infantiles al lado del último film de la más lucida e irreverente provocadora del cine francés: Catherine Breillat (la misma de Romance X). Una mujer capaz de discernir sobre el deseo y dolor de los cuerpos humanos, tratando las temáticas sexuales de hombres y mujeres con la agudeza y el filo de un bisturí. Bonus: la norteamericana Shortbus, la película mas polémica del año por su osado planteo de las variedades sexuales con una explicitud franca y festiva, en una NY post-11 septiembre.
29) APOCALYPTO: Se lo puede acusar de las peores atrocidades a Mel Gibson y a su cine, que de seguro son ciertas. Pero lo que nadie le puede negar y reconocer al hombre, es que sabe filmar mejor que la mayoría de lo directores que existen en Hollywood y que tiene mas nervio cinematográfico y capacidad narrativa audiovisual que muchos. Con un enorme gusto por el riesgo a la hora de encarar sus proyectos y por explorar nuevos territorios. En este caso logra dentro del cine de aventuras, adentrándose en el mundo de los mayas, un gran film.
30) EL INTRUSO: Tal vez el nombre mas importante del cine francés del nuevo siglo sea el de Claire Denis. Sus narraciones imposibles, su aliento poético, sus imágenes hipnóticas y cautivadoras, el cine como reflejo del alma. En El intruso un hombre a sufrido un transplante de corazón y el paisaje de los bosques suizos se trasforman en un paisaje mental que la Denis retrata con dolorosa belleza. Bonus: el film anterior de Claire Denis Vendredi soir sobre la historia de amor de una pareja que se conoce en un embotellamiento de transito es increíble!
31) WOMAN ON THE BEACH: El coreano Hong Sang Soo es un maestro absolutoy hace rato que lo venimos diciendo. El primo oriental de Eric Rohmer, filma siempre las mismas historias de amor, pero cada vez lo hace mejor, con mayor ligereza (obviamente entendido como un elogio esto) y con mayor encanto. Un director de cine, su guionista y la novia de éste, coinciden en una ciudad costera al mar y se forma entre ellos un triangulo amoroso con reminiscencias a la comedia de enredos pero pasada por un filtro existencialista.
32) LINDA LINDA LINDA: Una de las películas más feliz, estimulante y sí, linda, de los últimos tiempos. Adictiva en todos sus aspectos. Cuatro jovencitas forman una banda de rock para el proyecto de ciencias de fin de año del colegio y ensayan la canción que posee el nombre del titulo. Y uno no puede dejar de tararear esa canción toda la película (y en los días siguientes después que se la ha visto!) y recordarla con la alegría con la que se puede recordar los mejores momentos del secundario. Una fiesta total que nunca escapa a la melancolía (porque la entiende como un elemento fundamental de la felicidad), en definitiva… un filma adolescente en el mejor sentido de la palabra.
33) LA PRINCESA RACOON + PISTOL OPERA: El descubrimiento de la obra de Seijun Suzuki ha sido un revelación absoluta, es conocer a un maestro de cine oculto por años y darse cuenta que el hombre es un adelantado a todo y a todos, y que desde la década de los sesenta ha venido haciendo un cine fundaméntala e inclasificable (ver Tokio Drifter y Brandead to kill es descubrir que hay que reescribir los manuales de cine). Con más de 80 años sigue filmando y sus dos últimas obras son unos experimentos estéticos excepcionales con una poética audiovisual que a pesar de su edad parece ser el cineasta más joven e innovador que existe.
34) MARY: El gran Abel Ferrara sigue incomodando y filmando a los márgenes de todo. Uno de sus tópicos favoritos de siempre ha sido la violencia urbana de las grandes ciudades, así como la idea de religión y fe en esos mundos cerrados donde la soledad y la desesperación ponen a prueba dicha fe. En Mary un director de cine quiere filmar una película sobre Maria Magdalena pero su actriz principal se pierde en un trip místico. Un productor televisivo con problemas maritales y filosóficos confronta sobre religión con dicho director. Todo se confunde y se pierde, y en el medio la miseria y la mugre de las calles. Un Abel Ferrara puro!
35) OLD JOY: Otro film contemplativo sobre la amistas masculina (interesante de emparentar con Honor de Cavalleria). Dos hombres salen de campamento juntos, vagan por el bosque y The End, fin de la película. Si, eso nada más y para colmo les conté el final, JA. Pero la verdad, es lo que menos importa porque lo relevante del film es todo lo que pasa en el medio, en esos silencios, esa nada, esos sujetos, la amistad, y la naturaleza, ahí reside lo que es fundamental e indispensable ver. Otro film clave para entender el nuevo cine independiente norteamericano. Al que tiene al Gus Van Sant de Gerry, Last Days y Elefante como principal referente.
36) LA HISTORIA DE MARIE Y JULIEN + VA SAVOIR: Sin duda mucho de lo mejor del año vino de Francia cuyo cine ha resurgido con fuerza luego de varios años de vacas flacas. Tanto los nuevos realizadores como los viejitos tal el caso de Jacques Rivette están en un buen momento creativo. Y Rivette, el miembro fundacional de la Nouvelle Vague que menos conocíamos, hace películas al margen del sistema siempre personales e innovadoras. Su estilo se acerca al teatro (Va savoir, con la enorme Jeanne Balibar en el rol de una actriz) para darle nuevos aires a cine, sin perder nunca de vista a las relaciones humanas y de pareja (La historia de Marie y Julien). Sus ultimas dos películas son obras mayores dentro de su filmografía ya de por si excepcional.
37) HAMACA PARAGUAYA: El cine contemplativo, de los planos fijos y tomas largas, y los tiempos parsimoniosos esta de moda de nuevo y se transforma en la nueva vanguardia del cine. En los tiempos rápidos del posmodernismo, que más provocador que un plano general estático con una hamaca paraguaya colgada de dos árboles y una pareja de viejitos dialogando en quechua sobre su cotidianeidad y sobre su hijo que ha partido a la guerra y no saben si volverá. Uno de los filmes latinoamericanos claves del año, premiado en Cannes. Bonus: para seguir contemplando, Five del iraní Abbas Kiarostami, son cinco tomas largas que enfocan distintas cosas; unos patos, un tronco en el agua, turistas, la luna reflejada. Y perdido en esas imágenes, les juro que por mas aburrido que parezca, la experiencia es entretenida.
38) MARIA ANTONIETA: Uno de los títulos que más dividió aguas este año. La Maria Antonieta pop de Sofía Copolla pasó a ser el titulo más incomprendido del año. En su aparente simpleza y liviandad (cuando el merito del film es ese, ser muy profundo y simbólico en sus supuestos detalles intrascendentes), el film traza un arco histórico sobre la idea de los levantamientos populares que llega hasta la actualidad; desde la revolución francesa hasta la irrupción del punk en la Inglaterra de Margaret Tachter. La “princesa” Sofía ya demostró ser una mas que digna heredera del “rey” Francis. Gran elenco y una banda de sonido espectacular!
39) LA CONQUISTA DEL HONOR + CARTAS DE IWO JIMA: El viejo Clint ya es un clásico ineludible. Este año se fue a la guerra y volvió con dos enormes películas sobre le conflicto bélico de Iwo Jima. Pero como viejo y sabio zorro desconcertó realizando dos films, uno desde el lado norteamericano y otro desde el lado japonés. Ambos films se complementan y juntos adquieren una dimensión abarcadora de todo lo que implica una guerra desde los puntos de vista enfrentados. Profundamente critico a su país (tiro por elevación a Bush y a Irak), además de conmovedoramente humano. Un Eastwood autentico, bah, dos en realidad.
40) CORAZONES: Otro viejo zorro que por suerte sigue filmando, y cada vez mejor. Alain Resnais con los años se ha vuelto saludablemente alegre, ya fue demasiado grave cuando era joven (recordar Noche y niebla, Hiroshima mon amour, Mi tío de América, El año pasado en Marienbad), ahora le gustan los musicales y las historias de amor corales de personajes de todas las edades. Quién diría que Resnais haría comedias tan encantadoras como esta 30 años atrás no?
41) BATALLA EN EL CIELO: El film que me mas me confundió y aturdió este año, nunca supe si era algo increíble o una película insoportable. Si las escenas eran originales o puro golpe bajo. Más allá de la duda, es una gran cosa que aun existan films que puedan provocar estas reacciones ambivalentes en los espectadores. Este film del mexicano Carlos Reygadas lo confirma al autor de Japón como una promesa del cine mundial definitivamente a seguir de cerca. Muy polémico, irritante, exasperante. Bonus: en un año interesante para los mexicanos, El violin es una propuesta austera y cruda sobre un violinista manco en medio de una guerrilla.
42) FANTASMAS: Uno de los directores más interesantes del nuevo cine mundial es argentino y casi nadie lo conoce. Nadie se atreve a ver sus películas. Lo mejor, lejos, que paso este año en el cine nacional es que se editaran en DVD una lujosa cajita con sus tres películas fundamentales a la fecha. Lisandro Alonso es un extraterrestre por como filma y sus películas son indispensables. Desde su maestra opera prima La Libertad, pasando por Los muertos que es otra joya, hasta recaer en Fantasma, su tercer film que homenajea a los protagonistas de sus films anteriores en una sala de cine con ellos mismos viendo sus propias películas.
43) 13 TZAMETI: Un film tapado, absolutamente desconocido, sin nada de prensa en ningún lado. Sin embargo es una sorpresa total! La opera prima de un director georgiano que filma en Francia un film negro, por su historia, por sus homenajes al cine clásico “noir” francés, y por su fotografía en impecable ByN. Un thriller tensionante sobre un muchacho que para ganarse unos mangos acepta participar de un torneo de ruleta rusa. Con los nervios a flor de piel y un ritmo narrativo que recuerda al mejor Jean Pierre Melvilla de El samurai, aquel film con Delon.
44) FICCION: Otro pequeño gran film. El catalán Cesc Gay (el de Krampack) cuenta la crisis creativa y sentimental de un director de cine que se refugia en la montaña para escapar de todo, y dedicarse a crear el guión de su próxima película. Pero su crisis existencial de la mediana edad, se ve agravada con la llegada de una mujer. Con sus impresionantes paisajes naturales el film se trasforma en un film épico pero desde lo emocional y retrata con madurez la relación de amor entre personajes adultos.
45) NACIDO Y CRIADO: En un año muy pobre para el cine nacional, el nuevo film de Pablo Trapero sobresale por mérito propio y lo confirma como un director cada vez mas maduro, con un pleno dominio de su oficio. Luego de un terrible accidente un hombre se escapa a la patagonia para intentar dejar atrás todas sus heridas. Un film profundamente doloroso, pero que la habilidad de Trapero para evitar la lagrima fácil lo salva del melodrama lacrimógeno para adentrarnos en las profundidades del alma humana. Al igual que en Ficción el imponente paisaje natural del sur de nuestro país es reflejo del interior atormentado de un hombre.
46) PURA SUERTE: Una de las mayores injusticias es que no se estrenara en cines este excelente thriller de Curtis Hanson (tal vez el mejor artesano de Hollywood de hoy en día) en donde en torno a la vida de un jugador de póquer en Las Vegas (Eric Bana) se trazan sus relaciones con una chica que conoce por ahí (Drew Barrymore) y su principal rival (Robert Duvall). Un film sin ninguna pretensión pero redondo y perfecto como esas historias bien contadas que Hollywood hace rato que ya no sabe como se hacen. Por suerte Curtis Hanson sí. Además con excelente banda de sonido con Bob Dylan, Bruce Springsteen, Ryan Adams, etc.
47) LA ANTENA: Con una estética increíble que cruza a la ciencia ficción con los primeros films mudos, se recrea a una Buenos Aires del futuro. Un film totalmente original y novedoso en nuestro cine nacional, con un cuidado creativo desde la imagen pocas veces visto. Una rareza total que demando un trabajo de artesano de su director Esteban Sapir en la visualidad el film. Frente a las injustas criticas de uniformidad que se le hacen al nuevo cine argentino, este film demuestra que hoy existen otras vías posibles y formas distintas de contar historias.
48) SUNSHINE: La ciencia ficción estuvo de parabienes este año. Hacia mucho que no veíamos un film tan solidó como Sunshine-Alerta solar. Una expedición de expertos tienen la misión de salvar al mundo mandada en una gran nave preparada para revitalizar al sol y darle nuevas energías al astro rey que esta extinguiéndose. De Danny Boyle el director de Trainspotting, un excelente film que comparte la reflexión filosófica, con la espectacularidad de los efectos y el ritmo del thriller. Bonus: Niños del hombre es el otro muy buen film de ciencia ficción existencialista del año. Lo dirigió el mexicano Alfonso Puaron. La premisa: la humanidad también esta por desaparecer porque no se producen más nacimientos. Apocalipsis now!
49) SURVIVE STYLE 5+: Un muy divertido film japonés que combina cinco disparatadas historias repletas de personajes desopilantes contadas con gran imaginación y sin perder nunca un ritmo ágil y ameno. Historias fantásticas; de un hombre transformado en pájaro, una muerta que no quiere morir nunca, una publicitaria con extravagantes ideas y un asesinos a sueldo venido de Inglaterra que le pregunta de el porque de su existencia a sus victimas antes de matarlas. Muy original!
50) FAY GRIMM: El regreso de un director fundamental del cine indie norteamericano de los 90, Hal Hartley. Un kafkiano film de espionaje muy extraño. Un mujer divorciada con su hijo a cuesta, tiene que encontrar a su ex marido que creía muerto porque es sindicado como una célula terrorista dentro de una compleja madeja de espionaje internacional, entre la CIA, escritores locos y policías despistados. Una rara cruza de géneros que se disfruta con una sonrisa en la cara por su abundante humor negro cercano a los hermanos Cohen. Y con una estética que remite a El tercer hombre aquel recordado film con Orson Welles.
51) A COCK AND A BULL STORY: El ecléctico director ingles Michael Winterbottom se atreve ahora con una divertida falsa adaptación de un libro clásico en teoría inadaptable como Tristram Shandy. Las idas y vueltas del equipo de filmación renegando entre si, y con la adaptación, la transforman en una muy entretenida “behind the scenes”. Además un reparto desopilante con muchos de los mismos actores de su obra maestra anterior 24 horas party people, encabezado por el gran Steve Coogan, un comediante genial. Y con el mismo tono festivo de aquel film. Bonus: para seguir disfrutando del enorme Steve Coogan recomiendo ver otro ameno y muy ágil thriller ingles cruzado con la comedia negra; La coartada.
52) UN FILM HABLADO: El año que viene el portugués Manoel De Oliveira cumple cien años y sigue filmando una película por año. Este es uno de sus últimos films que nos llega a nuestras manos y es tan bueno como todos los de su autoría. Una mujer recorre Europa en barco enseñándole a su pequeña hija la historia grande detrás de cada monumento. En el viaje conocerá a un raro grupo de viajeras que la acompañara; Irene Papas, Catherine Deneuve y Stefania Sandrelli. Mientras que el capitán del barco John Malcovich hará de nexo entre el viejo y el nuevo continente.
53) EL LABERINTO DEL FAUNO: El film vedette y gran revelación de la ultima entrega de los Oscar fue el del mexicano Guillermo Del Toro (por suerte no la espantosa Babel del espantoso González Iñarritu). Que fiel a su mundo personal y autoral (algo que no podemos decir de su compatriota Iñarritu), cuenta un fragmento de la guerra civil española mezclando la cruda realidad con un mundo de fantasía alucinante. Un gran cuento de hadas para adultos.
54) JESUS CAMP: Este film inaugura el género de documentales de terror. Me asuste muy mucho viendo como son entrenados y aleccionados los jóvenes norteamericanos en los campos de veraneo de las iglesias en los EE.UU. Espeluznante y muy preocupante. El documental acompaña a los niños en sus vacaciones implorando a Dios y declarándose a favor de la guerra en Irak. Y francamente dan mucho miedo! La mejor y más filosa crítica que se ha hecho a los EE.UU. y al conservadurismo fanático de Bush. El film da en el clavo en los temas tratados, por eso genera tanto pavor de solo imaginar que esos chicos serán el futuro. Y que pueden gobernar al mundo!.
55) HALF NELSON: Otro muy buen film indie yanqui. Una producción muy modesta se transforma en revelación. Un poco gracias a la gran actuación de Ryan Gosling y otro poco, gracias a que es realmente buena y muy conmovedora esta historia de un profesor de historia adicto a las drogas que quiere sacar a una niña negra del infierno de las calles. Siendo él mismo incapaz de salir de su infierno personal. La relación que se da entre ellos es antológica. Bonus: Diggers otro film muy oculto y sin nada de fama pero que posee mucho más, y mejor cine, que la mayoría de las pretensiosas producciones “indies” mas famosos del año (a la mediocre Pequeña miss sunshine me refiero) Una historia de 4 amigos bien contada y muy bien actuada.
56) EL TIRADOR: Gran sorpresa resulto ser el film de acción El tirador. No solo porque esta excelentemente hecho dentro de la coordenadas del genero, sino porque posee un mensaje incorrectísimo contra los EE.UU. El enemigo son los políticos norteamericanos y si no se puede vencerlos, bueno, que mejor que una bala en la cabeza no?. Anarquía pura! Y el mensaje viene de un film supercomercial hecho en el seno de la industria! Bonus: otro buen film de acción, cuando no esperábamos nada de el, fue la cuarta Duro de matar (una de las mejores de la saga) y de paso se le pega también unos palitos al gobierno yanqui. Larga vida a John McClane!
57) HALLOWEEN: Para salvar al cine de terror actual de la monotonía y el aburrimiento tenia que llegar un nuevo maestro del genero. Y apareció Rob Zombie! En su gran amor por el terror extremo confirma que sus dos excelentes obras anteriores (1000 cuerpos y Violencia diabólica) no eran casualidad. Ahora se anima a la remake del clásico de papá John Carpenter y le sale muy bien. No solo no la pifia, sino que Zombie es capaz de inquietar sabiendo poner realmente incomodo y muy mal a sus espectadores. Y eso es lo bueno del terror bien hecho.

ESPECIAL COMEDIAS:

58) EL DESCANSO: La mejor comedia romántica del año. Enteramente disfrutable. Resaltando la antológica pareja que componen Kate Winslet y Jack Black. Un dúo soñado enamorándose y divirtiéndose al por mayor juntos.
59) MUERTE EN EL FUNERAL: Otro importante director de comedía esta de vuelta, Frank Oz. Y con más humor negro que nunca. No es acaso un funeral el lugar indicado para hace reír a todo el mundo?
60) BORAT: La irrupción a la popularidad de Sacha Baron Cohen y su Borat es una gran cosa. Ya que este reportero venido de Kazajstán tiene en su maleta demasiada mala leche, incorrección y humor negro.
61) RICKY BOBBY + BLADES OF GLORY: Cosas importantes pasan en la comedia americana, y una de las mejores es sin duda Will Ferrell. Nada detiene en su irreverencia a este tipo, por mas fama que tenga sigue siendo un lanzallamas de humor anárquico y revolucionario.
62) FOR YOUR CONSIDERATION: Volver a ver un film del gran Christopher Guest (el recordado guionista y protagonista de la clásica y súper de culto This is spinal tap) arremetiendo contra el mundo del cine y Hollywood es una delicia.
63) DELIRIOS DE FAMA: Jack Black es otro grande del humor. Y no solo por el tamaño de su panza sino porque es una maquina repleta de gags que no se detiene para nada. Y cuando desata todo su amor por la música como en Escuela de rock y en este film, es grosso en serio.
64) SUPERCOOL: Jude Apatow es una de las mejores cosas que le paso a la comedia americana, no solo por dirigir la excelente Virgen a los 40, sino por producir también esta muy escatológica comedia de iniciación adolescente con personajes que ya son nuevos clásicos.
65) MAS EXTRAÑO QUE LA FICCION: Mas Will Ferrel, aunque acá en clave mas dramática, bah, comedia dramática con toques románticos y en línea Charlie Kauffman (Ladrón de orquídeas, Being John Malcovich, Eterno resplandor de una mente...).

10 EDICIONES CLASICAS IMPERDIBLES:

66) SATANTANGO: Por fin se puede ver Satantango! El célebre film de 7 horas del húngaro Bela Tarr. Una de las mejores películas de todos los tiempos del, tal vez, director mas importante que exista en Europa hoy en día. Y si no se tiene paciencia y valor aun para enfrentarse a Satantango, recomiendo ver primero otro peliculón del mismo director: La condena. Increíble!!! Tarkovsky reencarnó en este húngaro!
67) JACQUES RIVETTE: Otra gran cosa que nos pasó este año (algo que tiempo atrás era impensado) es acceder a la obra de Jacques Rivette, miembro fundador de la Nouvelle vague con Truffaut, Chabrol, Rohmer y Godard. Y constatar que todos sus films son importantes. Desde su primera Paris nos pertenece, pasando por su soberbia obra maestra La bella mentirosa (ahhh, con Emanuelle Beart!), mas La religiosa, aquel film prohibido en todo el mundo en su momento, El amor por tierra, su versión de Cumbres borrascosas, hasta los más recientes films comentadas anteriormente. Rivette es todo un descubrimiento.
68) DONT LOOK BACK: Otro film clásico del que esperábamos hace tiempo su edición. Realizado en 1965 acompañando a Bob Dylan en su gira por Inglaterra. Este documental no es solo increíble por la figura de un ya enorme Dylan a pesar de su corta edad, sino porque el célebre D.A. Pennebaker se transforma con este film en el padre fundador del video clip y en el abuelito de todos los film sobre rock que existieron después, además de ser el tipo que mejor retrato la historia del rock con los indispensables también tres DVDS del Monterrey pop festival (sí cuando Hendrix quemo la guitarra por primera vez) y el ultimo recital de David Bowie como Ziggy Stardust, un show histórico y antológico. Otro gran momento en materia de DVDS musicales del año fue Heart of gold, el show que el compañero generacional de Dylan, Neil Young dio en Nashville. Filmado por Jonathan Demme director de Filadelfia y El silencio de los inocentes y el del clásico también recital Stop makin sense de los Talking Heads, que también tenemos! Ah, y otra edición de lujo de este año fue El ultimo vals de Martin Scorsese, otro film pionero de 1978, esta vez con la disolución de la célebre The Band. Y ya que estamos con Scorsese, no puedo no recomendar los tres DVDS documentales con la historia del blues que produjo (y dirigió el mismo uno de los films) acompañado de nada mas ni nada menos que Wim Wenders y Clint Eastwood.
69) PEDRO COSTA: Mientras esperamos que el año que viene llegue su monumental obra Juventud en marcha, podemos ir disfrutando de un cineasta tan importante como Pedro Costa con sus primeros films. Por ahora tenemos Casa de lava y Ossos. Para amenizar la espera e ir conociendo a uno de los cineastas con mas presente y futuro del cine mundial.
70) HISTORIAS DEL CINE DE JEAN LUC GODARD: No es mucho lo que puedo decir de los cuatro DVDS con las Historias del cine “según” Godard (en realidad si se puede decir, pero necesitaría escribir un libro para ello y no una breve reseña). No sé….hay que verlos para creerlo. Godard es Godard, quien lo conozca sabe que su visión es única y original, y poder apreciar estas películas es un hecho de antología. Y quien no, bueno. Por favor! no se puede ser amante del cine sin conocer mínimamente la obra de Jean Luc Godard!.
71) AKI KAURISMAKI: Tenemos casi todos los films del querido Aki Kaurismaki. Si alguno de ustedes ha visto al menos un solo film de este finlandés, sabrá que poder acceder todas sus películas es un placer y una tentación difícil de resistir. Por favor, se ruega si se ama al cine, no perderse El hombre sin pasado, Contraté a un asesino a sueldo, Nubes Pasajeras, Hamlet en el negocio, La chica de la fábrica de fósforos, y un largo etc.
72) MIZOGUCHI + OZU: Hemos conseguido unas figuritas muy difíciles dentro de la historia del cine. Akira Kurosawa es el gran maestro “conocido” del cine japonés. Pero junto con el existieron dos hombres importantísimos. Las obras de Kenji Mizoguchi (imperdibles Ugetsu y El intendente Sansho) y Yasujiro Ozu (Historias de Tokio, El sabor del sake) son ineludibles y por fin podemos conocerlas en su total dimensión a varias de ellas.
73) PRESTON STURGES: La historia de la comedia norteamericana le debe todo a la década del ´40 y a los nombres de Ernst Lubitsch, Howard Hawks y Preston Sturges, este último si bien es el menos reconocido no por ello es menos clave e influyente. Y ahora nos llego una fantástica colección de DVDS con sus mejores películas que son el ABC del buen guionista y director de comedias. Un gran maestro solo reconocido por entendidos y trasformado en figura de culto por figuras actuales como Jerry Seinfield, Woody Allen, Jim Jarmusch y los hermanos Cohen que no dejan de citarlo en sus films. Un grande en serio. Si bien todas sus películas son fundamentales, perderse Sullivans travels, Hail the conquering hero, The Palm Beach story y Las tres noches de Eva debería ser sancionado por ley! más estando a disposición en el video cercano a su hogar!
74) SAM FULLER: El gran rebelde, el gran independiente, el gran anarquista, el gran agitador, tal vez el director mas influyente y de culto de la historia del séptimo arte. Sam Fuller es cine en estado puro y bestial. Y hemos conseguido varias de sus obras maestras. Shock Corridor y El beso amargo son la Biblia de todo director de cine independiente. Y sus demás films como The Big Red One, Casco de acero, Underworld USA, La casa de bambú, 40 guns son citas obligadas.
75) BERGMAN + ANTONIONI: Por último no podemos dejar de mencionar que este año fue tristísimo para el cine por las muertes el mismo día!!! De dos gigantes como Ingmar Bergman y Michelangelo Antonioni. El 30 de julio quedara como un día nefasto para el cine, y no me vengan con que fue una casualidad eh! Y no es que sea muy místico pero… es cosa de mandinga! Que decir sobre estos directores que no se sepa o que no haya sido dicho ya infinidad de veces? Nada… mejor ver todas sus películas. Ya sea por primera vez los que no las conozcan, o reviendo algunas los que ya sepan de quienes estamos hablando. Es el mejor homenaje no?.

BELA TARR EN LA QUIMERA!!!

2007-11-26T09:15:00.001-08:00

En Córdoba estos días, en materia cinematográfica esta pasando algo MUY IMPORTANTE, y si no se dieron por enterados, bueno, por eso escribo esto. El cineclub La Quimera, para quienes no lo conozcan, es el mas veterano y mejor Cineclub de Córdoba, con mas de 20 años de trabajo dedicado a proyectar el mejor cine y mas alternativo que ande dando vueltas por el mundo, y lo hace sin tener en cuenta los miramientos comerciales ni las modas, ni nada, solo el placer de proyectar e invitar a que la gente vea el mejor cine del mundo y al que habitualmente no tenemos posibilidad de ver por otros medios. La Quimera funciona ahora en una muy linda sala en la Ciudad de las Artes, asi que vayan con los ojos cerrados a ver todo lo que programe Juan José Gorrasurreta, porque cuando lleguen van a tener que abrirlos si o si a los ojos, si no se van a perder de ver cosas increíbles.
Y ahora para fin de año ha programado lo que los cinéfilos de Cordoba hace años esmerábamos. Un ciclo del enorme, gran, mayúsculo, soberbio, e indispensable Bela Tarr! No lo conocen? Bueno, es un director húngaro que hace años viene haciendo el mejor cine que se filma en Europa, y en el mundo! Uno de los autores más grandes del cine contemporáneo, y porque no de todos los tiempos (Sí, a la altura de cualquiera, de Bergman, de Antonioni, de Tarkovsky, de Fellini, de Ford). Lo que nunca pudimos ver por caprichos de la distribución comercial, ahora Juan José nos los ofrece en bandeja y quien se lo pierda, bueno… ya sabrá quien se lo pierda!
La macana es que mi aviso llega un cacho tarde porque el ciclo ya empezó y ya se proyectaron dos de sus pelis; Nido familiar (que reconozco, fui uno de los zopencos que se la perdió) y La Condena (Ja! a esta no me la perdí y todavía ando por la nubes gritando a los cuatro vientos que lo que vi es una obra maestra gloriosa, y que por favor nadie deje de verla en algún momento de su vida).
Pero, lo importante es que por fin, hoy lunes y manan martes y pasado miércoles, Juan José proyecta a las 20 horas, las 7 horas de duración (por eso será dividida en tres fragmentos en tres días distintos) de Satantango!!!
Esta semana en Córdoba, insisto, esta el evento cinéfilo más importante del año. Las 7 horas de Satantango (o traducida El tango de Satan) son, miren, que se yo, como ver la cara a Dios (a cualquier Dios eh, el que se les ocurra), si mínimamente les gusta el cine, ver Satantango es lograr el éxtasis máximo, el nirvana, la iluminación, no se si hay cosa mas bella y mas alucinante. Son 7 horas a las que no le sobra un segundo, es más, es hasta corta, podría durar más inclusive y estaría bueno también.
Y después de Satantango, el lunes que viene, también 20 horas, se proyecta su anteúltimo film, Werckminster Harmonies que dicen los que tuvieron la suerte de verla, (yo no aun, así que allí estaré), es lo mejor de Bela Tarr. Lo que en si no puedo imaginarme que el tipo éste haya filmado algo que supere a Satantango y a La Condena. Pero veremos!
Bueno, están avisados! Y a llorar al campito si se pierden estas dos películas!

LA SEÑAL - CINE ARGENTINO

2007-11-13T11:21:00.000-08:00

Paro variar un poco las tematicas del blog, y mientras preparo la respuesta sobre cine, censuras, ideologias y otras yerbas, les subo tambien una nota que escribi y que salio publicada en una revista cultural nueva llamada Dadá. Busquenla, es gratuita, esta muy buena (la revista, no la nota, je), tiene un diseño muy copado y se consigue en centros culturales de la ciudad. La nota viene un poco a pedido tambien de quienes querian mi opinion sobre le cine argentino reciente y la peli de Darin "La señal". Situacion compleja la de nuestro cine nacional! En la nota apenas si se mencionan por encima algunas problematicas que se pueden seguir tratando y debatiendo en posteos siguientes. Va la nota:

EL CINE ARGENTINO EN LA ENCRUCIJADA.

Al igual que el caso a resolver que se le encarga al detective privado Corvalan (Ricardo Darin) en La Señal, debut en la dirección del propio actor, rastrear y analizar el estado actual del cine nacional no es tarea para nada sencilla para este cronista. Corro serios riesgos de terminar enredado en una maraña de intrigas e intereses encontrados que solo pueden llevarlo a un estado de perdición total. Pero el gusto al riesgo, o tal vez, como a Corvalan, la promesa de una bella mujer al final del recorrido, me obligue a calzarme el sombrero, poner el atado de Chesterfields en el bolsillo del sobretodo gris e iniciar las pesquisas.
Para intentar investigar un presente es necesario revisar el pasado y en los últimos diez años, sabemos, se ha producido una muy interesante renovación, temática, estética, generacional de todo nuestro cine. Lo que se dio en llamar “Nuevo cine argentino”. La aparición de jóvenes directores con muchas ganas de derribar rancias estructuras, mostrando nuevas formas de contar y filmar, produjeron un fenómeno no solo a nivel nacional sino también a nivel internacional. Los nombres de Lucrecia Martel, Adrián Caetano, Pablo Trapero, Martín Rejtman y Daniel Burman eran moneda corriente en los más importantes festivales de cine del mundo.
Hasta ahí el panorama era claro. El cine argentino era nuevo, era independiente, era joven, era distinto y era muy bueno! Surgió detrás de estos nombres, un grupo cada vez mayor de cineastas que se sintieron envalentonados por estos aires de renovación y las propuestas del cine argentino ganaron así en innovación y frescura.
Pero a todo proceso de maduración le aparecen las dificultades, o como a todo buen protagonista de un film negro, le aparece el objeto tentador. En la vida de Corvalan entra en juego una hermosa mujer impulsada por el deseo y la ambición de poder económico, el dinero que todo lo pierde. “Femme fatale”, según el diccionario del genero, que lo arrastra al abismo. El nuevo cine argentino fue tentado por las mieles de la crítica (la bella mujer), y quiso más. Quiso también el poder económico en la masividad del público asistiendo a las salas (el botín). Pero esto no se produjo. Los films novedosos y arriesgados que los entendidos alababan, eran rechazados por el gran público. Empezaron así los cuestionamientos, las divisiones y los enfrentamientos.
Eran necesarios films de mayor alcance popular para poder sostener una industria de cine que se pretendía creciente y en proceso de expansión. Solo que en ese paso, se perdió el riesgo y la originalidad de los films “nuevos” e independientes
La incapacidad del instituto de cine (INCAA) para proteger y ayudar a la promoción de estos films de factura amateur, sumados a los ataques reiterados e interesados de los referente críticos de los principales diarios del país (Clarín y La nación sobretodo, formadores de opinión y digitalizadores caprichosos de los que el publico “quiere ver” cuando compra una entrada de cine), provocaron la huida de las masas que empezaron a darle la espalda a estas nuevas camadas de realizadores que se iban formando. Generando una división, un tanto forzada es cierto, entre un cine de características mas independiente y marginal, y otro de cuño mas comercial e industrial, o al menos con mayor apoyo oficial.
Así, los mejores films nacionales se empezaron a producir al margen del INCAA y de los intereses comerciales creados. Lo que dificultó que estos “pequeños” grandes filmes puedan sobrevivir en la taquilla y que sus directores puedan encontrar financiamiento para poder seguir con sus interesantes filmografías. Y me refiero a una larga lista de nombres de jóvenes con grandísimo talento como Lisandro Alonso (Los muertos, La libertad) , Ezequiel Acuña (Nadar solo), Luis Ortega (Caja negra), Santiago Loza (Extraño), Albertina Carri (Los rubios), Celina Murga (Ana y los otros), Rodrigo Moreno (El custodio), Ariel Rotter (El otro), Ulises Rosell (Bonanza), Esteban Sapir (La antena), Juan Villegas (Los suicidas), Diego Lerman (Mientras tanto), y un largo etc. De entre estos, cabe destacar un caso como el de Lisandro Alonso, quien considerado por el status critico mundial como uno de los cineastas del futuro. Alabado en el festival de Cannes como un autor fundamental del cine contemporáneo y que, en nuestro país, no estrena sus películas en circuitos comerciales porque considera, ahogan su propuesta diferente y ecléctica, marginal a toda lógica y estética de mercado. La incapacidad del INCAA y de los medios de comunicación para proteger a un cineasta como Alonso, y nuestro timorato miedo como espectadores para arriesgarnos a una propuesta tan lucida como la de Alonso, logra que aquí no podamos ver las películas que en Francia son un éxito, tanto de público como de consideración crítica.
Si bien es cierto que a veces las propuestas de estos realizadores suelen ser reiterativas y condescendientes también hacia un reducido sector de publico y critica que los apoya.
En este proceso fue clave el nombre de un excelso director, Fabian Bielinsky quien con Nueve reinas y El aura, demostró que era posible esa conjunción de calidad estética y afluencia de gente las salas de cine. Pero ocurrió lo impredecible y Bielinsky falleció el año pasado, y su deceso es grave para el cine nacional. Muchos de los otros intentos de conjugar ambos estados fueron en su mayoría defectuosos. Exceptuemos de la lista, los casos de Damian Szifron, Enrique Piñeyro y Adrian Caetano.
Lo viejo contra lo nuevo. La puja entre un cine rentable que es ya es viejo antes de salir (por mas que sean jóvenes sus directores, como en los casos de Tocar el cielo, Elsa y Fred, El boquete, XXY y Nordeste) por basarse en viejas formulas remanidas de lo que se entiende por “nacional” y otro que es novedoso pero que necesita de aire, espacio y tiempo para crecer como propuestas sólidas y encontrar así su publico, que puede ser masivo pero que no se forma de un día para el otro y que requiere de paciencia. Esa mala palabra para el mercado.
Por otro lado, se insisten en ridículas propuestas de cuño desagradablemente comercial que si son éxito masivo de público y se estrenan en las salas de todo el país sin prurito alguno y que cuentan con el aval de exhibidores y distribuidores, y del apoyo mediático fundamental de los holdings empresariales y comunicacionales. Caso de las recientes Incorregibles, Isidoro, Mas que un hombre, así como el año pasado Bañeros 3.
Así el estado de las cosas y la espiral esta siendo descendente, este año que termina es el peor de los últimos diez años en nuestra cinematografía. La ilusión es que sea solo un mal momento, y se resuelva las cuestiones coyunturales para no terminar
-no quiero adelantar mucho el final- como Corvalan en La señal, un film correcto que intenta un cine de alcance masivo sin pelearse con la calidad artística.
Momento muy particular vive nuestra cinematografía nacional. Que creo interesante resaltar porque necesita de debates serios para ser resuelta lo que llamo esta situación de encrucijada. Para que esto no ocurra se requiere nuestra participación activa y responsable como espectadores.

Alejandro Cozza

CIEN E IDEOLOGIA 5º PARTE

2007-11-13T11:17:00.000-08:00

Subo un nuevo comentario de Alberto sobre mis dichos anteriores. Estoy preparando la respuesta que sera larga supongo, ya se viene, jaja. Tengo que recoger el guante no?. El tema da para muucho!

Ale,
al pasado comentario no lo quise hacer demasiado
largo, asi que sigo ahora con un punto sobre el cual
no queria dejar de opinar.
En tu primer analisis del cine e ideologia decias
sobre el cine norteamericano que apunta a los
ciudadanos de su pais y del mundo y dabas como prueba
de ello la existencia de los Showcase, Hoyst y
Blockbuster cerca de tu departamento en la perdida
ciudad de Cordoba en un rincon del mundo.
Por un lado es cierto que el cine estadounidense
apunta a su gente y al resto del mundo. Tanto es asi
que la segunda industria exportadora de este pais
despues de la aeronautica es...la industria
cinematografica.
Y por otra parte es bueno aclarar que una cosa (o un
negocio) es la produccion de peliculas, otra es la
distribucion y otra es la proyeccion y alquiler de
peliculas. Algunas peliculas son hechas por los
grandes estudios y otras por productores
independientes. Las distribuidoras son la llave para
el acceso al publico masivo. Una pelicula puede ser
buenisima, pero si no es exhibida nunca hara dinero y
nunca sera apreciada. Y finalmente las salas
proyectoras y los negocios de alquiler de peliculas
reciben el material de las distribuidoras, o sea que
su acceso al material posible depende de ellas. Cada
etapa es un negocio distinto y, otra vez, no hay un
animo de imponer ideologia. Hay un interes en vender.
Y si hay Showcase o Blockbuster cerca de tu casa es
porque la globalizacion existe, es real y Cordoba no
es mas un lugar alejado en el mundo.
El tema de la penetracion ideologia o cultural es mas
complejo. No es una decision de salir a vender
peliculas para lavar el cerebro. Si ellos hacen
peliculas nosotros las miramos. Si ellos ofrecen DVD
nosotros los alquilamos. Si ellos hacen 100 peliculas
nosotros hacemos 1. Porque en los años 30 Argentina
hacia mas peliculas que ahora?. Porque Argentina no
vende sus peliculas al resto del mundo?. En el fondo
es una cuestion de fortaleza del cuerpo social. De
organizacion social. De sistema economico y politico.
No puedo dejar de pensar que es mas demerito nuestro
que merito de ellos.
Hace unos 2.300 años atras Alejandro Magno, en su
avance en Asia Menor derroto al ejercito persa
quebrando al mas fuerte imperio de su tiempo. Cuando
entro en la ciudad capital de Babilonia tanto el como
su gente quedaron deslumbrados por la riqueza y
expresion artistica de la ciudad. Alejandro entonces,
ordeno incendiar y arrasar la ciudad sin dejar nada en
pie.
Sus generales le preguntaron porque queria destruir
tan hermosa ciudad. Su respuesta fue que no queria
perder en la cultura lo que habia ganado en la guerra.
Los vencedores, los mas fuertes imponen su cultura.
Hoy pensamos como los griegos, nuestro alfabeto y gran
parte del vocabulario son griegos, nuestro sentido
artistico fundacional es griego.
A veces me seduce la idea que las sociedades tienen
genes como las personas y transmiten generacion tras
generacion las mismas enfermedades. Argentina nacio
como pais de rapiña y saqueo. Se llama Argentina por
argentum (plata) y su rio mas importante es el Rio de
la Plata por donde pensaban llevarla a España. Los
españoles llegaron con el unico interes de llevarse la
riqueza que pudieran encontrar. Y de los españoles a
los ingleses, de los terratenientes a los
sindicalistas, de los piqueteros a los politicos,
todos (con meritorias excepciones) desearon y desean
rapiñar lo mas posible. Hay una horrible vocacion de
mediocridad y retroceso. No esperes en estas
condiciones supremacia cultural y florecimiento de las
artes.
Ojala tus años te muestren otra Argentina.
Ay! si. El cine es un arte superior y muestra la
sociedad como es, buena o mala, linda o fea.
Chau.

CINE E IDEOLOGIA (Y CENSURA AHORA) 4ª PARTE

2007-11-07T04:33:00.000-08:00

Bueno, se viene la respuesta de mi viejo sobre el tema. uf, sí, esto da para largo, ya vendra mi respuesta pronto.

"Ale,
digamos que si estuvieramos en un cafe y
comenzamos con este tema habria que salir a comprar
mas puchos y ordenar otra vuelta de cafe...el tema
tiene largo aliento...
Pero sigamos con la conversacion.
En una parte decis que:
"ya desde la primera guerra mundial habia profundos
controles estatales sobre los filmes norteamericanos
que salian al mundo y sobre lo que decian, o que
imagen transmitian al mundo. Si no era la adecuada, lo
que menos pasaba a ese film a su realizador era que lo
censuraran y lo cortaran. Y esto fue siempre asi. Y no
hay razon para que eso no ocurra ahora. Es mas, ocurre
mucho mas ahora!"
No conozco de la existencia de esos controles durante
la primera guerra mundial, pero si existieron
seguramente fue por la excepcionalidad del momento. Tu
aseveracion de que ocurre mucho mas ahora me parece
totalmente errada. Da la idea de un grupo de censores
al estilo de Paulino Tato en lo mejor de la dictadura
militar. Y eso no es asi. No existe. Lo que si hubo, a
fines de los años cincuenta, fue la persecucion a los
supuestos comunistas por parte de la comision del
senado que encabezaba el senador Joseph McCarthy y
alcanzo a algunos artistas cinematograficos. El caso
de Charles Chaplin quizas sea uno de los mas
conocidos. En este pais uno de los principios
constitucionales basicos es el de la libertad de
expresion, y funciona. No hay censuras y cortes
oficiales en el cine. Lo unico que existe es una
calificacion de las peliculas para menores, mayores o
triple X de acuerdo a su contenido, a lo cual los
productores le temen mucho porque una calificacion
extrema automaticamente les quita mucho publico y
muchos dolares. Esa razon explica el porque en las
peliculas americanas las personas se esmeran en hacer
el amor en camiseta y un desnudo es excepcional.
Ademas, tienen el gran riesgo de que alguna poderosa
confederacion de iglesias se le ocurra decir que es
non-sancta y sus seguidores no dudaran en evitar la
pelicula.
El sistema es mas complejo y mucho mas efectivo que la
torpe censura.
Esta sociedad funciona con grupos de poder que tratan
de imponer sus intereses, ideologicos o/y economicos.
El lobby es una actividad legal que persigue ejercer
influencia sobre los politicos de Washington para la
aprobacion de las leyes o decisiones del ejecutivo a
favor de determinado interes. Existen unos 30.000
registrados oficialmente como tales y sus honorarios
son escalofriantes.
Existen asocianos civiles con fines determinados,
conservadoras y liberales.Como ejemplo, una de las mas
importantes es la Asociacion Nacional del Rifle, que
defiende la enmienda constitucional que permite la
posesion y uso de armas en defensa propia.
Si aqui alguien entra a tu casa con la intencion de
robar, es licito que lo liquides a los tiros. Nadie te
va detener o te va a acusar de homicidio como ocurre
en Argentina. Demas esta decir que las deformaciones
aparecen por otro lado, como el caso de las matranzas
en las escuela. Todas estas organizaciones reciben
aportes de dinero por parte de sus seguidoes y son
poderosas.
Estan las iglesias, tambien conservadoras o liberales,
que tienen posiciones en temas como el aborto, el
divorcio y la pornografia por citar los siempre mas
candentes. Mueven millones de dolares y millones de
personas.
El sistema tiene un eje central, la esencia del
sistema capitalista. Esto es, la acumulacion de
riqueza. Hacer dinero. Tratar de ser feliz teniendo
mas que el otro.
Vamos entonces al cine.
Hay una famosa revista de negocios, Forbes, que
publica cada tanto la lista de las 500 personas mas
ricas del mundo y de los Estados Unidos. Entre ellos
hay dos personas que nacieron en modesta cuna y se
hicieron muy pero muy ricos. Ellos son Steven
Spielberg y George Lucas. Esto sirve de ejemplo para
demostrar que el cine es parte del sistema. Los
estudios y algunos realizadores hacen mucho dinero y
defienden el sistema.
La conclusion entonces va cayendo por su propio peso.
No es necesaria ninguna censura. La presion de los
grupos de poder moldean el producto final.
Supongamos, imaginemos:
El estudio pone dinero si la pelicula no es en contra
del sistema. El director vive en una mansion en
Hollywood y su estetica es de acuerdo a como vive. Si
en la pelicula estaba previsto que alguien fume
marihuana alguna Asociacion de Madres Cristianas se
encargara de hacerles saber que tienen el 15% de las
acciones del estudio y le quitaran el apoyo si no
sacan la escena. En otra escena hay una persecucion de
autos y por mostrar su marca como ganador una empresa
fabricante paga una importante suma. Las encuestas
dicen que la ecologia esta en ascenso en la
consideracion del publico y se decide que el actor
principal maneje un auto hibrido y consuma agua
mineral, con el aporte de las empresas por mostrar las
marcas. La heroina del rol estelar es negra porque
atrae al menos un 5% mas de publico de la minoria
afro-americana. El malo de la pelicula tiene un tinte
oscuro en su piel, como si fuera de origen arabe y un
bigote inconfundiblemente parecido al de Sadam Huseim.
Esta fuera de discusion que haya algo de sexo, el
publico siempre lo requiere. Se muestran unas
fenomenales tetas por 42 segundos (no los pezones,
entra en la zona peligrosa) y una escena de sexo
filmada a traves de los vidrios opacos de un ascensor.
El fondo de inversion poseedor de la mayoria
accionaria del estudio tiene una empresa que produce
paneles solares y esta buscando la aprobacion de una
ley que desgrave impositivamente la compra de esos
paneles, con proyecciones de ganancias billonarias.
Para ello tiene el apoyo de los democratas en el
congreso pero no la mayoria necesaria. Para
conseguirlo apoya a los democratas en las proximas
elecciones y en todas las peliculas de la productora
se incluye algun comentario o escena en contra de Bush
y el partido republicano.
La pelicula es buena?. Y... si lo es. La fotografia es
sensacional. La musica es excepcional. El ritmo es
infernal. El argumento es actual. Las revistas de
actualidad comentan que la dueña de las fenomenales
tetas ahora trabaja en un show en Las Vegas y cobra
200 dolares por dejarselas tocar 5 minutos. La escena
de sexo en el ascensor fue un exito total. Entre las
sombras borrosas parece que pudo adivinarse una pose
novedosa para espacios reducidos y ahora los chicos
estan enloquecidos practicandola en los placares de
sus casas.
Suena real?. Es la manera en que el sistema funciona.
Como ves, no hace falta la intervencion del estado.
Las presiones de los grupos de poder moldean el
producto final. No hay una idea preconcebida de hacer
peliculas para imponer ideologia en otros paises. Se
hacen pensando primero en el mercado local que produce
mas del 50% del ingreso, y depues si se vende afuera
mejor todavia. El problema de la penetracion cultural
o influencia ideologica es de quien vende la pelicula
y de quien compra la pelicula.
Coincido con vos en que esto no desmerece el valor
artistico que cada pelicula pueda tener.
El comentario se me hace largo y te critique solo un
parrafo. En la proxima sigo con otro. Chau. "

CINE E IDEOLOGIA 3ª PARTE

2007-10-26T05:07:00.000-07:00

Subo la respuesta de Matias. Parece que el tema da tela para cortar largo y tendido.

“No puedo agregar nada.
De hecho, y aquí es lo mas interesante (o desconcertante, como se lo quiera ver), coincido plenamente con los dos. Por un lado, Ale, me convence totalmente con su argumento al darme con el gusto en mi forma de pensar (Si hicieras una película al respecto, te compro la idea). Y por el otro, tu papa, también me convence de todo.
Digo, los dos, para mí, están totalmente en lo cierto. La diferencia es que mi postura va mas para el lado del proteccionismo de lo nuestro, que es lo que Ale comenta. O sea, como influye ese cine en los de acá (sea, no EEUU). Y por el otro, la visión que tiene una persona que esta en EEUU (tu papa), sobre el comportamiento y los ideales de ese país.
La mejor forma de conquista es la que se puede hacer por medio del cambio de ideología. Actualmente, la gente busca el ideal norteamericano (muchas veces sin darse cuenta), como ideal de vida.
La extrema belleza, esa que muy difícilmente se pueda lograr, impuesto por (y me quejo nuevamente) actores "hermosos", en situaciones ideales, o en los programas de TV con “Cirugías en vivo! Siéntase mas joven con solo US$ 10.000”. Como nota de esto, en las comedias, lo cómico pasa por los gags sexuales, o físicos. Pero en el fondo de todo esto, los integrantes siempre viven en la opulencia (Excelentes trabajos, casas impresionantes... "Huy, choque el Hummer ja ja ja <- Risas de fondo").
Y ya que se toco el caso de Chile. En el tiempo que viví en Santiago (no quiero generar debate sobre patriotismo porque si no se pudre todo), una de las cosas que me dejo completamente marcado fue la cantidad de publicidades de COMPRE en la TV. Un comportamiento casi maniaco por la adquisición de bienes. La gente apiñada en los shoppings comprando. Recuerdo haber estado un sábado sentado en una espectacular plaza de Santiago, la cual contaba con una biblioteca (Si, una biblioteca en una plaza), y ser el UNICO en varios cientos de metros a la redonda. Por supuesto, si me tomaba el metro, que una de las estaciones posee un puente techado que se dirige únicamente a un SHOPPING, podías encontrar a toda esa gente adquiriendo desesperadamente productos.
Entonces, y resumiendo, y posiblemente acotando algo mas a la acertada visión de mis pensamientos por Alejandro. El problema de este cine, radica en que en algún momento, alguien pensara que ese es el ideal. Dejar de verlo como una posible ficción, para creer que ese es el objetivo. Creer que podríamos entrar a la ciudad arrastrando un ataúd y sacar la ametralladora para reventar a los "malos". O pensar que todo lo debo hacer por el Hummer.
Al mismo tiempo, el ver SOLO un tipo de cine te lleva, como todo, a formar una única opinión sobre un modelo, lo que influye aun mas en todo este problema de, podríamos decirlo, lavado de cerebro.
Y este único proveedor es el que nos están metiendo constantemente. Digo, es muy difícil encontrar en cines (acá), películas de otros países, con otra visión. Que si bien, ellos también estarán tratando de hacer la conquista psicológica, por lo menos tendremos fuerzas enfrentadas para poder compensar la balanza del pensamiento.”

CINE E IDEOLOGIA 2ª PARTE

2007-10-23T06:57:00.000-07:00

Es complejo responder y opinar sobre lo expresado por Matias y Alberto en los posteos anteriores, por eso creo que me tome mi tiempo también. Son muchas y largas las aristas a tener en cuenta.
Es cierto, muy cierto, que el cine norteamericano construye un ideario acorde a sus ciudadanos, hace de espejo al mismo tiempo que lo refleja. Es decir toma una imagen, pero también la devuelve! Siempre me gusto, y no soy para nada original en la idea, el cine como espejo, ya sea de sociedades, como de individualidades.
La imagen audiovisual ha sido uno de los principales inventos del siglo pasado, y por lo tanto ha sido y es usada como herramienta de transmisión de mensajes. La más importante insisto, de los últimos cien años.
El impacto que produce en las personas la imagen en movimiento fue una certeza desde la primera imagen proyectada por los Lumiere. Por lo que desde ahí ya no fue posible ignorar su importancia comunicacional, ya que apuntaba tanto al cerebro como a las emociones de las personas que se sentaban delante de ellas.
De ahí en adelante, y desde el cine mudo en adelante, todo realizador tomo debida cuenta de ello. Y el cine pasa a ser reflejo de la ideología de sus realizadores, sean quienes sean estos, de forma individual o colectiva y absolutamente independiente de consideraciones económicas de acuerdo a su contexto de producción. El cine refleja ideologías ya sea de un director/autor, como de una super productora hollywoodense. Refleja la ideología de paises, ya sea los EE.UU., Rusia o la India, insisto, lo de independiente o comercial no excluye al cine como creador de ideas y transmisor de mensajes. Es tan profunda y compleja ideológicamente hablando Titanic (echa por estudios) como una de Jim Jarmusch (echa por el autor).
Es verdad que el fin “ultimo” de una producción de Hollywood es ganar dinero, pero de ninguna manera lo hace divorciado de un ideal estético. Es muy necio decir que una película norteamericana comercial (Titanic, para seguir con el caso) no es arte, cuando tiene una elección estética profundamente arraigada y evaluada. Y todo echo y decidido en función del mensaje y la ideología que quiere transmitir. Que estemos de acuerdo con esa ideología y con ese mensaje ya es otra cosa. Y que poseamos los conocimientos suficientes como para dilucidar ese mensaje, o que las masas lo posean, también es otro tema.
Si decimos que el fin último de Hollywood es ganar dinero, estamos frente a la representación más perfecta y cabal de la ideología capitalista. La del lucro como fin ultimo de las cosas. En ese sentido la más vergonzosa producción comercial, es la más cabal representación de la ideología de su país. Y mucho más que un film independiente con valores artísticos.
Es si, muy buena la idea de Alberto de una nación real y otra ficticia. Lo alucinante siempre es tratar de dilucidar donde empieza una y termina la otra. Pero me estoy yendo del tema.
A lo que iba es que desde los comienzos se descubrió que el cine podía transmitir ideologías y NO SOLO COMO MENSAJES EXPLICITOS, SI NO SOBRETODO CON MENSAJES ESTETICOS IMPLICITOS!
Es decir, la estética posee ideología! Cualquier elección estética, desde el plano, encuadre, angulaciones, fondos, fotografía, sonido, como desde las formas narrativas del guión, etc. etc. llevan ideas detrás, y esas ideas reflejan la ideología y la forma de ver la realidad y pararse en el mundo de una persona o de un grupo de personas.
Y eso se puede transmitir a otros paises! Ya el cine ruso de comienzos de siglo lo tuvo claro y uso al cine como herramienta para transmitir al mundo su ideología. Lo hizo Hitler también, lo hizo Mussolini y cualquiera que haya tenido la inteligencia suficiente para darse cuenta de la importancia del cine como elemento de penetración ideológico en las masas populares. Y por supuesto quienes más lo han hecho y mejor, han sido los norteamericanos. Todo lo que nos llega a nuestros hogares y a nuestras cabezas de los EE.UU. es primero a través de sus imágenes. Me atrevo a decir con riesgo de sonar exagerado, que el cine, y LA IMAGEN fundamentalmente (sea cine, TV, publicidad, Internet, etc.), es la principal arma de dominio y hegemonía de la sociedad norteamericana en el mundo. Y la principal herramienta de construcción en el imaginario de un sistema capitalista!
Ya desde la primera guerra mundial había profundos controles estatales sobre los films norteamericanos que salían al mundo y sobre que decían, o que imagen transmitían al mundo. Si no era la adecuada, lo que menos le pasaba a ese film y a su realizador era que lo censuraran y cortaran. Y esto fue por siempre asi. Y no hay razón para que eso no ocurra ahora. Es mas, ocurre mucho mas ahora!
Cualquier película norteamericana desde una comedia tonta o una de terror adolescente llevan impresas ideologías en ella. Y no solo por lo que dicen de forma explicita, sino mas grave aun, por todo lo que no dicen, esconden, y también por lo que dicen de otra manera a través de su construcción gramatical como lenguaje. Algo mucho mas complejo de dilucidar, pero mucho mas efectivo para penetrar cabecitas desprevenidas y no preparadas para saber leer. En todo el mundo somos analfabetos audiovisuales!. Y no quiere decir esto que porque entendamos el mensaje de una película lo dejemos de ser.
Por eso el cine norteamericano apunta a sus ciudadanos, pero por sobre todos las cosas, apunta a todos los ciudadanos del mundo. Y quienes lo realizan no piensan solo en el consumo interno, sino sobretodo en el consumo global!!! No tendría un Showcase, un Hoyst y un Blockbuster a diez cuadras de mi depto en Cordoba, Argentina (lugar perdido en el mundo!) si no fuera así!
La imagen que Alberto menciona de John Wayne, Bruce Willis y etc. no es para los norteamericanos solo, lo es para todo el mundo. Y así cada país tiene sus propios John Wayne y sus propios Bruce Willis hechos a copia y semejanza de estos.
Para dar un ejemplo menciono una película fantástica del año pasado y a una de las imágenes más inteligentes y reveladoras que vi en el cine norteamericano reciente. Es de “El señor de la guerra”, la peli con Nicolas Cage en donde él, traficante de armas que recorre el mundo vendiendo lo que EE.UU. mejor sabe vender “supuestamente”, guerras! Este hombre se siente muy sorprendido porque a cada recóndito e inhóspito lugar del planeta que visita para vender armas, siempre primero encuentra una imagen publicitaria que llega antes que él, creada en su país, con la imagen de la chica de sus sueños. Lo que el va a colonizar con sus armas, ya lo logra primero la publicidad con su ideología detrás!
Lo interesante del caso para analizar también, es que esta representación del sistema capitalista sufre mutaciones permanentes también dentro del seno mismo del cine de Hollywood y de todo el cine norteamericano. Lo que demuestra la increíble capacidad del capitalismo para aggiornarse a los tiempos que corren y actualizar y modernizar su mensaje. El gatopardismo es una de las principales formas que tiene el capitalismo de permanecer a través de los tiempos. Por eso suele ser muy engañoso y mentiroso creerse que cuando una película ataca un sistema capitalista norteamericano lo quiere derrumbar, cuando en realidad lo que muchas veces hace es todo lo contrario, lo fortalece y lo alimenta!. Pongo el caso de mi odiado Michael Moore como ejemplo!
Me queda mucho afuera por comentar y seguir metiéndome mas finamente en muchas cuestiones y dando muchos mas ejemplos, pero por ahora cierro acá y lo dejo abierto a nuevos aportes si alguien quiere sumarse.
Definitivamente ir al cine no es para nada sencillo, y pobre del que cree que solo va a ver una película para entretenerse y distraerse un rato!
Hasta la proxima.

CINE E IDEOLOGIA 1ª PARTE

2007-10-23T06:54:00.000-07:00

Me parece que se arma una flor de polémica en el blog, jaja. Alberto le responde a Matias sobre el cine como transmisor de ideologías. Y en este caso, yo disiento con algunas ideas que expresa mi viejo, y concuerdo más con Matias en otras. Empiezo subiendo lo que dice Alberto:

Lei el comentario de Matias y me parece oportuno transmitir mi vision acerca del "cine del norte".
No creo que haya un solo cine en Estados Unidos que "vomite ideologia". Hay cine bueno y malo, independiente y de los grandes estudios, con puro sentido comercial y con sentido artistico, con directores mas comprometidos con su arte y otros mas
comprometidos con los productores.
Al nombrar peliculas como "Titanic" apunta al cine de los grandes estudios. Entonces dirigire esta opinión hacia ese cine.
La gente tiene por lo general al menos dos ideas respecto a su pais. Una es la imaginaria, la ideal y otra es la real. En mis recuerdos, la Argentina imaginaria de los decadas del 50, 60 y parte del 70 era el granero del mundo, el pais rico, el de los campeones individuales pero no colectivos, el mejor pais del mundo, etc. etc.
El imaginario de la Italia de Mussolini era la formacion del nuevo imperio romano con la simiente de su pasada grandeza germinando otra vez. Estados Unidos se formo y crecio aislado del resto del mundo y si bien hoy no le es, para su gente tiene poca
relevancia la cultura de otras partes del globo y aprecia casi exclusivamente su propia cultura. Su imaginario fue formado por las victorias de las dos grandes guerras y el formidable avance tecnologico y economico.
El cine de los grandes estudios tiene una sola ideologia, la del dinero. La de ganar lo mas posible. Sus peliculas entonces apuntan al gran publico de este pais con las caracteristicas que aprecia la gente de este pais. Si se exporta y se vende bien en otros
paises, mejor todavia.
Son peliculas que alimentan el imaginario colectivo. Son "La Guerra de la Galaxias" (el perfecto exponente), las "Mision Imposible" y las "Duro de matar" donde los buenos se imponen a los malos, los rubios a los morenos y el heroe deja claramente marcada la importancia del individualismo. Estan hechas para que la gente salga contenta del cine
porque se ve reflejada en el mejor de sus mundos ideales y paga su entrada y consume su merchandaising. En Estados Unidos se da el fenomeno, que no veo en otros paises, donde hay una suerte de re-alimentacion del proceso: las peliculas proponen ideales y la gente acepta el ideal que se se muestra. Entonces pide mas del mismo producto porque se siente identificada. Entonces los medios producen mas porque el publico lo pide. Es un poco mas complejo, pero te da la idea de como funciona el proceso.
El americano se siente comodo en la piel de John Wayne, de Humphrey Bogart, de Batman y de Bruce Wills. La ideologia transmitida no es para los de afuera, es
para los de adentro.
Por supuesto que la historia se encarga de cambiar esos imaginarios colectivos. La argentina de hoy ya no cree mas en el mejor de sus sueños que es el mejor pais del mundo. La pobreza, el desgobierno, los piqueteros y lo que se te ocurra añadir cambiaron el imaginario. Nos conformamos con ser un pais donde pese a todo, todavia se puede vivir y con suerte todavía alguno puede progresar. Italia no sueña mas en su pasado imperial. Su imaginario despues de dos guerras perdidas se nutre de idea llevar geneticamente el espiritu artistico greco-romano y sentir que todo lo que hacen tiene el
mejor valor estetico.
Y la historia tambien esta cambiando el imaginario de Estados Unidos. Primero Vietnam, despues el 11 de Septiembre y ahora Irak posiblemente no permitiran por
mucho tiempo mas el mismo sueño.
Por cierto que no todos los paises imaginarios cambian para menos. Seguramente los chilenos y los chinos se ven mucho mejor que veinte años atras. Son las cosas de la historia.
Mil disculpas si fui un poco pesado. A veces ir al cine no es tan sencillo como parece. Chau.

PROMESAS DEL ESTE

2007-10-13T04:53:00.000-07:00

Confieso sentir una terrible envidia por mi viejo que ha podido ver la nueva del enorme David Cronemberg en los cines de EE.UU. "Eastern Promises". Acá la prometen recién para el año que viene, malditos!
Va su comentario del film mientras esperamos ansiosos en el sur del mundo a que alguien se digne a traérnosla:

“Ale, esta semana estuve muy ocupado y no pude sentarme
a escribir. Asi que va mi vision mas en frio, mas
meditada de la ultima de Cronemberg.
Si me preguntas ahora cual es la pelicula que mas me
quedo entre las que vi el año pasado te contestaria
que fue "Una historia de violencia". Esa fue la razon
por la cual apunte hacia Estern Promises apenas
aparecio en cartelera.
No es la segunda parte de "Una historia de violencia".
Pero podria serlo.
No es "El Padrino" de una familia rusa.
Pero podria serlo.
La clave de la pelicula esta en su titulo: Promesas
del este. Y va una pequeña explicacion.
El fenomeno de la globalizacion tiene como una de sus
caracteristicas el facilitar el traslado de las
personas de un pais a otro. Y el mostrar a personas
las virtudes (aunque normalmente no los defectos) de
otros paises. Y hacer soñar a los que emigran con
venturosos futuros.
Inglaterra, y en particular Londres, es receptiva de
gran cantidad de emigrantes de otros paises y se ha
convertido en quizas la mas cosmopolita de las
capitales.
Los cambios producidos en Rusia desde la
desintegracion de la que era la URSS llevaron a
Londres a buena cantidad de rusos. Es interesante
comentar el reciente caso del asesinado ex-espia ruso
en Londres donde, una vez mas, la realidad supero la
ficcion. Residia en Londres, ya era ciudadano ingles,
y se reunio en un restaurante con un personaje cercano
al presidente ruso (otro ex-espia). A los pocos dias
murio por envenamiento con plutonio cuyos rastros
radioactivos se encontraron en el restaurante.
Le siguio un un entredicho diplomatico entre los dos
paises y todavia no esta dicha la ultima palabra.
El recuerdo de esta historia es inevitable al mirar la
pelicula.
Vuelvo a Estern Promises. Las promesas del este son
aquellas hechas a los que fueron de Rusia a Londres
para caer en las redes de la organizacion criminal.
Se muestra con acierto un tema que me apasiona: el
bagaje cultural que las distintas comunidades
depositan en cada persona y el efecto cuando se
producen traslados a otra sociedad.
Hay una pequeña entrada, una puerta que se abre
solamente a los rusos para entrar a ese lugar donde el
idioma, las reglas de juego y la violencia son solo
rusas. El chofer no es por casualidad chofer. Es el
contacto entre dos mundos diferentes, el de una
pequeña Rusia que vive en Londres y la comunidad
organizada como nacion que es Inglaterra, con
distintas reglas sociales. Lleva y trae. De una
cultura a otra.
Es otra historia de violencia porque es una nueva
exhibicion de esa mania que tienen los humanos de
matarse entre si de mala manera. Es otro padrino
porque asi como existio una Italia mafiosa en los
Estados Unidos existe una Rusia con su herencia
violenta en Inglaterra.
No me animo a calificarla la pelicula. Seria buenisimo
escuchar otras opiniones. Desde ya que es buena
pelicula. Quizas el año proximo sea otra que quede en
mi memoria filmica.”

Alberto

BUCAREST 12:08

2007-10-13T04:51:00.001-07:00

Al fin se estreno en Córdoba en DVD, el film rumano Bucarest 12:08. Lo vi en cine meses atrás y me pareció increíble. Ya perfilaba como uno de los mejores films del año. Ahora que el 2007 llega a su fin, constatamos que efectivamente Bucarest 12:08 es uno de las mayores alegrías cinematográficas que nos deparo este año que se nos esta yendo. En su momento escribí este comentario que anexo mas abajo sobre el film, en la revista del Cineclub Municipal:

Recientemente, La noche del Sr. Lazarescu nos dejaba una manifiesta incomodidad en el estomago, mientras seguíamos las miserias de un hombre deambulando por los hospitales públicos de Rumania: el lejano país de Europa del este, con el atraso sufrido durante la era comunista, parecía estar acá nomás, a la vuelta de la esquina!.
Nueva incursión a los cines para ver la segunda película rumana estrenada en la temporada, Bucarest 12:08. Constatación de la inquietud: Rumania queda muy cerca! Es más, si se agarra la circunvalación seguro se llega! Corten cualquier escena del film y aplíquenla de fondo sobre cualquier momento de nuestra criolla cotidianeidad y verán que encaja perfectamente. Y uno que buscaba descubrir una cinematografía exótica!
En el film, al “viejo” Piscoci le encanta tirar petardos en la entrada de su edificio, cuando le dicen que esta grande para andar con esos juegos, le hecha la culpa a los chicos que corren ante el estampido: “Ellos fueron! Ellos fueron!”. Alegoría política?
Manescu, el profe borrachín de historia, sabe que si aparece en la tele contando que estuvo en la plaza antes de las 12:08 (momento en que cae la dictadura de Ceaucescu) se convertiría en el verdadero revolucionario del barrio obteniendo así una especie de redención. O al menos eso piensa él.
El periodista Jderescu cree que citando a Heraclito y Platón, su programa se tiñe de trascendencia y seriedad, disimulando su amarillismo, xenofobia e intolerancia. “¿Cómo puedo distinguir a Platón de Sócrates si los dos tienen barba?”. Le pregunta su mujer
Gran parte del film transcurre dentro de un pequeño estudio de televisión. Filmado solo a través de la subjetividad de la cámara televisiva manipulada por un joven camarógrafo que la mueve todo el tiempo porque dice, así se filma de forma moderna, sin encontrar jamás el foco, un encuadre correcto, y ni digamos, remotamente bello. Menos aún si el único decorado del programa es una espantosa foto de fondo con la bendita plaza donde supuestamente se generó la revolución. Que a fin de cuentas: ¿No sé si hubo o no? Pero si sé, de seguro, que las últimas muestras del cine rumano están revolucionando el anquilosado panorama del cine europeo.
Con elementos visuales tan aparentemente horribles. ¿Se puede lograr una obra maestra del cine político moderno? Sí, Bucarest 12:08 lo es. Y mejor aún, es increíblemente divertida. El novel director Corneliu Porumboiu sabe que si hay lugar para revoluciones hoy en día, que mejor que hacerla con una sonrisa de oreja a oreja. Y así, ¡Abracadabra! hasta el patético trío protagónico resulta embriagadoramente encantador.

Alejandro Cozza

SOBRE LA INVASION Y OTRAS CUESTIONES

2007-10-10T05:13:00.000-07:00

Ya he dicho como me molesta en el blog que no se vean los comentarios enviados, así que copio el de un amigo, Matias que me parece bueno porque, como siempre, suma ideas nuevas y da pie al debate de cuestiones relacionadas con el cine.

“ Después de semejante crítica a La invasion no puedo decir nada de la película, mas teniendo en cuenta que no la vi. :)
Pero, justamente, el ser otra de las tantas remakes de una excelente película (Recuerdo haber sufrido de terror en su momento, cuando sendos zombies sin sentimientos transportaban lo que parecían unas sandias espaciales. Claro, aun no tenia ni 10 años), no me motiva a verla. Digo, últimamente el cine del norte ha pasado de los mensajes encubiertos, a simplemente vomitarte en la cara su ideología, queriendo, casi decirte que entiendas el porque. Como un sádico verdugo que trata de explicarte sus motivos mientras te rebana una pierna.
Sin irme mucho, para mi, esta película cae en la categoría (propia) de las que posiblemente no vea. Digamos que no tan abajo como Titanic o Moulin Rouge, pero casi casi. O sea, puede que, en video, la vea.
Uno, por los motivos ya citados, y otra, porque Kidman me parece una, perdón, pésima actriz. Muy linda por cierto, pero que se dedique a algo mas. Creo que se me cayo por completo cuando hizo, entre otras Moulin Rouge :) (Que no vi, por suerte), o en La Interprete (No me acuerdo el titulo original), con Penn.
Para el resumen, desde mi punto de vista (sin haber visto la peli): Remake tendenciosa. Una vez mas, una linda cara a la cabeza para vender (QUIERO GENTE NORMAL).
Definitivamente, creo que hacen faltas películas con actores como: Steve Buscemi, Bill Murray, Sam Elliott, o Nick Nolte (Después paso la lista de actrices)”
MATIAS

Coincido en todo con vos Matias, pero, disiento en una sola cosa, y que Moulin Rouge es una gran película, jaja. Anímate a verla te la recomiendo, el australiano Buzz Luhrman (se escribe asi?) es una interesante director por mas que su anterior Romeo y Julieta haya sido insoportable. En Moulin Rouge en cambio hace todo bien lo que en la anterior había hecho todo mal. Es, para mi, el mejor musical de los últimos 20 años y una gran muestra de todo lo que significa “cine posmoderno”, con todo lo bueno y lo malo de esa expresión y del posmodernismo. Además de ser un film absolutamente estimulante y adictivo para los sentidos. Y Titanic, bueno, toda película en la que este tres horas Kate Winslet merece ser vista!!! (La propongo para encabezar la lista de actrices “normales”)
Además en Titanic Di Caprio muere al final!!! Eso también merece ser visto!!!
Y volviendo a tu lista de actores normales, estoy de acuerdo, y me permito sumar al gran John Cusack, por mas que ahora se las tire de galancito de thrillers y policiales, era uno de los nuestros, de los normales jaja.
Espero tu lista de actrices. Saludos.
Ah, y ya vamos con La señal que también vi esta semana.

Ale

LA INVASION

2007-10-06T05:16:00.000-07:00

Mi viejo, religiosamente va al cine todas las semanas (envidia que le tengo!) y me ha mandado su comentario de una peli que también esta entre nosotros por estos días “La invasión”. No la vi aun, así que no hay polémica, jaja. El director es alemán, el mismo de “La caída”, por lo que me llamaba poco la atención ir a verla (ya saben mi opinión sobre los nuevos directores alemanes, ja) y sumado al comentario de mi viejo, que leerán mas abajo, menos aun!
Lo que si voy a acotar, es que es una remake de un clásico imperdible que sí recomiendo mucho y que se llamó “La invasión de los usurpadores de cuerpos” (de 1956 si no me falla la memoria, sorry, no tengo ganas de fijarme en IMDB.com) y que dirigió el gran Don Siegel. Un clásico clase “B” enorme!
Luego se hicieron otras tres remakes mas de la misma película hasta llegar a esta, la cuarta (será por eso que mi viejo cree haber visto muchas películas con el mismo argumento?). De las anteriores, dicen que la dirigida por Philip Kaufman, con Donald Sutherland, es muy buena. Yo vi la remake de Abel Ferrara de 1994? (no confíen mucho en mis fechas hoy) y era muy interesante también. Ferrara es un grande! Ya lo dije antes no?
Bueno, vamos a la nota escrita por Alberto, que me parece interesantísima porque como siempre excede a la película misma y nos radiografía buena parte de la sociedad norteamericana. Además que menciona un tema que a mi me interesaría seguir con mas detenimiento mas adelante, y es el del consumo de cine de acuerdo a las épocas del año y a los designios comerciales de los exhibidores y de las cadenas de cine de los EE.UU.. Va la nota:

Ultimamente estoy yendo al cine todas los fines de
semana, una vez que el habito se puso en marcha es
imposible detenerlo. Ir al cine no es barato por estos
lados. La entrada cuesta 8 dolares o 8,50 para algunos
estrenos, sumado a comer algo para completar la salida
implica unos 50 dolares para dos personas.
Afortunadamente existen dos salas de las llamadas de
segunda exhibicion, donde muestran algunas peliculas
semanas despues de su estreno y que todavia tienen
publico. Estas cuestan 2,50 la entrada y tiene al lado
un oportunisimo Subway donde podes comer un sandwich
por 6 dolares. De esta manera la salida para dos podes
hacerla con menos de 20 dolares.
Como alguna vez te comente, la variedad de peliculas
para elegir cada fin de semana no es muy grande y las
estaciones cinematograficas estan muy marcadas. Las
temporadas altas son dos. El verano (desde Mayo en que
terminan las clases hasta Julio) con las peliculas
para chicos y jovenes. Es cuando aparecen las Harry
Potter, Guerra de las Galaxias, Hombre araña, Los
Increibles y demas por el estilo. La otra es el
invierno (desde Octubre hasta fin de año) con las
peliculas mas fuertes que apuntan a los premios Oscar
y la taquilla de las fiestas de fin de año. En el
intermedio aparecen las peliculas de relleno que no
dan para uno ni para otra, o las peliculas extranjeras
que son para un publico minoritario, al menos en esta
ciudad.
Es asi que este fin de semana no queria gastar mucho y
las opciones eran pocas. Finalmente fui a ver en
segunda exhibicion (2,50) "The Invasion", que no se
como se llama por alla. Para que la ubiques, es una
pelicula con Nicole Kidman y Daniel Craig. Su trama no
es para nada novedosa, te diria que hay cientos de
peliculas con la misma historia. La invasion de un
micro-organismo (extra-terrestre en este caso) y las
peripecias hasta dar con un antidoto en los ultimos 5
minutos que salvan a toda la humanidad.
Pero no desesperes, siempre hay algo interesante para
comentar.
La pelicula no pasa del monton, las ya dichas
presencias de Nicole Kidman y Daniel Craig prometian
algo mas, pero no pasan de la mediocridad.
Lo interesante para comentar es lo que ocurria con la
gente que miraba la pelicula. LA SALA SINTIO MIEDO Y
SUFRIO CON LA PELICULA.
Y para tratar de explicartelo vamos otra vez al
recurso del espejo de la sociedad.
El atentado del 11 de Septiembre dejo su herida,
todavia abierta, en la sociedad. Todos esperamos el
siguiente ataque, cuando y donde, no lo sabemos. Pero
que vendra, vendra.
Y aqui señalo una diferencia. En Argentina sufrimos
dos atentados que fueron tan terribles como el del 11
de Septiembre. El de la embajada de Israel y el de la
AMIA. Pero nuestra sensacion es que no fueron contra
Argentina, fueron contra los judios. La sociedad no
quedo marcada. Concluyo en que el argentino medio no
siente que esas personas eran argentinos y que los
atentados fueron en territorio argentino pese a ser
sede de entidades judias. Quizas esto explique nuestra
ausencia de temor por otro atentado.
No aqui. El temor existe.
A esto le sumamos la toma de conciencia sobre el
cambio climatico, potenciada por el desastre que fue
el huracan Katrina, que destruyo por su propia fuerza
y por la impericia de las autoridades en la
recuperacion.
Y finalmente le agrego la mentalidad de la gente
comun, que tiende a creer lo que los medios dicen y
que con su religiosidad casi supersticiosa son oidos
faciles a los sermones de los pastores que anuncian el
castigo divino.
Vuelvo entonces al cuadro con la pelicula. La sala
sintio miedo. Yo senti miedo. El proximo atentado es
posible. Los bichitos que vienen del espacio y se
meten en las personas son posibles. El cambio
climatico que traera un proximo gran huracan o
inundacion o tsunomi es posible.
Quizas en Argentina estamos acostumbrados a los
grandes cambios y la lucha diaria por la supervivencia
no nos deja margen para introducir en el espectro
otros temores que suenan lejanos. No es lo que senti
en el cine. Aqui, la vida regular y predecible de
todos los dias no tiene como enemigo la vuelta de
Carlos Menem, la devaluacion o el proximo corralito.
El enemigo es indefinido y poderoso. Cuando pega, pega
fuerte.
Una simple pelicula que en otros tiempos nos hubiera
hecho pasar el rato sin dejar huella hoy nos apreto el
corazon, nos corto el aliento y cuando salimos afuera,
nos hizo levantar la mirada despacio, hacia el
horizonte, para tratar de descubrir el sospechoso
avance de alguna extraña nube.
Hasta la proxima.
ALBERTO

SAM FULLER

2007-10-05T12:34:00.000-07:00

Cuando un pequeño Martin Scorsese salía del cine de la mano de su padre luego de ver el primer film de Samuel Fuller “I shoot Jesse James”, se preguntaba al ver a la gente trajinar por la ciudad delante de la puerta del cine que la proyectaba, “como podían todas esas personas seguir su vida normal y no estar viendo esa película”. Este fin de semana el Cineclub Municipal, sí el Hugo Del Carril, a programado un ciclo absolutamente imperdible para toda persona que se considere mínimamente amante del cine. Las mejores películas de Samuel Fuller!!!
Que diablos esta haciendo la gente en esta maldita ciudad que no esta toda en el cineclub viendo el ciclo de Fuller eh!?!?!?!?
Por favor, el que se pierda Shock Corridor, El beso amargo, Underworld USA, El rata, The big red one y las demás es un zopenco terribles y sinceramente, y con todo respeto (bah, en realidad sin ningún respeto hacia esa persona), no tiene ni idea lo que es el cine!!!
Así que vayan por favor urgente!!!!
No van a volver a tener la posibilidad de verla en pantalla grande!!!
Y no se consiguen fáciles sus películas!!!
No, no pregunten en Blockbuster!!!
Ahí no tienen la mas puta idea de quien es Sam Fuller, ni de lo que es el cine!!!
Y no digan que no les avise!!!!
Ah, abajo copio el texto que escribí para la revista Metropolis del cineclub para dar alguna breve data de sobre quien fue Sam Fuller.

Shock Fuller

El más rebelde
Petizo retacón, pelo blanco enmarañado, voz carrasposa inconfundible, y un grueso habano adherido siempre a sus labios. Miento, a veces, cuando escupía, se lo quitaba. Y si Samuel Fuller escupía, embarraba los cimientos de la industria cinematográfica más grande que jamás haya existido, la de Hollywood en los ’50 y ’60. De todos los directores y guionistas que pululaban por pasillos y sets, él era el más rebelde, inconformista e iconoclasta. Fuller, además de saliva, escupía imágenes; torrentes de ellas. Sus películas son una montaña rusa de ideas que nunca se detienen. Truffaut pedía “un plano, una idea”, y Fuller cumplía con creces. Filmaba más de lo que cualquier espectador puede digerir. La mayor parte del cine moderno y postmoderno está en deuda con él.
La mirada de Fuller era tanto aberrante y bizarra, como realista y precisa. Por eso el sistema, harto de sus escupitajos, acabó expulsándolo. Terminó en el exilio francés, acusado de izquierdista por la derecha, y de derechista por la izquierda. Le encajaron el sambenito de propagandista bélico, pero también el de antipatriota. Ni una cosa ni la otra, Fuller era humanista y anárquico. Así de compleja es su obra.
Hay, en el rock, músicos escuchados sólo por músicos. Referentes, nombres esquivos para el gran público, que generan -sin embargo- devota feligresía entre colegas populares. En el cine también existe tal categoría. Directores “para” directores. Sólo que la cuestión se monopoliza: Samuel Fuller, el cineasta que ven y aman los realizadores. Martin Scorsese lo puso en claro “...si no te gustan los Rolling Stones, entonces no te gusta el rock and roll. Y si no te gustan los filmes de Samuel Fuller, entonces no te gusta el cine. O, al menos, no lo entiendes en su esencia”.
John Cassavetes es el padre del cine independiente norteamericano, pero Samuel Fuller es el abuelo. Y, seguro, el que más nietos tiene: Tarantino, Jarmusch, Wenders, Bertolucci, Godard, Fassbinder, los Kaurismäki, Chabrol, Spielberg, Lynch, Demme, Kitano, Coppola, Bogdanovich, los propios Cassavetes y Scorsese. Todos ellos incluyéndolo en sus películas como actor, o citándolo / copiándolo / homenajeándolo en alguna escena. Lo tienen como ídolo, al abuelito medio chiflado, a Samuel Fuller, a Sam. Sí, al tío Sam, pero al otro, al reverso de la moneda, al lado oscuro del american way of life. A Sam... Fuller, maestro de maestros.
1968, mayo, París. Salías de la Cinemateca de Henri Langlois, después de ver CORREDOR SIN RETORNO o EL BESO AMARGO, y tu fuerza vital y contestataria era tanta que tirabas piedras contra el sistema hasta hacer la revolución. ¿No me creen? Vean el inicio de LOS SOÑADORES, la de Bertolucci, y constaten.
La tercera frase más citada en los manuales de cine -después de la de John Ford sobre “imprimir la leyenda” y la de Jean-Luc Godard sobre “el travelling como cuestión moral”- es la que Fuller pronuncia en PIERROT EL LOCO: “una película es como un campo de batalla: amor, odio, acción, violencia, muerte. En una palabra, ¡emoción!”

Alejandro Cozza

Viernes 5/10, 15:30 hs.
Domingo 7/10, 20:30 hs.
EL RATA
(Pickup on South Street, EE.UU., 1953, 80’)
Dirección: Samuel Fuller. Con Richard Widmark y Jean Peters.
Uno de los mejores filmes negros, realizado en la época de apogeo del género. Con Richard Widmark y Jean Peters interpretando a una pareja de inadaptados sociales, que se la pasan besando y dando sopapos todo el tiempo. En el medio, la paranoia de la guerra fría y la inolvidable Thelma Ritter en una de las muertes más bellas que dio el cinematógrafo.

Viernes 5/10, 18:00 hs.
Domingo 7/10, 15:30 hs.
LA CASA DE BAMBÚ
(House of Bamboo, EE.UU., 1955, 103’)
Dirección: Samuel Fuller. Con Robert Ryan y Robert Stack.
¡Un film negro que transcurre en Japón! Transculturalismo, amor interracial y una historia de homosexual velada en el medio. Todo cuando hacer referencia al tema, en el Hollywood clásico, era pecado mortal. No se exagera si se dice que Fuller rompió tabúes y barreras antes que nadie. Sam era un anárquico, fanático de las libertades individuales.

Jueves 4/10, 18:30 hs.
Sábado 6/10, 21:00 hs.
40 RIFLES
(Forty Guns, EE.UU., 1957, 76’)
Dirección: Samuel Fuller. Con Barbara Stanwyck y Jesica Drumond
Con protagonista femenina, gran western cuando este género era sólo terreno de hombres. ¡Ufa! Y a Fuller lo acusaban de misógino. En la mejor tradición del Johnny Guitar de Nicholas Ray. Barbara Stanwyck es una mujer de carácter, que impone justicia acompañada de 40 hombres. Pero cuando un forastero llega al pueblo, hasta la más dura tiene corazón.

Jueves 4/10, 23:00 hs.
Sábado 6/10, 15:30 hs.
EL BESO AMARGO
(The Naked Kiss, EE.UU., 1964, 90’)
Dirección: Samuel Fuller. Con Constance Towers, Anthony Eisley y Michael Dante.
Decía Fuller: “si a diez minutos de comenzada la escritura de tu guión, no tienes una erección, es que la película no servirá para nada”. Y no se refería a incluir una escena de sexo al comienzo. Las primeras tomas de EL BESO AMARGO merecen la medalla al mejor principio jamás filmado. Con esta obra maestra aprendieron a hacer cine muchos.

Jueves 4/10, 20:30 hs.
Sábado 6/10, 23:00 hs.
CORREDOR SIN RETORNO
(Shock Corridor, EE.UU., 1963, 100’)
Dirección: Samuel Fuller. Con Peter Breck y Constance Towers.
La fruta más podrida que conoció el Hollywood clásico. Con sólo el pasillo de un psiquiátrico de fondo, Fuller descargó toda su munición contra la hipocresía de la sociedad norteamericana, y filmó una de sus más célebres violaciones al Código Hays de censura. ¡En mitad de la película un grupo de ninfómanas acosa al protagonista!

Jueves 4/10, 15:30 hs.
Sábado 6/10, 18:00 hs.
MÁS ALLÁ DE LA GLORIA
(The Big Red One, EE.UU., 1980/2004, 163’)
Dirección: Samuel Fuller. Con Lee Marvin.
En su corte original, completa (la película fue mutilada para su estreno de 1980 por los productores) la obra maestra antibélica que Fuller filmó contando sus experiencias como soldado en la II Guerra Mundial. Eso sí, no esperen realismo, sino surrealismo. Porque para Fuller la guerra es locura y muerte (des)organizada.

Viernes 5/10, 20:30 hs.
Domingo 7/10, 23:00 hs.
LA LEY DEL HAMPA
(Underworld USA, EE.UU., 1961, 94’)
Dirección: Samuel Fuller. Con Cliff Robertson y Dolores Dorn.
Fuller fuerza los límites del género noir logrando que se vuelva aún más oscuro. La historia de un hombre que quiere vengar el asesinato de su padre, gran fresco sobre el crimen organizado, va de la suciedad de los suburbios a la corrupción en las instituciones norteamericanas. Tarantino y Scorsese sostienen gran parte de su obra a partir de este film.

LA ADICCION

2007-09-30T07:33:00.000-07:00

Recomiendo rápido una obra maestra que vi también esta semana y me dejo extasiado. “La adicción” de Abel Ferrara. Ya hablaremos seguro mas adelante sobre este director con mas tiempo, otro fundamental del cine norteamericano de los últimos 20 años, pero en su veta ya sí, mas artística y autoral. Hacia años que quería ver esta película (ya tiene casi diez desde que fue filmada). Es una film independiente cuasi experimental (como casi todo Ferrara) en blanco y negro en donde la gran Lily Taylor es mordida en un callejón por una mujer vampiro y desde allí se dedica a desgarrar yugulares a todos sus amigos y conocidos mientras recita a Nietzche y Kierkegaard. Mientras hace un paralelismo, con el tema del vampirismo, sobre la adicción a las drogas y al holocausto judio en la segunda guerra!?!?!? Gloriosa! Imperdible! Una de las mejores de Ferrara, y eso es mucho decir!

LUCKY YOU

2007-09-30T07:23:00.000-07:00

Al fin volví a ver cine! Y con una peli que me reconforto enormemente y me devolvió la fe en el mejor cine norteamericano: “Lucky You”, la nueva de Curtis Hanson!
Hanson silenciosamente se ha transformado con el correr de los años de un director a tener en cuenta, a un maestro artesano del mejor cine de genero. Sus películas nunca hicieron mucho ruido, a excepción de la maravillosa LA Confidencial, esa con Kim Basinger, Russell Crowe, Guy Pearce y Kevin Sapcey, del resto, se recuerdan como muy buenas películas pero todas con un encomiable perfil bajo que hacían que se diferenciaran del resto de estrenos habituales, pero que tampoco alcanzaron una masividad absoluta, me refiero a Fin de semana de locos (bah, “Wonder boys” la traducción es espantosa), 8 Mile, La mano que mece la cuna, Rio Salvaje, En sus zapatos. Todas excelentes películas de genero llevadas con ferreo pulso por un director que sabe manejar los hilos narrativos de una historia con la paciencia y el cuidado de un artesano que domina con eficiencia su estilo.
Y su último film lo confirma tal vez como uno de los mejores artesanos/creadores de historias que exista en el cine de Hollywood de hoy en día. Pensar que antes, en el cine clásico hollywoodense, directores como Curtis Hanson había cientos, y estos hicieron grande la historia del cine de su país. Pero hoy en día, esta clase de directores esta en franca decadencia y ya prácticamente no quedan en actividad sujetos capaces de contar una historia de comienzo a final redondita, sin imperfecciones y sobretodo, sin ponerse como directores, por encima de la narración y de sus personajes. El “YO DIRECTOR DE CINE” no existe en Curtis Hanson, lo suyo es la invisibilidad absoluta, desaparecer y dejar que el cuento se cuente y que diga lo que tiene que decir. Eso se agradece mucho! Y lo que parece sencillo, en “Lucky you” se vuelve genialidad y maestría pura!
La historia es muy simple, un jugador de poker de Las Vegas que quiere triunfar en la serie mundial y vencer a su principal rival, y en el medio, obvio, se enamora de una chica. La historia recorre absolutamente todos los cliches del genero, no se salta ninguno, y eso esta perfecto! Porque están puestos con tan buen gusto, y con tanto cuidado, y con un nivel de detalles en la puesta en escena tan grande que la transforman en una joya absoluta, disfrutable enteramente. La sutileza (desgraciadamente mala palabra en el cine actual) es la principal arma creativa de Curtis Hanson. Nada resalta mucho, pero nada falta, todo es justo y medido. La cámara, las actuaciones (gran casting con Eric Bana, Drew Barrymore y Robert Duvall), la fotografía, la historia sin golpes bajos innecesarios, ni psicologismos baratos. Y la banda de sonido es una delicia total con nada mas ni nada menos que Bob Dylan, Bruce Springsteen, Leonard Cohen y Ryan Adams!
Una película que sea muy probable pase totalmente desapercibida (es muy chiquita y simple), lo que dará cuenta del estado de ceguera en la que se encuentra el cine actual. En donde películas perfectas como ésta, que carecen de pirotecnia ridícula, no son tenidas en cuenta ni por la crítica ni por el gran público. Una lastima! Porque “Lucky you” es una de las mejores películas que nos ha dado el cine norteamericano en el año. Y se necesitan de decenas de películas como esta para que Hollywood recupere su esplendor perdido.

VITUS

2007-09-21T06:08:00.000-07:00

Frente a la flagrante y vergonzosa vagancia para escribir y actualizar el blog del corresponsal argentino, o sea YO (que dirá que esta muy ocupado y que no tiene tiempo para nada últimamente, pero sabemos que en el fondo son solo burdas excusas para esconder su desidia y desgano), tenemos que recurrir para mantener el sitio activo (por suerte lo tenemos!) al corresponsal norteamericano (Alberto, mi viejo, como ya sabrán los lectores) que le salva las “papas” al argentino y que le envía periódicamente notas de gran nivel sobre los últimos estrenos ocurridos en el país del norte. En este caso se trata de una película suiza (hay cine en Suiza!, además de chocolates, montañas y relojes), “Vitus”, de un director por mi desconocido, Fredi Murer, pero que viene precedida por buenas criticas. Ah, y actúa el enorme Bruno Ganz (como olvidar su papel en “Las alas del deseo”), este suele ser garantía de buen cine. Ojala se estrene acá y la podamos ver y hacer nuestro comentario por estos lados. Mientras tanto, para ir anticipándola, va el comentario de Alberto, y esperaremos pacientemente a que Alejandro vuelva a tener tiempo para ver cine en su vida (siguen las vergonzosas excusas!) y se le descongelen los dedos para escribir sobre ello:

Ale,
te anticipo que esta puede ser otra polemica.No se como se llama o se llamara por aquellos lados esta pelicula. Aqui se llama "Vitus", es de origen suizo y cuenta la historia de un niño prodigio.
La fui a ver siguiendo los consejos del critico de mi periodico favorito. Decia que era un analisis de lo que significa el ejercicio de la paternidad de un niño super-dotado y que la pelicula es para disfrutar.
Pero esta vez disiento con el y aqui es necesaria tu opinion para desempatar.
Para mi, la pelicula se maneja en diferentes niveles. El de la histora lineal, el del significado final y el del gustito amargo que te queda al dia siguiente.
Es cierto, la historia lineal es sobre un niño prodigio y el comportamiento de su familia y el medio. Pero despues de la mitad de la pelicula te das cuenta que fue una trampa. El real tema es el sueño de las sociedades del primer mundo en tener perfectas familias, hijos super inteligentes, convertirse en millonarios, tener exito artistico y de yapa triunfar en el amor imposible. Es demasiado?. No para los cuentos de hadas hechos a medida. Cuando eramos niños (si ya se, hace muuucho tiempo atras) nos ibamos a dormir felices porque el principe azul mato al dragon y se quedo con la princesa. Hoy en algunas partes se van a dormir felices porque el genio azul gano una fortuna haciendo malabarismos financieros por Internet y se levanto una mina.
Hasta aqui la pelicula es para disfrutar como dice mi critico.
Pero ahora viene la decantacion del dia siguiente.
Que quiso hacer realmente el director? Que quiso decir?. Quiso reflexionar sobre los niños prodigios?. Le salio muy mal.
Quiso contar un cuento de hadas?. Le salio muy bien.
Es un exponente de esa sociedad el contar un cuento de hadas sin ir mas alla? Es tristisimo. Es una sutil critica social siguiendo la via del absurdo?. Esta buenisima.
A esta altura de la decantacion, me quedo con la ultima.
Espero tu opinion.

EL ULTIMATUM BOURNE 2ª PARTE

2007-09-11T05:41:00.000-07:00

El corresponsale del blog en los EE.UU. (mi viejo, jaja. Este blog es internacional o que creían?) se copó tambien con Bourne y me mandó su afiladisimo y certero comentario. Ahí va:

Ale,
si bien no soy adicto a las peliculas de accion tu
comentario en el blog y el casi identico comentario de
un amigo me hicieron dirigir mi eleccion para este fin
de semana para Bourne Ultimatum.
Vale comenzar el comentario con decir que no me
arrepiento. La pelicula se exhibe en una de las mejore
salas en cuanto a calidad de pantalla y sonido, algo
casi necesario para "meterse" en la accion.
La pelicula se basa en uno de los libros de Robert
Ludlum, que es uno de los autores que mas libros ha
vendido en el mundo y tiene una particularidad. Si
bien murio hace seis años atras, todavia se siguen
publicando libros con su nombre basados en supuestas
notas que dejo y que escritores "fantasmas" se
encargan de terminar imitando su estilo.
Y yendo a la pelicula distingo en ella dos lineas
argumentales fuertes.
Una es la critica certera a un episodio muy reciente y
muy polemico aqui en Estados Unidos cuyo ultimo
capitulo fue la reciente renuncia de Alberto Gonzalez,
el Secretario de Justicia. Me refiero a la
autorizacion del gobierno a las agencias especiales
(como la CIA) para la aplicacion de torturas a los
detenidos por terrorismo y a la autorizacion para
escuchas telefonicas o lecturas de comunicaciones via
internet de cualquier persona en Estados Unidos.
Estas autorizaciones fueron y son muy criticadas por
la oposicion y por aquellos que creen en los
principios basicos del respeto a las personas (no
tortura) y respeto a la privacidad (no escuchas).
En este pais el ministro mas importante no es el de
Economia como ocurre en Argentina, nadie recuerda su
nombre. El mas importante es el Ministro (o
Secretario) de Justicia porque es el encargado de
mantener la legalidad del sistema y el respeto a la
Constitucion. Por esa razon al tomar estado publico la
participacion de Alberto Gonzalez (el mejor amigo de
Busch) en un memo autorizando el uso de la tortura y
promoviendo el programa de escuchas telefonicas
termino con su forzada renuncia.
Pues bien, Jason Bourne en esta pelicula representa la
conciencia de la nacion. Sufrio de amnesia por propia
voluntad y olvido los principios basicos. En la
pelicula los recuerda y termina con la condena de los
responsables de semejante desvio. Sera Hillary Clinton
la mujer que en la vida real termine con ellos?
La segunda linea argumental se refiere a una
reflexion, filosofica, acerca del tiempo y la vida, y
la futilidad de pretender apresarlo o controlarlo.
Otra vez Jason Bourne representa algo. No tiene
memoria y vive solamnete el presente. Por otra parte
la maquinaria de control con sus escuchas telefonicas
y pantallas pretende controlar y conocer lo que ocurre
en cada lugar en distintos paises. Es una frase
repetida en la pelicula esa de "esta en movimiento" y
la maquinaria comienza a operar.
Pero fracasa repetidamente: la realidad, la esencia de
la vida es impredecible e incontrolable. Y hasta se me
ocurrio pensar mirando la pelicula, en aquella famosa
de tu admirado Antonioni, "Profesion reporter" (o "El
pasajero") que fue filmada en la misma Marruecos y con
el mismo fondo existencialista. Quizas sea un homenaje
de su director a Michelangelo.
Termino. Me gusto la pelicula. Fuerte mensaje y buena
filmacion.
Pero, ay!, me quedo una reflexion mas.
Estas peliculas de exito masivo tienen una
caracteristica adicional que vale la pena analizar.
Son el espejo en el cual la sociedad se mira a si
misma. A veces es un espejo plano y su reflejo es
veraz. Otras veces el espejo es como aquellos del
zoologico (estan todavia?) que devuelven la imagen
distorsionada. En este caso a la gente le gusta verse
diciendo no a la tortura y a la violacion de la
privacidad. Se que no es toda la sociedad, pero si
estoy seguro es la inmensa mayoria del pueblo
americano.
Chau.

EL ULTIMATUM DE BOURNE

2007-09-02T13:50:00.000-07:00

Por fin alguien hizo el film de acción perfecto!!!.
Después de ver Duro de matar 4, que me gusto, es buena, o es mucho mejor de lo que podríamos imaginar pero…. No podía dejar de pensar todo lo que mejor que hubiera sido si toda la acción que tiene no se demorara siguiendo un guión y una trama en sí, bastante ridícula. Como espectador me decía, que quería ver una Duro de matar con todas las de la ley, o sea, adrenalina al cien por cien, no un thriller pseudos-tecnológico mechado con escenas espectaculares. El trailer de Duro de matar prometía eso, acción pura sin parar, pero en eso, el film decepciona un poco y no confirma todo lo que el trailer promete (como es muy habitual por otra parte en el cine hollywoodense).
La acción paraba más de una vez para contar una historia con parsimonia y sin pulso, y eso restaba mucho a la narrativa de la película. Y pensaba, cuando alguien se animara a olvidarse del guión y la trama., o de última, que ese guión o trama no necesariamente significara parara el ritmo. Por suerte la respuesta a mis súplicas llegaron al poco tiempo de la mano de Jason Bourne. Si han escuchado o leído algunas criticas locales e internacionales ya sabrán que la tercera parte de este agente olvidadizo es una de las mejores películas de acción de los últimos años. Una obra maestra del genero. Sitio de honor que puede compartir solo con la Division Miami de Michael Mann, ambas son piezas insuperables. Bourne es puro ritmo, pura adrenalina, vértigo que el espectador siente a cada paso. No se detiene nunca, el guión es afiladísimo y hasta las palabras que se dicen van a mil, hasta los silencios van rápido. La trama y el interés no decae un solo segundo hasta el final y todo es una fiesta audiovisual increíble. Paul Greengrass que ya de por si había superado mucho con la segunda parte de la supremacía de Bourne a la primera que dirigió Doug Liman (acá en el rol de productor del film), y acá redobla, y hasta triplica la apuesta. El nervio, no es histeria y pose en él, el nervio es nervio y punto. Y pocos directores en el mundo se pueden dar el lujo de mover la cámara (o de llevarla en la steady cam como ocurre en gran parte del film, sino en todo) de la forma en que lo hace Greengrass. Desde ya, saco patente de autentico maestro.
El cine occidental lo necesitaba, Hollywood también. Creo que lo malo vendrá cuando todos quieran empezar a imitarlo y tengamos docenas de thrillers de acción con la cámara al hombro, uf, sera insoportable, pero eso ya no será responsabilidad del bueno de Greengrass. Quien después de Vuelo 93, esa gran película sobre el atentado a las torres gemelas, ya se insinuaba que era un maestro de la tensión cinematográfica (apareció un verdadero discípulo de Hitchcok en los EE.UU.). En El ultimátum de Bourne ha sabido combinar todo lo bueno que habíamos vista en su obra previa.
Así las escenas antológicas se suceden una tras otra sin respiro. Ya hay varias que quedaran en los anales de la historia del cine.
Ahora, no crean que por ser ritmo puro, Greengrass le escapa a la reflexión. Bourne es factible de múltiples lecturas con un complejo costado político e intelectual. Bourne es moderna y contemporánea como pocas. El cine de acción post 11/09 ya tiene su mayor emblema (perdón a Daniel Craig y a su excelente intento por aggiornar a Bond, pero pierde irremediablemente frente a Matt Damon).
Si bien el agente secreto se pasea por varias ciudades del mundo, al final el cierre de la historia se define no en un país oriental lejano, sino en la propia Nueva York. El enemigo esta adentro y viene a cazar a los hipócritas de saco y corbata que digitan lo que ocurre en el mundo sentado detrás de la pantalla de una computadora y apretando botones. Vean sino, la foto del brillante cartel promocional con Damon de espaldas y Nueva York delante, en su mira.
Que dicho sea de paso, los malos y los secundarios, están formidables en la película. Una colección de actores de reparto insuperables que van desde las magnificas Joan Allen y Julia Stiles, hasta los enemigos de Bourne, Jason Strathain y Albert Finney. Los pocos minutos que le depara la cámara de Greengras todos se lucen mostrando facetas complejas y acertadísimas. Hasta los breves cameos de Paddy Considine, Edgar Ramirez y Daniel Bruhl
Y Matt Damon, tan vilipendiado siempre y castigado saca chapa de héroe máximo del cine moderno y de mejor agente del cine post Irak .
Viva Bourne! Viva Damon! Viva Paul Greengrass!

VIOLENCIA EN EL CINE - 3º PARTE

2007-08-24T06:16:00.000-07:00

El tema de la violencia sigue dando tela parta cortar. Mi viejo me mando de los Estados Unidos (corresponsal del blog en el exterior, jaja) su opinión sobre el tema con una perspectiva más histórica, y eso esta muy bueno. La subo para que la lean ya que se hace alusión a varias cuestiones que planteo Graciela en un comienzo.
Ah, y entre tanta violencia, una cara bonita no viene nada mal, ja!

“Me dejo pensando el leer los comentarios sobre la violencia en el cine a partir de "Blood diamonds". La pelicula en si es olvidable y coincido con un opinador sobre la bonita Jennifer Connelly que ya empezo a gustarme en "Hosuse of sand and fog".
Me molesta en el cine la violencia cuando es gratuita, esto es, cuando no hace a la tematica y busca solamente la morbosidad. No recuerdo muchos ejemplos porque las evito cuidadosamente. Las llamadas peliculas de accion cuando superan la barrera del
entretenimiento son especialmente deplorables. La contracara son las peliculas donde la violencia mostrada es parte de una realidad. La violencia de "Blood diamonds" es parte de una realidad, al margen de la mediocridad de la pelicula.
Creo que el problema basico con la violencia es el de la "inocencia" con la cual las generaciones de post-guerra de los paises occidentales han sido
criadas. Y paso a explicarte. La historia nos dice que la sociedad humana es esencialmente violenta. Desde la antiguedad los conquistadores violaban y mataban. No quiero chorrear sangre en tu computadora asi que solamente te recuerdo como muestra los relatos de envios de cabezas a enemigos, miles de cuerpos empalados en algun campo y el envio de las narices cortadas de un ejercito completo para demostrar la rotunda victoria. Pero la violencia no era solo patrimonio de los conquistadores. Nuestra santa iglesia catolica y las nacidas de la reforma no le tenian miedo al demonio. Asi todos los sospechados de herejia y tener un cacho del diablo metido adentro pagaban su desvio. Los quemaban vivos. O los colgaban de los dedos de los pies. O los cortaban en pedacitos.
Pero no es todo. Con el surgimiento de las sociedades modernas, la politica, ese arte de entendimiento entre los hombres tampoco consiguio evitarla. Las guerras fueron mas mortiferas y las luchas entre facciones pasaron de las palabras a las armas y la muerte. La ultima gran guerra, la segunda guerra mundial, dejo un saldo estimado de 60 millones de muertos. Despues de la guerra y con la creacion de la Organizacion de las
Naciuones Unidas se creo por primera vez en la historia de la humanidad el precedente de la Declaracion de los Derechos Humanos y el respeto por la vida de los otros.
Despues de la guerra la sociedad de nuestros paises occidentales adopto la posicion de la negacion de la violencia. Aqui paso a mis recuerdos de familia, escuela, lecturas, television, etc. etc. en un todo que conforma la formacion de un individuo. Y llego a
la conclusion de la inocencia acerca de la violencia. Creci pensando que las personas son buenas por naturaleza y la violencia era patrimonio de unos pocos desviados. No entraba en mi mente que la violencia podia ser organizada y formar parte de una politica de estado. Que la iglesia podria soportar la violencia del estado. Que nuestras sociedades no habian evolucionado lo suficiente y la violencia de la historia seguia presente. Con esto me refiero, obviamente a lo que vivimos en Argentina con el gobierno militar. Cual es uno de los recuerdos mas impactantes de mi poco mas de medio siglo de vida?
Alla por el 1.977 en uno de mis viajes a Buenos Aires, un dia miercoles en las primeras horas de la tarde estaba caminando por la plaza de Mayo y me tope con la manifestacion de las Madres de Plaza de Mayo, caminando alrededor del cantero pricipal, con sus pañuelos y sus carteles con las fotos de los desaparecidos. Fue un golpe terrible.
Era un inocente que creia en lo que decia la prensa censurada. Compraba una revista que editaba Mariano Grondona que hablaba sobre lo buenos que eran nuestros
gobernantes, recuerdo en especial el detalle que le ponia en cada numero un puntaje de 1 a 10 al gobierno y por aquellos dias superaba los 8 puntos.
Esa tarde cambio mi vida. Deje de creer en muchas cosas y empece a creer en otras. Basicamente deje de ser inocente.

Vuelvo entonces al cine y la violencia. Y va la respuesta a la señora que se escandalizo por la violencia de "Blood diamonds": La violencia existe entre nosotros. No nos tapemos los ojos o escondamos la cabeza bajo la tierra porque despues es demasiado tarde. Mas aun, tenemos que aprender a reconocer esa otra violencia menos visible, menos elocuente, menos impresionante pero no menos efectiva. No te parece terrible la escena de Sicko donde abandonan a los enfermos en la calle porque no pueden pagar el
hospital?. Pura violencia. Aqui en los Estados Unidos. Donde la gran mayoria de la poblacion va a la iglesia dos veces por semana y reza todos los dias. Y el presidente se confiesa un elegido de Dios y su frase preferida es "God bless you".
La violencia existe entre nosotros.”
Alberto

LA VIOLENCIA EN EL CINE 2ª PARTE

2007-08-19T13:19:00.000-07:00

No me gusta en blogspot esto de que para ver los comentarios que se suman a las notas, haya que clickear abajo, y bueno, como es lo que hay en materia de servidor, y estos últimos comentarios aportados me parecieron interesantísimos, los sumo y edito para que queden bien a la vista y puedan ser leídos de mejor forma. Muchas gracias gente por lo que han aportado, me parece buenísimo:

hola ale:
mi nombre es Nicolas. Hace poco que soy socio del video, y la verdad antes que nada, quiero agreadecerles por ese gran video club que han armado. Mas alla que vivo muy lejos (en arguello), como trabajo en el centro, tengo la posibilad de ir. En relacion al tema de la violencia, yo tampoco estoy en contra de ella. Estoy de acuerdo con vos en la violencia de Apocalypto: era necesaria. La de Tarantino por ejemplo es una violencia comica, pero quisiera incluir a John Woo; en sus peliculas todo se soluciona con un arma, pero no son fascitas. Los heroes y los villanos tienen una moral.
Con respecto a Zwick, si, es un director muy mediocre (yo lo defino con un realizador lacrimogeno), lo unico que quiere es hacernos conmover y llorar no importa cuantos lugares destruya y cuanta gente mate), en ese caso prefiero la violencia scorseseriana, una violencia social. Ahora esa violencia como "lección de vida" tambien la aborrezco en peliculas como hostel y el juego del miedo: dos peliculas imbeciles que lo unico que te quieren decir es que si vos no valoras tu vida alguien te va a achurar en mil pedazos. Una estupidez.
Para mi la cuestion es simple: no se trata de mostrar mas violencia, sino como se muestra la violencia. Con la violencia se puede hacer cine (vuelvo al caso Apocalypto), ahora si cada vez hay mas violencia, la verdad a mi no me importa, siempre y cuando haya algo valioso que comunicar. Muchas Gracias.Nicolas Moyano

Pulpo dijo...
Qué se puede agregar.
Me parece que el uso de la violencia es como cualquier otro recurso fílmico. Hay que saber usarlo para que se justifique.
La Naranja Mecánica desborda violencia y sin embargo es una joyita de punta a punta; en cámara rápida o lenta, con o sin Beethoven de fondo.
La violencia en Diamantes de Sangre, que sí la vi, es justificada y funcional a la historia que pretende contar; cómo la cuenta, y si su mensaje es lacrimógeno, es otra cosa; cómo el traficante de diamants se vuelve bueno en el fondo, sólo porque es DiCaprio me parece una vileza cinematográfica.
Creo que en Diamantes de Sangre no es precisamente la sangre la que está de más sino muchos otros condimentos que edulcoran la historia para hacerla amigable a la audiencia al meter una historia de amor, una historia de un malo que en realidad termina siendo un angelito; y un negro que logra sobreponerse a todas las barbaridades que le toca vivir. Todo junto.
Si embargo debo admitir que en esta película DiCaprio actúa bien (Como ha hecho en otras varias ocasiones) y qué decir, está Jennifer Connelly. (Eso sólo hace que la película sume una estrellita y media por lo menos)

Matias dijo...
Violencia insulsa es la que se puede encontrar en Alone in the Dark. Peliculas donde el director (o el guionista) no sabia como seguir y hace que algo explote, o que alguien saque de una media un arma. Creo que si de violencia se trata, se deberían ver películas satíricas sobre el tema (Hot Fuzz), para poder comprar que tan entupida se puede ver una película que se la quiere hace "denserio". Algo asi como comparar Rescatando al soldado Ryan, contra Códigos de Guerra (Con Nicholas Cague). En esta última parecían niños corriendo en el patio trasero de una casa jugando a las guerritas. Por otro lado, lo malo de las películas hollywoodenses es que están empapadas al máximo de la costumbres del norte, en el caso de este tema, la violencia. Justamente, todo se soluciona con un "caño", hay mas armas que chicles. Y esto se aplica a TODO lo demás. Hasta en las películas dramáticas, nunca falta un revolver en algún rincón del automóvil del protagonista.
En fin, en mi caso, creo que tengo un switch que cuando las balas, hachazos, cuchillazos, o cualquier otro tipo de arma aparece, si no hace al contexto de la película, si no que simplemente sirve para tratar de forzar situaciones, la película deja de tener un mensaje, y termino viéndola como lo que es (Algo que comentamos para 300), una película mas. En el caso de Diamantes de Sangre, Leo actúa mejor de lo que lo hizo en otras películas (viene repuntando el muchacho), pero la película no me alecciona, no me enseña. Sobre el tráfico de diamantes, mucha información se puede encontrar en diferentes lugares (Desde internet, hasta instituciones), y si realmente se quiere hacer algo, se va a esos lugares.

Y en general estoy de acuerdo con ustedes… Con Nicolás coincido que Hostel y los Juegos del miedo me parecieron películas mediocrísimas. Es común en el cine de terror último sobrepasar todos los límites de aberraciones y de torturas habidas y por haber. No quiero sonar “mojigato” pero, cuando la intención es solo esa, “sobrepasar límites”, me parece ridícula esa violencia, pero cuando es funcional a la historia, me encanta y la disfruto un montón. Ejemplo, bueno, en varias de las películas del Miike Takashi el uso de la violencia me fascina. Ya sea en Audition, Ichi the killer, Imprint, Izo, Visitor Q, y un largo etc. Todas excepcionales películas.
Pero, ojo! con esto no quiero decir que la violencia solo tenga que ser usada para dar sentido racional y lógico a algunas escenas, sino que no sea usada como herramienta barata de marketing.
La violencia y el destripamiento, así como los ríos de sangre gore, también tienen su sentido (por mas que no sean funcionales a la historia ni tengan intención narrativa) cuando son usados como hechos artísticos, solo estéticos, por ejemplo el de 2000 maniacos (la original de H. Gordon Lewis), o los films de Rob Zombie, que me gustan también. Es decir, como si se llevara el gore y la violencia al museo y elevarlo así a categoría de obra de arte. Como algo abstracto, meramente abstracto, como un cuadro de Kandisnky. Suena desubicado comparara a Rob Zombie con Kandisnky? Jaja.
Así, la violencia (como el uso del sexo) pasa a ser un elemento expresivo más que el artista puede moldear a su antojo, sin limitación alguna. Insisto en los films de Miike para ejemplificar. Y en general, los japoneses son absolutos maestros en esto de “moldear” como artistas plásticos la violencia. Ya Kurosawa en la década del sesenta con “Sanjuro, el samurai”, ubicaba al final del film, cuando se cercenaba alguna parte del cuerpo de los guerreros, verdaderos chorros de sangre que parecían propulsados por mangueras de alta presión. No pretendía con esto, obviamente ser real, si no acercarse a la irrealidad de la representación por medio de la exageración expresiva.
Es complicada, y fina creo, la línea divisoria de que películas incluir o no en esta categoría. Como bien dice Nicolás una buena parte del cine de John Woo podría entrar, y recuerdo ese ballet de balas en la monumental Hard Boiled, que puede que no tenga sentido, ni sea narrativo, ni siquiera funcional a la trama, pero es arte puro.

LA VIOLENCIA EN EL CINE

2007-08-15T06:07:00.000-07:00

Una amiga me preguntaba sobre el uso tan común de la violencia en el cine de los últimos tiempos. Reproduzco su comentario para después acotar algunas consideraciones:

Ale, me metí a comentar aquí porque la etiqueta dice películas malas, y pocos son los críticos que tan valientemente así califican Estoy bastante harta de estrategias marketineras disfrazadas de críticas artísticas.
Por otra parte, debo confesar antes de seguir con mi comentario, tres cosas:
1. No he visitado antes tu blog más que una vez, razón por la cual, no conozco todas las entradas y tal vez ya tengas algo escrito sobre lo que te voy a consultar luego.
2. No soy una gran conocedora de cine, ni siquiera soy un buen espectador. Soy muy capaz de levantarme a los 5 minutos e irme, si la película no me atrapa en seguida. Tal vez porque prefiero el teatro, donde puedo sentir más compliciadad con los actores y la ficción toda. Me siento más partícipe, creo.
3. Soy más emocional que intelectual a la hora de ver cine. Me gusta o no me gusta, no me vengan con valores históricos, testimoniales, técnicos o lo que sea. sencillamente soy bestia para todo eso.
Ya sabés con quién estás hablando entonces, y ahora me atrevo a pedirte una opinión. Diamantes de sangre (Blood diamonds es el título original,según creo recordar)
No pude verla entera, después de los primeros 20 minutos de tanta violencia, me levanté y me fui a la tintorería a ver si me podían limpiar las salpicaduras de sangre de la ropa. Pero no estaba sola, y la persona que me acompañaba se bancó la película completa, y encima aseguró después, que estaba buenísima. Ale, please, sacame esta duda cruel, ¿me perdí algo, o me están cargando? ¿Tiene méritos como para verla, aunque sea cerrando los ojos en los momentos de escenas truculentas, o se justifica que me haya ido para no seguir malgastando el tiempo?
¿Es un problema mío, o no me equivoco demasiado si afirmo que últimamente hay un abuso atroz de escenas de violencia explícita e innecesaria? Porque me está pasando medio seguido ¿ya no voy a poder ver más cine de acción? ¿Todo es tan abundante en detalles de mal gusto, o a mí me agarró una hipersensibilidad? ¿Soy la única que siente esas escenas como ofensivas?
Dame una opinión porque me siento extraterrestre.

Gra, antes que nada, aclaro que no vi Diamantes de sangre, no me llamo nunca la atención, le pispié algunas escenitas y me embolaron en seguida algunas cosas y no la seguí viendo. Así que, no seria justo que haga mayores consideraciones sobre esa película. Si la veo, te cuento. Uf, además no tenia ganas de aguantar a Leo Di Caprio JA! (aunque bueno, reconozco que a veces es un buen actor).
Aunque te soy sincero, me embolan las películas norteamericanas que pretenden “echar luz” y “dar a conocer al mundo las problemáticas tercermundistas”. No porque me moleste que se entrometan en una realidad que le es ajena, no tengo drama de eso si esta echo con lucidez, inteligencia y cuidado, pero… muchas veces terminan siendo solo productos for export para limpiar buenas conciencias de la gente del primer mundo que le gusta ver todo lo que se sufre en África y lo mal que los pasan esos “negritos allá lejos” (pobrecitos, ay). Para limpiar conciencias, vieron. Si lo veo en el cine, y me conmuevo por ello, me siento bien y me creo mejor persona. Por eso es que se apelan habitualmente a los golpes bajos (sangreríos de más), y las bajadas de línea baratas para conmover al público que esta cómodamente sentado en su butaca y que no conoce demasiado de esas acciones en la vida real.
Que esto ocurra en el cine de ficción, ya sea de acción o terror o gore, no me molesta, es más, me encanta. Pero cuando se trata problemáticas sociales complejas, basadas en hechos reales o inspiradas en situaciones de una realidad acuciante que pueda tener un país extranjero, se exige, o al menos yo pido, un mayor respeto en el COMO se filma y en los códigos, ya sea visuales o genéricos, con los que se trate el tema.
Insito, no me molesta la violencia en el cine, es más, reconozco mi lado “voyeur perverso” y me suele gustar (y sobre gustos…).
Siempre y cuando sea pertinente a la trama, dentro de un género particular, y narrativamente eficaz. Por ejemplo, no me molestó en lo mas mínimo el uso de la violencia en la película Apocalypto de Mel Gibson, me encantó y hasta me pareció necesaria (ya se, podrán decirme que nunca la violencia es necesaria, pero estamos hablando de ficciones).
Creo que uno puede optar como espectador ver si quiere o no, las escenas violentas. Me parece muy sabia Gra, tu decisión de levantarte e irte. Tenemos que ejercer ese derecho y de ninguna manera sentirnos mal por eso, o por que quedamos afuera, o por que no entendemos que el otro disfrute y yo no.
Ahora, sí me jode la violencia cuando esta ESTILIZADA en el cine “pretendidamente realista” y de “temática comprometida socialmente” (ojo, hago hincapié en las comillas). Que supongo, debe ser el caso de Diamantes de sangre. Me parece hipocresía pura por parte del director. Siempre cito como ejemplo a la espantosa película brasilera Ciudad de Dios. Un caso de director imbecil que pretende filmar a lo MTV de forma cool, cheta y estilizando la violencia de la dura realidad de las favelas, para así, gustar mas a los espectadores de todo el mundo, que se enganchen las masas y a lo mejor así, poder llegar a ganar algún Oscar (la película tubo varias nominaciones, eso da cuenta de lo infame que es, y Ojo! No estoy para nada en contra de los oscares).
La violencia, en estos casos de filmes “realistas”, no puede tener estilo alguno, es violencia, y punto. Recomiendo leer desde la página de la revista de cine El amante (www.elamante.com) una nota histórica que se llama “El travelling de Kapo” y que escribió uno de los más grandes críticos de cine de todos los tiempos, un francés de nombre Serge Daney. Creo que esa nota puede echar luz sobre estas cuestiones.
Que Tarantino (o Sam Peckimpah) filme en cámara lenta un tiroteo en un policial me encanta. Ahora que lo haga alguien en un drama que cuenta un hecho histórico de un matón de una favela de Brasil me indigna. Se nota la diferencia?
Les cuento que el director de Diamantes de Sangre se llama Edgard Zswick y que antes filmo con Tom Cruise “El ultimo samurai”. Un engendro espantoso que pretendía desde Hollywood acercarse al mundo oriental y retratar las tradiciones y códigos de los samurais japoneses. No lo lograba ni por asomo. Así que, esa falta de respeto que tuvo ese tipo por el cine japonés y por sus tradiciones me hacen temer lo peor si encara un tema tan jodido como el del tráfico de diamantes en África.
Pero bueno, si la veo, les cuento en detalles que me parece.
Espero Gra, responder al menos un poquito tu pregunta. E invito a quien quiera sumarse al debate y a aportar otras miradas sobre el tema de la violencia en el cine. Un tema que a mi me apasiona.

INGMAR BERGMAN

2007-07-30T19:42:00.000-07:00

Hoy es un día muy feo para el cine. Hoy se fue uno de los últimos gigantes que quedaban con vida. Ya no habrá nuevas películas de Ingmar Bergman, y eso es triste.
No me gusta escribir necronologicas. Y sí recomendar películas, sus películas, varias de ellas me cambiaron la vida, suena exagerado, pero creo que con algunas películas de Bergman, esa afirmación es cierta. Creo que me hice cinéfilo, amante perdido del cine, después de ver a los 15 años Sonata otoñal, ese magnifico tour de force actoral entre Ingrid Bergman y Liv Ullman, interpretando a madre e hija en un film con una intensidad emocional tan grande que a mi corta edad me poseyó de una forma tan hipnótica que creo que nunca olvidare esas imágenes. Además de que en ese film recuerdo las imágenes mas aterradoras que haya visto en mi vida, supe lo que es le terror gracias a ese film de Bergman y a la hermana discapacitada de la Ullman, que mientras ella pelea con su madre, en el piso de arriba, aúlla y grita sin que nadie le preste atención. Y esos aullidos significaron para mi el terror máximo que recibí cono espectador cinematográfico. Y de ahí en adelante, creo que el cine se me metió en la carne para nunca más dejarme. No es la única película de Bergman que amo. He visto varias veces Fanny & Alexander, y es una cumbre máxima, el mejor resumen de toda su carrera. Pero bueno, hay muchas otras películas del maestro, hay que ver, de forma indispensable; Noches de Circo, La fuente de la doncella, Cara a Cara, Persona, El silencio, Gritos y susurros, El séptimo sello, Un verano con Mónica, Fresas Salvajes, El huevo de la serpiente, etc. Todas obras maestras. Incluso es una obra maestra Saraband, la última, ese epitafio continuando Escenas de la vida conyugal (también genial). No hay otra forma de recordarlo mas que ver sus películas y recomendarlas, pienso sobre todo, a los adolescentes, que como yo a los 15 años, pueden quedar prendido a la magia del cine a través de sus películas. Esa linterna mágica, que es el cine.

TU, YO, Y TODOS LOS DEMAS

2007-07-24T19:46:00.000-07:00

Parecía que este año el cine independiente norteamericano no iba a dar mucho, no aparecían grandes cosas, hasta que llego ella; Miranda July con “Tu, yo, y todos los demás” y pateó el tablero, es una joyita indie. Una hermosa película hecha a puro cerebro y corazón. Ideas y mas ideas, eso necesita el cine, y Miranda July tiene para tirar al techo, y mas aun, tiene una mirada, eso que tanto falta también!. No me quiero ilusionar, pero creo que nace una cineasta importante.
Por momentos la veo como una equivalente femenina de Wes Anderson, creo que juntos harían linda pareja. Sus personajes, como los de Anderson, son tan freaks, al mismo tiempo tan comunes, tan sensibles, tan encantadores, tan patéticos, tan solitarios, y con tanto para dar, pero, obvio, no saben como. Y están rodeados de un mundo que los entiende menos todavía, o que no entiende a nadie, y que entre ellos tampoco lo hacen demasiado ya que sus códigos comunicacionales les son solamente propios, pero no importa, así viven, y hacen y trabaja y siguen, sin tantos planteos, deseando el calorcito de un amor, no mucho más, y sí, mostrarle al otro lo que hacen, sus ocupaciones. Creo que tanto Wes Anderson como Miranda July son cineastas laborales, es decir, físicos y manuales. Muestran lo que hacen, el resultado de sus trabajos (lo que son como seres “ocupacionales”), ya sean artistas plásticos, vendedores de zapatos, oceanógrafos, o alumnos de un colegio en donde tienen que presentar algún proyecto de ciencia. Lo que sea, solo que en ello depositan su cariño y sus complejas emociones, esas que les cuesta tanto expresar. Es una nueva generación de cineastas norteamericanos, no hay dudas (podemos sumar al grupo a Andrew Bujalski, a David O. Russell, a Spike Jonze, a Paul Thomas Anderson, a Charlie Kaufman, a Michel Gondry y, porque no? A Sofia Copolla) y Miranda July se ha anotado en la lista… y su opera prima ya toma ventaja. Que vengan más películas así! Chiquitas, sensibles, sin pretensiones, inteligentes y amables. Las necesitamos!

SOBRE ANTONIONI Y EL DESIERTO ROJO

2007-07-18T11:08:00.000-07:00

Me preguntaban también sobre El desierto rojo de Antonioni y bueno, que decir sobre el maestro: que me parece uno de los más grandes directores de todos los tiempos; que es uno de mis favoritos; que es a menudo injustamente subvalorado y ridiculizado por sectores de la critica de cine y por, incluso, otros directores, siendo a mi entender uno de los mas influyentes cineastas de prácticamente todo el cine moderno (desde Tsai Ming liang, Kiarostami, Kieslowski, a casi todo el nuevo cine argentino, para nombrar rápidamente a algunos). Que el actual cine italiano y sus nuevos directores lo dejan totalmente de lado, y así les va. Recuerdo cuanto adoré a Sofía Coppola cuando subió a recibir el Oscar por el guión de Perdidos en Tokio y se lo dedicó a Antonioni.
Y sobre El desierto rojo, como olvidar a Monica Vitti (su actriz fetiche), al uso del color (pocas películas fueron tan creativas en lo referente tanto a la emocionalidad del uso de los colores como con respecto a sus fines narrativos). Sin duda junto con Zabriskie point y Blow up, ésta es una de mis películas preferidas de Antonioni. Aunque La aventura, La noche y El eclipse no pueden dejar de ser vistas y revistas por cualquier cinéfilo que se precie de tal. Hasta sus ultimas obras, Mas allá de las nubes y el primer episodio de Eros (muy criticadas ambas, lo tildan de “viejo gaga”) me parecen increíbles, ya que las realizó con ayuda de asistentes (con Wim Wenders a la primera) debido a una parálisis sufrida que le inhabilita desde hace varios años casi todo el cuerpo, menos los ojos (la mirada) y su cerebro (la lucidez), sus principales herramientas de trabajo. Un genio!

REYES Y REINAS

2007-07-18T11:05:00.001-07:00

Anteayer me pedía justamente un lector del blog un comentario sobre Reyes y reinas, film que acaba de ver la noche anterior, a si que, va la opinión del film:
Venía escuchando y leyendo en los últimos años que el mejor cine francés contemporáneo descansa en tres nombres: Olivier Assayas, Claire Denis y Arnaud Desplechin. De los dos primeros había tenido oportunidades de ver varios films y poder constatar esta afirmación, me parece lo mas interesante que ha dado el cine galo en los últimos diez años, al menos del pelotón de los jóvenes (no cuentan en este corral los nouvelle vaguistas). Y tras ver Reyes y reinas de Desplechin, primer film que llega a nuestro país de este director, puedo afirmar que si, el cine francés efectivamente descansa en este tridente. Pondríamos sumar a Bruno Dumont y a Francois Ozon (y porque no al francoargentino Gaspar Noe) al equipo pero la irregularidad de la obra de ambos mas su gusto a veces por la provocacion un tanto barata los hace estar unos escalones por debajo de Assayas, Denis y Desplechin. Sí, tampoco podemos olvidar a Laurent Cantet y Robert Guediguian, pero las últimas obras de ambos no están a la altura de lo que prometieron en un comienzo.
Y la excelente Reyes y reinas me abre le apetito para querer conocer mas de la obra de este director que se mueve, según lo visto en el film, con muchísima soltura del drama intimista y desgarrador, a la comedia fina pero con igual dosis de desparpajo. Con quiebres narrativos realizados con gracia y absolutamente pertinaces a la narración. La mezcla de registros, más la muy planificada actuación de sus interpretes, Desplechin debe ser de los cineastas que mejor aúnan teatro y cine sin que esto sea evidente ni moleste al espectador. Todo el film se centra en la pareja? Protagónica con los muy brillantes Mathieu Amalric (visto en la excepcional Fines de agosto y principios de septiembre de Assayas) y la gran Emanuelle Devos. Uno con la simpatía y el encanto del clown caído en desgracia, la otra con al frialdad para enfrentar los fantasmas del pasado y los del futuros que se avecinan. La película va acumulando así, capas de significados con cuidada inteligencia. Uno de los mejores films franceses del año.

MAS SOBRE 300

2007-07-06T07:30:00.000-07:00

Ja, sigue la polémica por 300, este es de un lector anónimo, lo subo igual porque esta bueno lo que dice:

“primer comentario que hago pero bueh...no por ello menos valido...no?bueno con respecto a 300 es cierto lo ue observas de ella en cuanto a su canto al nazismo y demás cosas, pero acordate que esta basada en un comic sobre lo que eran los espartanos, que son conocidos por la eugenesia que practicaban, y su tradición bélica, sin mas, la película en si no transmite mucho, pero demuestra un hecho atroz como era y sigue siendo (en algunos lugares) la eugenesia que fue plataforma de impulso para muchas de las ideas de un alemán de iniciales a.h., pensando en una raza ¨supuestamente¨ mejor, o mejor adaptada parafraseando a darwin, a mi también me pareció una mierda 300, pero bueh...esta retratada en una sociedad que pensaba y actuaba asi...
fui!”

Me permito agregar que la realización de comic de Frank Miller 300 es de 1998, cuando Bush ya comenzaba sus cruzadas anti-oriente y Bush padre ya entendía a los iraquíes como el mal absoluto. Miller, un grande del comic sin duda, es a pesar de esto un confeso y ferviente republicano, hay que condenarlo por esto? No, sin duda que no. Es un gran artista por más que no concuerde con sus ideas políticas. Bah, Clint Eastwood también es un confeso republicano y miren las películas que el viejo y querido Clint nos regala (las espléndidas y muy humanas “La conquista del honor” y “Cartas de Iwo Jima”, ambas muestran el sinsentido de la guerra en ambos bandos).
Por eso creo que sí, es necesario ver a veces la intención moral y política detrás de algunas obras artísticas, y mas de consumo tan masivo como el film 300, no es algo inocente ni casual y no duden que los realizadores tiene muuuy en claro lo que hacen y los mensajes que dan con el film que realizan. Insisto, no es casualidad que 300, el comic y la película salgan en esta era, por más que sea una ambientación histórica. Se intenta contagiar en el americano medio, ideales propios de la era helena. Si eso esta bien o mal? Bueno, ya depende de cada uno y su interpretación.
Y sobre Zack Znyder, su realizador, que decir? Que su film anterior, El amanecer de los muertos (que acabo de reveer), una obra maestra! era una remake del film de un tipo, el ya nombrado George A. Romero, de ideas mas de izquierda y un indudablemente critico al american way of life y enemigo acérrimo a toda forma de militarismo (ver sino El día de los muertos y la misma El amanecer de los muertos en donde el sujeto armado y típico cowboy es ridiculizado). Que 300 choca indudablemente con su obra anterior, no hay dudas. Znyder es un joven y muy interesante realizador al que pienso seguir su carrera de cerca. Eso sí, sus contradicciones ideológicas, por ahora, están muy evidentes.

28 SEMANAS DESPUES

2007-07-06T07:26:00.000-07:00

http://www.youtube.com/watch?v=yP_AdLsgQxkTengo que reconocer que le cine de zombies me agrada indefectiblemente. Y tengo un gran recuerdo de hace un par de años viendo El amanecer de los muertos en cine y bueno, se estreno Exterminio 2 y la uno si bien no era gran cosa, tampoco estaba mal, y segunda confesión, tengo que reconocer que la colilla me enganchó (pensé que nunca me pasaría esto, y menos aun que lo reconocería, ir al cine llevado de las narices por una maldita colilla publicitaria. Pero allí estaba, y por suerte, esa maldita colilla no se equivocaba mucho, la película es buena). La dirige un español Juan Carlos Fresnadillo, todo una rareza, cine de zombies inglés a cargo de un gallego, cómo llamamos a esta ensalada? Esos engendros en el cine del oeste se llamaban spaghettis westerns, pero esto? Frenadillo tiene un interesante antecedente, un film con Leo Sbaraglia y Max Von sydow! Llamado Intacto que era un thriller mas que aceptable. Esta de más decir que es una continuación del film de Danny Boyle (aquí productor) y, tengo que reconocerlo (tercera confesión), esta es mejor que la primera!
El film no tiene mayores pretensiones que la de ser un film entretenido y bien llevado, y lo logra. Las alegorías políticas y sociales, las metáfora propias del género en George Romero, acá se encuentran muy disimuladas y son casi inexistentes. Hay una critica obvia a los excesos del militarismo (Blair recibe el palo) y eso de los blancos enemigos y los bancos humanos, pero no mucho más. Acá se vuelve a la familia (tópicos de la primera película de zombie de George Romero, la ya mítica La noche de los muertos vivos) como núcleo central que se ve atacado y en su disolución se filtra el terror!
La banda de sonido del film es muy buena, y un ritmo bien rockero sigue a las escenas de mayor acción y suspenso.
Por suerte muy lejos de Resident evil y mas cercano a El amanecer de los muertos (sin llegar a la maestría de este ultimo) Extermino 2 vale la pena.

LA VIDA DE LOS OTROS

2007-06-30T08:14:00.000-07:00

Lo que empezó como un comentario mio en un mail que le envié a mi viejo que vive en Memphis (Estados Unidos), terminó en una interesante y extensa polemica en torno a La vida de los otros que me interesa reproducir en el blog para ver y demostrar a veces la cantidad de miradas que puede tener una obra cinematográfica. Mi viejo me la había recomendado tiempo atrás cuando aquí aún no habia llegado, y como confió en su gusto cinematográfico y su buen criterio de análisis, me había entusiasmado. Y bueno, en esta no coincidimos mucho, pero, lo bueno son las razones de la discusión que va tomando cariz hacia otras cuestiones y hacia otras películas (caso de El libro negro y Bucarest 12:08)… Vamos con la polémica….

Hoy justamente vi La vida de los otros, la alemana ganadora del Oscar y bueno, la verdad, me gusto poquito... Voy a tratar de escribir más extenso sobre ella en el blog si hago tiempo, pero hay como varias cosas que me hicieron "ruido" mientras la veía. Una, los malvados que son los tipos socialistas del estado de la Alemania Oriental (termino la guerra fria no?), unas caricaturas malísimas que hacen que la pelicula se torne dudosa en sus intenciones. Que muchas cosas seguro que son ciertas, sí, pero... en las democracias occidentales se comenten atropeyos peores. Por eso habrá ganado el Oscar? Y la otra, o a causa de esto justamente, resulta un film en donde los buenos momentos son arruinados en otros culpa de este trazo grueso que hace que su supuesto contenido humanista se quede en eso, es supuestos. Digamos que me parecio una pelicula que borra con el codo bestialmente lo bueno que iba escribiendo con la mano. Lastima, porque la historia en si es buena y los personajes y las actuaciones tambien. Pero me suena hecha por un director que no tiene muy en claro algunas cositas ideologicas, o al menos sin el valor suficiente para llevarlas hasta las últimas consecuencias.

No estamos tan de acuerdo con La vida de los otros.
No creo que el tema de la pelicula es demostrar que los dirigentes de la Alemania Oriental eran malos tipos. Tan malos eran que se cayeron solos. Tampoco creo que sea una caricatura. La realidad muchas veces se parece a una caricatura que ninguna pelicula podria igualar, y esto es al margen de las ideologias. Si alguien hiciera una pelicula con nuestro General Luciano Benjamin Menendez seguro que muchos dirian que es una caricatura. Si tenes tiempo podes ver en Youtube una seleccion de las mejores gansadas de George Busch. Dificulto que alguien pudiera hacer una mejor pelicula de caricatura que la realidad misma. A mi me emociono bastante porque recorde lo que pasamos nosotros en la epoca del gobierno militar y mis propias vivencias personales. No senti nada exagerado ni ideoligico.
El tema de la pelicula es el descubrimiento de la verdad y la caida de la venda de los ojos. Es un gran tema porque a todos nos puede pasar (y nos pasa) que creemos en una verdad, en una forma de vida o en una organizacion social hasta que descubrimos que algo no funciona. Y nace otra verdad que se impone a la anterior. No creo que sea ideologico en este caso, es simplemente el testimonio que vivio la gente en Alemania. Si has visto Good bye Lenin te daras cuenta que es parte del mismo proceso de cambio de la sociedad.
Con esto queda abierto el debate. Espero que aparezca el tema en el blog para seguirla.

Como explicarte las cosas que me molestaron de la pelicula… No niego sus valores pero..., es mas, me llama la atencion que hablando con distintas personas sobre ella (gente de tu generacion en su mayoria), a todos les encanta por cuestiones similares a las que me mencionas (creo que soy la unica persona ala que le molesta la pelicula), pero... no sé, te voy a poner un ejemplo nomás (la proxima me explayo más, sobretodo con la cobardia de los cineastas alemanes actuales a la hora de tratar temas históricos, llamese La caida, Sophie Scholl, Good bye Lenin, Los edukadores, El noveno dia, todas películas que me molestan bastante). En un momento del film, el hombre "bueno" (fea simplificacion) que hace la escucha lee un informe de la noche anterior en donde se reconcilia el escritor con su mujer la actriz (en un papel para escribir largo y tendido mas adelante por lo desaprovechado que esta y, nuevamente, simplificado) y se imagina como estos tienen sexo. Hay una serie de imagenes sobreimpresas de la pareja en el acto sexual pero me detengo en una de esas imagenes que me molesto y llamo poderosamente la atencion, dura apenas unos segundos y casi no se nota. En ella esta la pareja reposando luego del acto y la mujer en una posicion incomoda e imposible tiene una mano sobre su pecho, es decir se tapa la teta con su mano en una posicion imposible e irreal y por ende absurdamente falsa. La imagen pretende ser bella pero en su pudor, es irreal y por ende falsa, y por ende horrible. No es creible nunca y peca de puritana y conservadora. Pretende ser algo que no es. Hubiera sido bueno y valiente ver el cuerpo maduro de la mujer, es decir, la intencion es buena, sexo entre dos personas maduras (y no jóvenes bellos), pero arruina la intencion. Es decir, pretende ser algo que luego no se anima a ser, tira la piedra y esconde la mano, no llega más lejos. Un director que es capaz de filmar y planear una escena asi, no sirve para nada, por buenas que sean sus intenciones. Esa imagen me dejo la sensacion que tenia sobre la pelicula y me la graficó toda. Eso de intenciones buenas pero por falta de talento, o intencion de llegar a mayores audiencias, o ganar oscares la alejan de alcanzar mayores cuotas de realidad y verdad. No niego de que la verdad supera la ficcion, pero el film cae en reduccionismos, para mí graves. Eso si, ojo, no niego la implicancia y lo que puede significar el film a las personas. Sobre los sentimientos que despierta cualquiera fuere la pelocula en un espectador, no hay persona ni critico que pueda refutar ni negar ni decir que son malos.
Para colmo, anteayer fui al cine a ver una película rumana que es absolutamente perfecta. Se llama Bucarest 12:08 y ojala puedas verla por alla. Es la absoluta contracara de La vida de los otros. Ver esa película hizo que me molestara mas aun con el film aleman. Trata temas muy similares, es decir, lo que fue y lo que queda de la Europa comunista. Pero el film rumano es de una complejidad tal que roza la genialidad durante varios momentos. Y lo hace sin pretensiones de seriedad e importancia, todo lo contrario ya que es una comedia divertidisima. Y muestra lo que fue y lo que es hoy con unos detalles realmente lucidos, inteligentes y abarcadores. Y lo hace todo con un solo escenario durante 40 minutos que es el de un estudio de televisión! Para colmo, la forma es brillante, hasta se permite reflexionar sobre la escencia del cine. Te lo recomiendo de veras. Creo que estara de seguro en mi top five de fin de año, JA.

Comienzo (para terminarla) con algun comentario mas sobre la pelicula La vida de los otros. Alemania es un pais con algunas especiales caracteristicas. Su gente tiene el estigma del nazismo todavia fresco en su conciencia colectiva y hasta hace poco toda referencia a esa parte de su historia era cuidadosamente evitada. La reunificacion de Alemania, ocurrida hace 17 años, todavia es un proceso en vias de integracion y
subsisten grandes diferencias en sueldos, productividad y vision sobre ese otro pasado.
Por otra parte, Alemania fue la cuna del ptotestantismo religioso (Martin Luther) que fue la reaccion de protesta contra los excesos de la iglesia catolica. Te recuerdo que por aquellos tiempos (fines del 1.400 y comienzos del 1.500) los conventos eran acusados de ser prostibulos, el Papa Borgia tenia un hijo de su hija Lucrecia, algunas fiestas en el
vaticano terminaban en orgias, la venta de indulgencias alcanzo un grado de mercantilismo intolerable, etc. etc. Esta reaccion fue puritana y entre otras cosas condenaba el sexo que no fuera dentro del matrimonio y con fines reproductivos. A todo esto, no se si la directora de la pelicula es del este o del oeste, si es de una familia protestante o no. Pero quizas su origen explique las escenas que no te convencen tanto. Tambien puedo decirte que sin ser la gran pelicula representa la introspeccion, la busqueda de la sociedad en su pasado, que se muestra en varias de las ultimas peliculas del cine Aleman. Que me parece mas rescatable y valioso que el cine italiano, por ejemplo, del cual no pude ver nada interesante desde hace años. No podes ver esto con
ojos argentinos solamente o con la estetica de Hollywood. Punto.
Y con menos palabras te cuento que fui a ver Black Book, la ultima pelicula de Paul Verhoeven. El siglo pasado (cuando era jovencisimo) circulaban las revistas "comoic" El Tony y D'Artagnan que basicamente eran historias ilustradas para adultos. Algunas muy buenas que se convirtieron en clasicos y objetos de arte por la parte grafica. Esta película recoje la estetica y la forma de relato de esos comics y los lleva a la pantalla con la enseñanza de los años de Hollywood pero con esencia europea. El resultado es
una pelicula entretenida y con muy buena fotografia.

Me esta gustando esta polémica en torno a La vida de los otros. Es interesante no? Es más pensaba si te parece publicarla entera en el blog, ok? Puede quedar bueno.
Y bueno, justamente haciendo referencia tocaste EL tema al que me interesaba llegar y el que me viene generando dudas y al que le destino algunos pensamientos. Y es precisamente el del “ajuste” de cuentas de Alemania con su pasado. A ver por donde empezamos… Existe un libro muy interesante escrito por un tal Sigfried Kracauer que se dedico a estudiar al cine alemán previo a la llegada del nazismo, se llama “De Caligari a Hitler” y su nombre lo dice casi todo. El periodo previo al nazismo el cine alemán se encontraba dominada por una tendencia artística y estética denominada “expresionismo” (proveniente de la pintura obvio) y que dio grandes películas a la historia del cine, que en general tenían ciertas líneas temáticas similares y obsesiones estéticas recurrentes en un grupo de cineastas. Y que si, como muy bien mencionás, tiene que ver con la historia previa de Alemania, así como con el estado social que vivía el país luego de perder la primera guerra mundial. O sea, un cine oscuro, pesimista, tenebroso, tétrico y escabroso en cuanto a sus historias relatas. Así aparece la celebre El gabinete del Doctor Caligari, en donde el tal Caligari era un hipnotizador malvado que hipnotizaba a su ayudante para que cometiera los peores crímenes. Metrópolis, M (sobre un asesino serial de niños) y El testamento del Dr. Mabuse, todas del gran Fritz Lang (un tipo con muchos demonios dentro). Nosferatu de Murnau, sobre la leyenda del hombre-vampiro. Lulu o la caja de Pandora, la historia de una prostituta que cae a manos de Jack el destripador. Bueno, a lo que voy es que el libro nos dice que desde la pantalla cinematográfica se prefiguraba la llegada del peor monstruo, Hitler. Es decir que algo había en el inconciente colectivo alemán (claramente expresado en su arte y sus películas, para que engendrara a ese monstruo). O sea, no es producto de la casualidad, ni un malo que llega del espacio exterior. El pueblo, la gente, ayudo a engendrarlo. Algo que sin dudas ocurre en cualquier país con cualquier monstruo que lo gobierna. Llámese Hitler, Bush, Pinochet, Videla, Ceausescu, Saddam Hussein, etc.
A lo que voy, es cierto entonces, y supongo que hasta loable, que el cine alemán ajuste cuentas con su nefasto pasado (es cierto que muy pocos países lo hacen, e Italia ni por asomo lo logra, salvo la muy buena y reciente Il caimano del enorme Nanni Moretti que se mete cara a cara con Berlusconi con mucha lucidez y con una dosis de humor que vuelve mas salvaje aun su ataque al “caimano”. Me estoy convenciendo que la mejor forma de denunciar y combatir las atrocidades del pasado es con las armas del humor como ocurre con la película rumana que te cité Bucarest 12:08).
Ahora, habría que ver teniendo en cuentas eso ajustes, cual es la verdadera intención, ya que tanto en La vida de los otros, como en Sophie Scholl, La caida, El noveno día, Good Bye Lenin, etc. Los malos, sean jerarcas nazis o jefes de la Stassi son seres muuuy malignos, extremadamente malos, mientras que el pueblo son solo “hombres buenos”, artistas luchadores, gente inocente que sufre los embates del mal. Ahí el problema del estereotipo que te mencione la primera vez, que no dudo su veracidad, pero si el lugar de victima que sufre le pueblo alemán. Una tesis mostrada en estas películas que se contradice con todo el rico e interesante periodo expresionista de principio de siglo del cine alemán. Si antes mostraba el cine que eral el pueblo que crea al monstruo, ahora se muestra al mal venido de vaya a saber uno donde dominando al inocente pueblo. Es decir un film que muestre a Bush con todas sus idioteces (que de seguro son muy ciertas) tiranizando al pobre pueblo estadounidense seria un film mentiroso (como lo es en cierta forma Fahrenheit 9/11 de Michael Moore). El pueblo alemán en estas películas nunca se hace cargo de nada (cosa que si logra muy inteligentemente Bucarest 12:08). O sea, este ajuste de cuentas con el pasado me suena mucho a lavado de manos frente a la comunidad internacional. Como decir: “Perdónennos, hacemos autocrítica de lo que le hicimos a la humanidad, pero nosotros también sufrimos a estos tipos”
Rescatable por un lado pero dudoso de sus verdaderas intenciones. En eso, los reduccionismos de los personajes de La vida de los otros suenan falsos y mentirosos. Una cosa es la intención y otro lo que el discurso fílmico realmente dice entrelineas.
Y justamente tocaste una película brillante que iba a traer a colación para mostrar las diferencias y es precisamente El libro negro. Para mí, una excelente película, sí… muy entretenida porque tiene las reglas del thriller en su estructura, o sea no le importa tanto la veracidad histórica, ni Verhoeven querer ajustar nada con nadie, no lo necesita. Te cuento que Paul Verhoeven (un muy buen director) dirigió años atrás un film de ciencia ficción llamado Starship troopers, film que fue acusado por un lado por ser uno de los mas pro-fascismo que había dado el cine, mientras que otros opinaron que era una de las mas lucidas criticas al fascismo que había dado el cine, JA. Esto no significa confusión del mensaje dado por el realizador, si no todo lo contrario, daba cuentas de su inteligencia para plantear una temática compleja. El libro negro en sus múltiples capas y permanentes giros de los personajes (el estereotipo aquí sí funciona como elemento creativo y desestructurante) termina resultando una pesadilla en donde malos y buenos cambian de mascara permanentemente y a fin de cuentas los malos son los del pueblo, que se hacen los buenos y el verdadero malo no lo es tanto al fin. Ni que decir que El libro negro me pareció mucho más inteligente y verdadera por la fuerza que tienen sus personajes que La vida de los otros. Pero claro como El libro negro es solo un thriller, y no un film serio como el alemán, no gana Oscar y no tiene la fama de aquel. Algo que me molesta de sobremanera. El libro negro es ignorada en los Oscares, como también lo es Bucarest 12:08. Porque sus discursos no son simples y monocordes y pueden dar pie a confusiones. No vaya a ser que el buen ciudadano norteamericano se confunda!
Ahora, lo que si me viene a la duda con todos estos films es que son dirigidos por jóvenes cineastas bastante inexpertos. O sea la intención esta, pero… O son unos hipócritas bárbaros o no tiene aun las ideas del todo claras y en su afán por conquistar el mercado internacional se toman estas licencias y caen en los reduccionismo tan peligrosos. La duda me queda. Quiero creer que los problemas de La vida de los otros se debe a la inexperiencia y falta de talento de su director y que no sea hecho a propósito este “lavado de manos de los hombres buenos que sufren a los hombres malos”.
Eso si, reconozco que al menos se animan a poner en el tintero temáticas históricas y recientes, algo a lo que el cine argentino no se le anima ni por asomo. Y las únicas y pocas muestras de arreglo con el pasado, llámese dictadura militar, son también pobres muestras en donde el ciudadano sufre al tirano. No hay nunca un mea culpa y eso es muy cobarde. O sea, esta bien mostrar desnuda a la historia, pero no taparle las tetas a ultimo momento arrepintiéndose!

Que puedo hacer!! Es imposible dejar de contestar y seguir con la polemica. Vamos a tus comentarios. El tema del expresiomismo aleman y la pre-anunciacion del nazismo o la preparacion de la sociedad para hacer posible a Hitler, es uno de los grandes temas de la historia.
Recuerdo haber debatido con un amigo durante varias horas este dilema: son los hombres los que cambian el curso de la historia o es la sociedad que esta pidiendo, que pone a alguien en ese lugar para que dirija el cambio?. Napoleon no hubiera sido posible
sin una sociedad cansada del desgobierno posterior a la revolucion francesa. Tony Blair posiblemente hubiera sido tan gran de como Churchil en tiempos de guerra pero vivio tiempos de paz. Nuestro autoctono malvado Videla no hubiera existido sin el desastre de nuestra folclorica Isabelita. Y asi los ejemplos podrian seguir formando una larga lista. Pero... no todos los hombres son titeres de sus sociedades. Algunos han demostrado verdadero genio (para bien o para mal) y fueron mas alla de su mandato social. Van algunos nombres: Alejandro Magno, Julio Cesar, Ghandi. Y la lista podria seguir. Volviendo entonces a nuestro tema posiblemente en el caso del nazismo haya algo de los dos. La sociedad queria un Hitler, pero Hitler tenia su genio propio y fue mas alla del mandato social. Asi llegamos al segundo de tus cuestionamientos. El
nuevo cine aleman y el pueblo de hombres buenos. La real cuestion es: son los hijos culpables de los errores de sus padres?. Alemania hizo su recambio generacional despues del nazismo. Y su gente siente la necesidad de gritar que no son culpables. Que lo fueron sus padres pero no ellos. Ese es el pueblo de hombres buenos de tu comentario. Esta figura la podemos encontrar en otros pedazos de la histora. Son
los turcos de hoy culpables del genocidio armenio?. Son los blancos de hoy culpables de esclavitud de los negros en Estados Unidos?. Me temo que la respuesta es muy complicada. Objetivamente las nuevas generaciones no son culpables de los errores de sus padres. Pero los padres transmiten valores culturales a sus hijos y estos pueden llegar a ser culpables de pertenecer a una cultura. Dificil verdad?. Vamos a un par de
ejemplos. Creo que pocos alemanes de hoy son nazis porque parte esa parte de la cultura era preponderante de un hombre (Hitler) y no se transmitio a las nuevas generaciones gracias a la derrota de Alemania en la segunda guerra mundial.
Los judios de hoy en Israel, nuevas generaciones despues de la segunda guerra mundial, tienen intacto el valor cultural de la guerra y la enemistad con el pueblo arabe. La transmision de esa parte de la cultura fue todo un exito (pelicula: Munich). Y asi llego al tercero de tus cuestionamientos. Al nivel de gran vision historica y social que estamos
hablando, no existe inexperiencia o falta de talento en un director. Lo explico. Si "La vida de los otros" llego al Oscar y a la exhibicion en las salas del mundo es porque no habia mejores propuestas. Es algo asi como que la fotografia del momento de la sociedad esta tomada y es esa. Con esa experiencia y ese talento. Es asi. La sociedad no pudo producir en ese momento nada mejor.
Siempre me impresiona caminar por una plaza en Florencia. A su alrededor estan los bustos de los artistas florentinos de su epoca de esplendor, seran unos 15 o 20. Recuerdo algunos nombres: Leonardo Da Vinci, Miguel Angel, Dante, Boticelli. Por aquellos
años Florencia no tenia mas que unos 200.000 habitantes. Se me ocurre pensar que si juntaramos a todos los grandes talentos de Cordoba en toda su historia (no solamente un periodo) difícilmente podriamos poner 15 o 20 bustos en una plaza (antes estuve tentado de poner a Lorenzo de Medici en la lista de hombres con genio, sin duda lo era).
La sociedad muestra lo que tiene.
Y antes de irme a dormir un par de comentarios adicionales acerca de Black Book.
La pelicula expresamente te avisa que no es un relato con precision historica. Son los recuerdos de la muy agraciada protagonista. Y es sabido que las cosas no son como son (o como fueron) sino como una las recuerda. Esto implica que tiene la necesaria dosis de subjetividad con que cada uno miramos la realidad que nos rodea. Y su mirada es interesante. Hay malos y buenos en los dos lados. Los malos a veces son tambien
buenos. Y los buenos son a veces tambien malos. Y al final de la pelicula, no ya la parte de los recuerdos, los soldados apuntan sus armas hacia algun enemigo mas alla del kibutz (la transmision cultural de que te hablaba).
Mi cometarista de cine preferido (del "Memphis Flyer") comentando Black Book dice que si fuera una película americana con un par de artistas americanos seguramente seria la primera pelicula candidata al Oscar del año. O sea que no critiques tanto a mis
conciudadanos estadounidenses, aqui tambien hay gente que piensa.
La ultima en serio. Ya que lo nombras a Michael Moore, pronto se estrena Sicko que promete ser tan polemica como las anteriores. Reserva lugar en el blog.

COMENTARIOS

2007-06-27T19:28:00.000-07:00

Subo un comentario de Matias para que lo puedan ver mejor, ya que me parece muy interesante lo que plantea. Una polémica ha surgida en torno a 300 Je!
Y VIVA GEORGE ROMERO!!!
Y suma a "La tierra de los muertos" de papá Romero como gran film de terror y político al mismo tiempo.
VIVA EL GORE!
Próximamente se viene el comentario para los amantes del buen cine de zombie de la muy lograda también “Exterminio 2” o “28 semanas después” como gusten llamarla!

Va el comentario de Matias: “Con respecto a 300, la vi en el cine y me creo que es una excelente película. Pero la veo como lo que es. Digo, una adaptacion de un comic (Que poseo desde hace mucho tiempo atras), y como una obra de arte. O sea, no se mal interprete, no pretendo que la pongan en un pedestal y la declaren la 8va maravilla del mundo. Pero era lo que me hacia falta ver desde hacia mucho tiempo. Un cuadro sangriento sin necesidad de ir por el lado del gore absoluto. Por mi lado, no me intereso el mensaje que pudiera dar, como digo, solo la vi como una adaptacion de un comic, que si nos remitimos al momento de creacion del comic, creo que ni Irak, ni Bush estaban presentes (Habia otras cosas :) ).
Y por supuesto, Hot Fuzz la vi pero si, leyendo el mensaje, y me repugno. A lo que voy es que no me repugno la pelicula, es excelente, y el mensaje tambien, lo que me repugno es que se tenga la necesidad de dar este tipo de mensajes en una sociedad que se cree avanzada. Creo que por eso estamos como estas :)
Finalmente, Dawn of the Dead, ya que se nombro, es una de esas peliculas que tambien revitalizan. Despues de tanta porqueria de un serial killer y un par de adolecentes muertos uno a uno con diferentes artefactos, todos carilindas, aprecio esta pieza, que si bien no da miedo en absoluto, el mensaje es tremendo. Claro, vale aclarar que es solo una re adaptacion a los tiempos modernos, y deberiamos compararla con la original de aquellos 70s.
Y ahora si, si quieren peliculas con mensajes, les recomiendo El Dia de los Muertos. Muy parecida a la original de Dawn of the Dead, y la tienes en el video. Tiene como 20 años pero un trasfondo actual que abruma.”

EL TIRADOR

2007-06-27T19:27:00.001-07:00

Qué ocurre cuando un film de acción made in hollywood, con todas las reglas típicas del género hecho una y mil veces, de repente mete como perlitas criticas políticas directas al sistema actual de gobierno de su país?. Haciendo claras y explícitas criticas a las mentiras de Bush en torno al Irak affaire.
Cuado los malos son el sistema organizado, que se arroja ser paladines de la democracia y la libertad (freedom), cuando el estado terrorista por excelencia (en este caso que siembra o que deja impunemente sembrar el terror en África) es el propio estado norteamericano. No solo dependiente de una mente criminal sino de una organización perfectamente aceitada para cometer crímenes que son disfrazados como acciones de estado para proteger a sus conciudadanos. Cuando un, justamente, conciudadano honesto es victima de este terrorismo de estatal y es perseguido por la CIA como un asesino rabioso, engañado, usado como chivo expiatorio. El inocente perseguido por una organización mafiosa (tema favorito del maestro Don Alfred Hitchcock), en este caso llamada Gobierno de los EE.UU.. La paranoia llevada al extremo. Mark Walhberg (actor que viene demostrando una gran ductilidad además de acumular un currículo interesante tanto en el cine indie como en el mainstream), la víctima inocente y engañada, es un ex francotirador del gobierno que es rescatado de su retiro para, con la excusa de proteger a su presidente, se ve involucrado en la atentado a un embajador africano que perpetra la misma CIA.
Y mas aun… perdonen pero acá cuento el final, dejen de leer los que no hayan visto la película y no quieran saberlo!!!!!
Al final, llega el colmo de la incorrección política. Una escena que ni el más crítico al gobierno de Bush y a los EE.UU. se atrevería a filmar (ni el gordo Michael Moore). Creo que ni el más anarquista diría lo que se animan a decir Antoine Fucqua (el director) y sus guionistas. Y no se si lo hace por convicción o por irresponsabilidad pura. Me juego más por la primera opción, teniendo en cuenta que el director tiene una interesante y prometedora filmografía previa. Recordemos la excelente Día de entrenamiento y el muy subvalorado Rey Arturo (lo mejor que salio de la factoría de Jerry Bruckheimer).
Al margen de cual sea su motivo, lo hace, esta en pantalla y es genial!!!
El francotirador, derrotado por el propio gobierno de su país que le da la espalda, por más que se compruebe que es inocente y que todo era una conspiración de un senador y un alto coronel (hurra por la vuelta de Danny Glover!), decide vengarse por mano propia. Es decir, cuando el estado es tan corrupto que es imposible vencerlo, bueno, al pobre ciudadano no le queda otra que agarrar el rifle y salir a matar a los senadores corruptos, y los jefes del ejercito!!! Sí, el asesinato de un político como cura a todos los males de la sociedad!!!!! PEDAZO DE MENSAJE TIENE EL TIRADOR!!! Y uno que la creía un inocente film de acción!!!
Me dirán ya que ando medio paranoico pretendiendo ver films políticos en simples películas de acción. Pero hoy en día, con los EE.UU. ninguna película es inocente. Sea la que fuere. Sea una comedia con Will Ferrell o este excelente policial que es El tirador. Que al margen de su mensaje es un digno entretenimiento muy bien narrado y filmado por Antoine Fuqua, director que habría que seguir mas de cerca.

ZODIACO

2007-06-10T09:03:00.000-07:00

Muy buena Zodiaco. La verdad, muy buena. Por fin llego la nueva pelicula de David Fincher. Hace años la esperabamos. Peo valio la pena. Y lo mejor es que nos da su pelicula mas redonda, mas acabada. En Seven, en El club de la pelea, en La habitacion del pánico, se vislumbraba en Fincher a un gran director, a un gran narrador. Pero disfrazaba a sus historias de excesivos manierismos, mucha pirotecnia que terminaban tapando todo lo bueno que escondian esas peliculas. Ahora el hombre se toma su tiempo. Parece haber madurado una enormidad alejado de las camaras y parece haberse dado cuenta que el exceso de pirotecnia de sus peliculas anteriores restaban mucho mas de lo que sumaban y por ende se ha despojado de ella y en Zodiaco nos da una obra madura y superior a todas sus anteriores. Un poco como el paso que dio Tarantino en Jackie Brown despues de Perros de la calle y Pulp fiction.
Aca ya no importa tanto el asesino serial como en Seven, sino, la obsesion de tres personas a lo largo de su vida, marcadas por ese asesino serial. No es un film sobre la herida, sino sobre las consecuencias. Gran thriller, gran!
http://www.youtube.com/watch?v=xJTC8iMQBGw

LOS ESPIGADORES Y LA ESPIGADORA

2007-06-08T05:55:00.000-07:00

Hace dias que no puedo sacarme de la cabeza un par de documentales que vi el fin de semana. Cortesía de la Ceci del Cineclub Municipal Hugo del Carril, que me facilito un maravilloso dvd de Agnes Varda con “Les glaneurs et les glaneuses” (traducido al castellano seria mas o menos Los espigadores y la espigadora) y “2 años después”, dos de sus trabajos documentales mas recientes. Y son una absoluta maravilla.
Odio cuando le ponen como frase promocional a algunas películas “te iluminara el alma”, la detesto, creo que no existe frase mas ridícula, cursi, choma, fifí, trillada, vacía… pero, sin embargo, es la frase que me viene a la cabeza todo el tiempo con este film y no la puedo evitar, porque…. Realmente ilumina el alma! Y que quiere decir eso?!?! Bueno, no sé, pero lo hace… Verla y comprobarlo.
Los espigadores y la espigadora debe ser tranquilamente uno de los mejores documentales del siglo (suena exagerada la frase pero vamos solo 7 años del siglo, JA).
Agnes Varda es la abuelita del cine francés, madre de la nouvelle vague, fue pareja de Jacques Demy y es una cineasta increíble. Debe haber nacido con una ojo-camara-cine incorporado porque toma que filma, toma que posee una fuerza y una “verdad” mayor que cualquier toma de la mayoría de los cineastas actuales.
Y pareciera que Agnes Varda en el film se acaba de comprar una camarita digital (de hecho hasta nos muestra su manual de uso) y como nene con juguete nuevo sale con su camarita pequeña (ya esta entrada en años y no esta para andar cargando grandes equipos ni grandes producciones sobre sus espaldas) a recorrer la Francia, la carretera, y a filmar lo que vaya encontrando en su camino con una sola línea-obsesión argumental; filmar a la gente que recoge cosas, a los que se agachan para levantar algo, ya sea recogedores de basura, de desechos, de comida, de objetos, de lo que fuere. Basándose en la idea de los espigadores que se agachaba para recoger el maíz del suelo en las cosecha campestres de tiempos anteriores. Toda persona que se agache para recoger algo a Agnes Varda le encanta, y la filma! Y ella se termina transformando en una recogedora también, en una espigadora, pero de imágenes (Vean la fotito de ella con su camarita). Por más que su piel y su cuero le dice que también es una recogedora de años (porque filma sus arrugas de una forma absolutamente conmovedora). Y lo hace con un sentido lúdico envidiable. Este es uno de los films más juveniles en el mejor y mas fresco sentido de la palabra que he visto en los últimos tiempos. Juega, filma, se divierte, conoce, pregunta, se interesa, se fascina por los personajes que va encontrando, y todo con ese ímpetu jovial que traslada a sus imágenes (observen la foto de un momento muy divertido del film en donde ella desde su auto pretende atrapar a los camiones que pasan a su lado), que por ello, no signifique que en mas de un momento se vuelva critica al sistema y abogue en cuestionamientos sociales de exclusión y diferencias (el film tiene una logica anticapitalista y militante, no desde las barricadas sino desde un sentido común de equidad).
Así termina resultando el documental de una persona increíblemente libre y por ende increíblemente verdadero y encantador.

THE HOST

2007-05-29T19:44:00.000-07:00

Llega, se estrena en los cines de The Host y es todo un acontecimiento en el año cinematográfico. La vi tiempo atrás en DVD pero frente al inminente estreno en salas la alegría que una película como The host tenga estreno comercial me lleva a recordarla y a querer decir algunas palabras sobre ella. Palabras, obvio de alabanzas. Que bueno es gastar palabras hablando lo que se quiere no? Y The host es una de las películas que mas quiero de los últimos tiempos. Y que es The host? Bueno, para los que no saben es la película de monstruos (bah, en realidad de un solo monstruo que realmente podemos llamar monstruoso porque es feo, grande, y pisa fuerte y se come a la gente, pero también trata sobre otros monstruos menos monstruosos, o sea, menos feos, pero igual de grandes y que pisan peor o sea el estado conformado por un sinfín de monstruitos menores que son hombres y que son sus funcionarios y que son mucha mas malos que son ese grandote que sale del río) coreana. Bueno, están avisados estamos frente a una película de monstruos. Si una gran monster movie, la mejor de los últimos años, y porque no una de las mejores de todos los tiempos?.
Pero sobre monstruos en el cine remitirse a la muy buena nota de la radar en Página 12 sobre el tema. Yo quiero hablar sobre The host, la película, su monstruo principal, sus monstruitos secundarios y todo lo que la película dice, que es mucho, y que va muchísimo más allá del monstruo.
Y dice mucho porque primero es gente común la que protagoniza y sufre al bicho grandote. Gente común de una familia imperfecta como toda buena familia, de acá y de Corea. Y sus héroes son gente común pero que tiene problemas como cada uno de nuestros vecinos obvio, que los problemas lo tienen los vecinos, nunca nosotros, eso no, no?
El argumento es típico del género, científico yanqui irresponsable tira desechos tóxicos al río, y de allí sale un mutante tremendo que azota la costa del río y el mas allá. Y tiene el tupe de secuestrar a la nena menor de la familia disfuncional protagonista y allí van ellos al rescate, sorteando en el camino calamidades monstruosas que sí, porque tienen que ver con el monstruo ese, pero que también tienen que ver con el estado coreano (inepto, corrupto y desaprensivo), tiene que ver con sus subjetividades individuales, con sus miedos, problemas, y pequeñas virtudes, que en fin son sus únicas armas. En el medio, el entretenimiento esta asegurado, porque su director, un nombre ya importante dentro del cine mundial tenido en cuanta sus tres películas realizadas a la fecha (las excelentes Barking dogs never bite, Memories of a murder y las que nos ocupa), Hong joo bong es un hábil tejedor del cine de genero además de dar puntadas inteligentes y personales a sus obras. El cine coreano ya sabemos desde hace un par de años atrás es todo un furor, repleto de directores esenciales y de obras inclasificables y sorprendentes. Y hasta ahora es una cinematografía que parece no tener límites. Ya que se expande en todas direcciones, desde lo mas intimo y autoral (Kim Ki Duk, Hong sang Soo, Lee chang dong) hasta lo mas narrativo e imaginativo dentro de esquemas genéricos mas comerciales y populares (Park chan wook, Hong joo bong).
Que su origen sea coreano, oriental, y para los que están mas o menos adaptados a la cinematografía moderna del lejano oriente sabrá que por lo general las cosas nunca son como parecen, ni como estamos acostumbrados a verlas en el cine norteamericano made in Hollywood. Sino que como todo buen film coreano las locuras, desmadres y momentos estrambóticos (a fuerza de mejor calificativo) están al caer. Las mezclas genéricas ya son moneda corriente en estas cinematografías tan llenas, por eso, de vitalidad y originalidad. Y aquí los cruces entre distintos géneros primero pueden llevar a la confusión pro al rato son asimilados como absolutamente normales dentro del relato, y uno se pregunta de última, porque no? Y el film va de la acción pura al melodrama más lacrimógeno. Del absurdo de la situación a gags cómicos graciosísimos. De la crítica social a la alegoría ecologista. Cruza el mejor cine clase B y sus recursos, con efectos especiales que por momentos parecen sacados de superproducciones yanquis. Una película que pareciera no tener vergüenza de nada ni hacerle asco a nada. Y de ahí su gran merito. Como espectáculo de masas, pero también como cine inteligente y sumamente creativo. Por todo eso, VIVA THE HOST!!!
Ojala el publico argentino acompañe esta propuesta yendo a las sala sacándose los prejuicios y dejándolos a un lado! Mmmm… cine coreano… no sé…
La propuesta comercial es arriesgada, ya que por un lado los que prefieren el cine puro de entretenimiento les cuesta mucho salir de lo norteamericano, si se les dice que e scoreana salen corriendo. Y por otro lado hay un publico mucho peor, el pacato, que dice lostsres con als producciones yanquis y que apuesta a otro cine de otras latitudes pero siempre y cuando ese cine sea
Así al menos tendremos esperanza de que mas de este cine oriental tan estimulante se siga estrenando en los cines comerciales.

SUNSHINE-ALERTA SOLAR

2007-05-24T06:05:00.000-07:00

El domingo a la tarde lo dediqué al cine, o mejor dicho a ir al cine. Si uno anda sin novia en un determinado momento, que mejor plan un domingo a la tarde que ver películas en el cine!!! JA JA. O para entra mejor en sintonía con una de las películas que ví, mejor escribir HA HA.
Lo bueno de esta ida al cine es que las dos películas visionadsas son diametralmente opuestas, y ambas me encantaron!. Los últimos bodrios vistos me habían desencantado un poco respecto a mi fe en el séptimo arte, pero por suerte siempre aparecen películas que a uno lo devuelven al amor incondicional, y por ende uno se transforma en un defensor acérrimo de esas películas. Me refiero a Sunshine-Alerta solar de Danny Boyle y a Funny Ha Ha de Andrew Bujalski.
Vamos a la primera. Una de las razones de mi desencanto cinematográfico era a causa de todo lo que cuesta ver una buena película de género últimamente. Ya sea accion, thriller o comedia. Una pochoclera de las buenas, de las que divierten, de las que a su vez no dejan de ser inteligentes, y además realizadas con pericia y nobleza por parte del director, esto es, sin truquitos baratos, ni bajadas de línea, ni efectos especiales que disimulen la impericia narrativa, ni concesiones dramáticas facilongas, no, nada de eso. Por todo esto Sunshine es cine de ciencia ficción (cruzado con cine catástrofe) del bueno.
Cine-entretenimiento que a gracias al talento del director se transforma en puro cine-arte. Y una cosa no quita la otra, sino que ambas se amalgaman para dar forma a una excelente película.
La ciencia ficción venia dando bochornos impresentables en los últimos años (solo se salva del escarnio Hijos de los hombres de Cuaron). Por eso también Sunshine se presenta como una obra importante dentro del género. Que si bien no elude ningún tópico ni convención genérica (como por ahí si lo hacía la de Alfonso Cuaron en su pretensión de entrar en circuitos mas “artísticos”, cosa que logró), al menos los utiliza con indudable gracia y Danny Boyle no se deja caer en la trampa de innovar dentro del género para sonar “cool” y pretencioso, sino que todo esta puesto en su justa medida: el gigantismo típico de la superproducción (y aca la hazaña es mayuscula, salvar al sol de su desaparición) con el drama humano, lo existencial/filosofico con lo moral/ético y hasta religioso, la tension y la acción con la reflexiva poesía.
Luego de Exterminio, Danny Boyle parece haberse vuelto adepto a las catástrofes apocalípticas, o mejor dicho, después de retratar las catástrofes de tamaño “fin del mundo” de seres particulares como en Trainspotting, abandona de su tesis al individuo y se dedica a lo social (Exterminio) y a lo universal (Sunshine). Su congruencia como realizador y como autor por más superproducción y pochocleras que sean sus últimas películas, es total.

FUNNY HA HA

2007-05-24T05:59:00.000-07:00

Después de salir del complejo multisala aturdido por la descarga intermitente de estímulos que provee Sunshine. El sonido es estremecedor y la iluminación (símil solar) enceguece más de una vez. Que mejor antídoto que ir al cineclub municipal a ver una película independiente!. Y si esa película es Funny Ha Ha de Andrew Bujalski, bueno, el contrapunto esta asegurado, mas independiente imposible, ya que el film es tan extremo en su simpleza que sirve como contrapunto a casi cualquier película que podamos imaginar o con la que lo queramos comparar. Cuando la recomendaba a otras personas me preguntaron si era como las películas de Ezequiel Acuña y no pude evitar pensar que hasta Como un avión estrellado parece una superproducción comparada con esta.
Que felicidad cinéfila proporciona Funny Ha Ha! Que regocijo saber que hay en las salas de Cordoba (al menos el fin de semana pasado) dos propuestas tan opuestas y ambas tan estimulantes como Sunshine y el film de Bujalski. Hollywood vs. Cine independiente. Pero no lo bueno contra lo malo. Cada uno con todo lo bueno de sus propuestas. Y el de Bujalski justamente viene a sanar mi otra pata de la desilusión cinematográfica, la que me produce justamente el espantoso cine
pseudo-independiente que se produce en los últimos tiempos (estuve viendo muchas películas de Larry Clark últimamente, entiendan de ahí mi desencanto hacia el cine y hacia la raza humana que el imberbe de Larry Clark transmite). Películas tan o mas calculadas que las producciones de estudio, y con menos riesgo artístico que Bañeros 3 de Disi y Franchella.
Por suerte todos lo vicios del reciente cine indie yanqui en Funny Ha Ha no se producen y es todo lo contrario a los retratos juveniles cargados de moralina de Larry Clark y directores similares. El film tiene una gracia increíble. Es verdad que mucho de esto se debe a la encantadora Kate Dollenmayer, Marnie en la ficcion, protagonista absoluta y omnipresente de casi todo el metraje del film (lo reconozco, salí del cine enamorado de esa Marnie). Ella y los otros personajes del film son tan, pero tan comunes, y su forma de expresión tan austera que la única contracara que pueden ofrecer es de una complejidad tan grande que uno prácticamente adivina colándose entre los huecos de su personalidad de forma tan evidente como lo es la timidez que tienen a la hora de expresarla. Cine de adolescentes hecho por un adolescente que transmite todo lo bueno y lo malo y a todo a lo que esa torturada palabra (“adolescencia”) remite. Pero lo hace sin juzgar absolutamente nada nunca. Lo que lo posiciona enseguida como un cineasta enorme. Lo que se dice habitualmente, que Bujalski recuerda al primer Linklater (lo que es una muy buena noticia) y que hasta resulta, sin sonar exagerado, una muy esperanzadora cruza entre Eric Rohmer y John Cassavetes (lo que es mucho decir). Bujalski tiene una segunda película en sus manos que ojala pronto se estrene por estos lados, Mutual apreciation. La esperamos con los brazos abiertos. El cine norteamericano indie lo necesita, y mucho.

HOAX

2007-05-20T09:05:00.000-07:00

Cuando Lasse Hasltrom hará una gran película? No sé, me surgió esta duda después de ver Hoax-Estafa, su último film. No ha hecho nunca una película mala. Filma mucho, es prolífico, y siempre con una calidad indudable. Nunca decepciona, pero… Todas terminan siendo el borrador de lo que podría haber sido una gran obra. Las reglas de la vida, Atando cabos, Casanova, Chocolate, La vida de los otros (así se llamaba esa con Redford, Freeman y J.Lo?). La excepción seria su mejor película a la fecha, A quien ama Gilbert Grape, pero igual, fue filmada hace mucho esa película y me resultan vagos los recuerdos que tengo, y ni siquiera alcanzaba la estatura de “gran película”. Era buena, nada más. El director sueco es uno de los mejores artesanos que tiene Hollywood hoy en día, de eso no hay dudas. Pero insisto, seguiré esperando la gran obra de este director, tiene pasta, le doy crédito y a lo mejor, algún día nos regala esa película.
Por lo pronto Hoax es buena, cualquier película que tenga que ver en algo con Howard Hughes es buena (sí, ni Di Caprio puede arruinar la estatura mítica de este personaje), tiene muchos elementos interesantes. Las actrices que acompañan a Richard Gere son exquisitas y es siempre un placer verlas en pantalla; Hope Davies es magnifica, Marcia Gay Harden siempre tiene lo suyo (aunque creo que la nominación al Oscar por Rio Mistico no le cayo muy bien y últimamente anda “actuando” demasiado, me gustaba más como “segundona marginada”, no como “segundona estrella”) y bueno, Julie Delpy es una delicia siempre. Si existieran más películas con Julie Delpy el cine sería muuucho mejor!!! Acá aparece poquito, pero lo suficiente para marcar a fuego el celuloide que la filma y nuestras cabezas.
Y hablando de actores que hacen que el cine sea un lugar mejor y que mejor, para ilustrar este concepto, que don Alfred Molina. Después de ver El hombre araña 3 empiezo a darme cuenta de que tal vez la 2 era tan buena por que estaba Alfred Molina, y la 3 irremediablemente falla en eso. Porque Sam Raimi no lo resucitó? Porqué?!?!
Mucho del encanto de Hoax esta en Alfred Molina y en su personaje.
Todo esto suma meritos al film, solo que al final Lasse Hasltrom diluye todo demasiado y el gustito de cada ingrediente (Hughes, Davies, Delpy, Molina y Richard Gere que no hace mal papel) se termina perdiendo en la inmensidad de la olla.

KLIMT - CINE Y PINTORES

2007-05-20T09:00:00.000-07:00

La gran mayoría de las películas que he visto recientemente de casualidad obedecen a ese tópico que podríamos llamar cine y pintura o más precisamente cine y pintores. Desde personajes ficticios a biografías de nombres célebres. La más reciente que ha llegado a nuestras pantallas es Klimt de Raul Ruiz. Como su nombre lo indica obviamente trata sobre un fragmento de la vida del pintor Gustav Klimt. La interpretación de John Malcovich en la piel del pintor más la dirección del chileno radicado en Francia Raul Ruiz me despertaba enormes expectativas con respecto al film. Ver por nuestras pampas un film de Ruiz es algo que hay que agradecer, ya que se trata de una figurita difícil, que raramente entra a nuestras carteleras, y han sido esporádicos los filmes que pudimos ver del director en nuestro país, una lastima ya que retrata de una de las voces mas personales, singulares y prolíficas del cine europeo (por mas que sea chileno hace años que filma en Francia donde se encuentra radicado luego de su exilio pinochetista). Solo se consigue en DVD la excelente Comedia de la inocencia con Isabelle Huppert y Jeanne Balibar y años atrás se edito Genealogía de un crimen en VHS con la Deneuve. No mucho más.
Pero en esta ocasión, tal vez ayudado en que un nombre como el de Malcovich pudiera despertar un interés comercial, podemos acceder a Klimt. Lo bueno es poder ver un film de Raul Ruiz, lo malo es que ese film es una obra menor del director. Es llamativa lo impersonal que resulta la película tratándose justamente de Ruiz. Sus inquietantes mundos herméticos de sus films anteriores, aquí se desarman en pos de una apertura que suena más a concesiones para realizar un producto más accesible a las masas que una búsqueda artística de pureza formal. Así el film, si bien no carece de interés por algunos momentos de sofisticada estilización visual, tampoco logra despegar nunca y se vuelve anodino y convencional (lo peor que se puede decir de un film de Ruiz). Lástima. Una oportunidad desaprovechada de acercarnos a un gran autor.
Antes dije que había mencionado que había visto varias películas con pintores, y Klimt en comparación con las otras pierde demasiado. Cuales otras? Bueno, me refiero a La belle noiseuse de Jacques Rivette. Durante años quise ver este film y recién ahora lo he conseguido en DVD, y no me decepcionado para nada! Todo lo contrario! Se trata, como su fama así lo indicaba, de una obra maestra monumental!!!.Entregarse a sus imágenes es navegar durante las cuatro horas que dura el film (podría durar ocho que no se notaria) en un mar de placer visual inigualable (es verdad que en sus cuatro horas de duración ayuda mucho a este nivel placentero que en casi dos de estas horas, Rivette se dedique a filmar el bello cuerpo desnudo de Emanuelle Beart mientras el enorme Michelle Piccoli lo pinta).
La otra gran película sobre la biografía de un pintor, es el Van Gogh de Maurice Pialat. Una de las mejores películas de su director que se transformado en una figura de culto dentro del panorama del cine francés por la esquiva distribución comercial que tuvieron sus obras (es muy interesante ver y rescatar obras como Police, Bajo el sol de Satan, o Loulou, todas con un joven Gerard Depardieu). El film es una lección (que Ruiz no toma con Klimt, así como años anteriores tampoco James Ivory lo hizo con su Picasso) de cómo encarar la biografía en imágenes de una figura clásica de la pintura.

DJANGO

2007-05-15T12:38:00.000-07:00

Les mando el trailer de Django! La nueba peli del maestro Miike Takashi!!!
Es una remake ponja del clasico spaghetti western. No veo la hora de verla. Dicen que tiene un cameo Quentin Tarantino, amigo personal de Miike. Será en devolucion de gentilezas porque Miike aparecio unos segundos en Hostel el film de Eli Roth que Quentin produjo? Basta de chachara, va el trailer que esta tremendo. Ojala llegue al cine!

8 AÑOS DESPUES

2007-05-15T12:31:00.000-07:00

Prejuicios! Hace un par de años que tenia sin ver en el estante del video “8 años después” de Raul Perrone, “el perro” de Ituzaingó, el cineasta argentino mas independiente de los independientes, el recontraindependiente, el que en el ultimo BAFICI (festival de cine independiente de Buenos Aires) presento una película filmada con la opcion de “cámara” de su maquina de fotos digital!. El que filma como sea, pero filma.
Prejuicios! Hace años que vi su celebre trilogía (Labios de Churrasco, Graciadio, 5 ´pal peso). Me habian gustado sí, pero… tanta precariedad me jodia un poco, aunque lograba momentos de tanta frescura que por ahí también me fascinaba. Era indiscutidamente el gran padre del Nuevo cine argentino junto con los otros dos grandes padres, esa trilogía papal (Perrone + Rejtman + el primer Agresti). Pero como buen padre que es “el perro” dejo que sus hijos lo superaran y así yo prefería más a sus hijos (la lista es larga: Caetano, Alonso, Acuña, Martel, Villegas, Burman, Sapir, etc.).
Prejuicios! Había decidido que Perrone no me interesaba más. Me habia gustado pero… no tanto como para seguir sus próximas películas. ERROR!
Por suerte esta semana apareció editada en una hermoso box de 3 DVD´S la trilogía completa de Ituzaingo (la de Labios, 5´pal y Graciadio) y recordé sus viejos films, esos fundacionales de un movimiento de cine nacional que aun hoy sigue dando que hablar por mas que muchos se empecinen en enterrar. Y recordé a Pao (Violeta Naon) y a Gus (Gustavo Prone), la entrañable pareja protagónica de Graciadio. Y recordé que tenia oxidada en el estante sin ver “8 años después”, la reunión de la misma pareja como bien dice su titulo ocho años después de ese film. Y lo que vi es una maravilla de película!
Perrone en su cumbre, un Perrone enorme, con todas su mañas intactas, pero mas afilado, certero, profundo y logrado que nunca. SU obra maestra! Violeta y Gustavo son ahora los actores del film que se reencuentran luego de una proyección de Graciadio y salen a caminar por el barrio buscando una pizzería y hablan y hablan y hablan… Sí, como Antes del Atardecer de Linklater, film que apareció casi en simultaneo al de Perrone pero del que si bien existen los parecidos también las diferencias. Y lo que hablan y hablan Viole y Gus es tan maravilloso que podría durar horas enteras, dias, que uno los seguiría embelesados sintiendo que en cada palabra descubren juegos, amores odios, pasado, futuro, y mas VERDAD que la gran mayoría de las películas contemporáneas.
Perrone sabe que para hacer CINE solo basta con un hombre, una mujer, o sea una pareja, hablando fluidamente sin filtros durante minutos en un bar, en la calle, o en donde diablos sea, pero interrelacionándose y fundiéndose en un triangulo amoroso junto con la cámara filmadora que los registra, un menaje a trois que termina dando por resultado, pariendo como hijo, al verdadero arte cinematográfico. No hace falta nada más. O sí. Falta que mucha gente se anime a sacarse sus prejuicios de encima y concurra en masa a ver estas películas (como las del perro, pero también como las de Linklater, Rohmer, Acuña, Eustache, Cassavetes, Bujalski, Jarmusch, Kaurismaki, Rejtman, Truffaut y el etc. que cada uno quiera poner siempre y cuando sea un cineasta que crea que un hombre, una mujer y una camara son el mayor acto de amor que le pueden regalar a sus espectadores), no para que estos cineastas ganen plata sino para que se puedan seguir filmando este tipo de películas.

RED ROAD

2007-05-15T12:27:00.000-07:00

Volvemos al cine inglés que pareciera estar gozando de buena salud. Me gusto mucho Red road ( El camino rojo). El film de Andrea Arnold que sorpresivamente se llevo el premio del jurado en el ultimo festival de Cannes. Y el film la verdad es que resulta bastante interesante. Entre una cruza de Cache de Haneke con la estética de los hermanos Dardenne pivota la película. Sumado a un ritmo narrativo tenso e inquietante que lo acerca a las coordenadas del thriller.
Una mujer que trabaja viendo los monitores de las cámaras de seguridad que se encuentran diseminadas por el barrio, persigue a través de ellas a un hombre misterioso con el que ira tejiendo una enfermiza relación.
Sin escaparle a la crítica social (sin bajadas de líneas baratas) y animándose a osadas escenas sexuales (totalmente funcionales y congruentes con la trama) el film promete mucho durante su recorrido. Volviéndose asfixiante por momentos así como triste y poético en otros.
Lastima que todo lo bueno, al final termine desbarrancándose un poco por el afán moralizante y tranquilizador de la directora. Andrea Arnold no es Haneke ni tampoco Jean Pierre o Luc Dardenne y todo lo que se anima a transitar durante la película al final termina torciendo el brazo y elige los caminos tranquilizadores de las respuestas fáciles y digeridas. Cuando la falta de respuestas dadas al espectador era el principal merito y eje motor de la narrativa, uno espera que esta lógica no se corte hasta el final y que el film termine abruptamente dejando ese exquisito gusto a incertidumbre (de nuevo Haneke/Dardenne). Pero desgraciadamente no. La directora opta por explicarle todo al espectador y el buen gusto se torna un poco amargo.

EPIC MOVIE

2007-05-15T12:24:00.000-07:00

De alegria de haber descubierto Hot Fuzz paso a la bronca total después de ver Epic Movie. Ese ladrillazo insoportable en línea Scary Movie (les juro que estas eran obras maestras al lado de Epic movie) que nos propina el cine norteamericano. Lo peor de Epic Movie no es que sea una mala película sino que cuenta con un aparato publicitario masivo que lleva hordas de personas al cine a verla mientras que Hot Fuzz probablemente nunca sea estrenada en las salas de nuestro pais (algo que ya ocurrio con Shaun of Dead que fue injustamente abandonada a los stands de los videos en copias en DVD). Y lo malo de Epic movie esta en la absoluta desidia con la que fue filmada. La pantalla nos devuelve una vagancia tan extrema por parte de los realizadores a la hora de hacer el film que pocas veces he visto. Pareciera, y le aseguro que lo es, que los creadores no tuvieran ganas de divertir ni de hacer reir ni siquiera de hacer una película, no hablemos ya de otra cosa. Un film no solo sin gracia, sino que uno termina sintiendo vergüenza ajena, sensación que de a poco se va transformando en rabia pura a medida que el film avanza.
Los dos extremos del “cine comercial”; de lo que puede ser una gran comedia con Hot Fuzz y ese vergonzoso producto para “provocar risas” supuestamente que es Epic movie.

HOT FUZZ / ARMA FATAL

2007-05-15T12:23:00.000-07:00

Recuerdan de hace un par de años atrás, al dúo protagónico de esa maravillosa comedia de zombies que con el tiempo se convirtió en un film culto, llamada “Shaun of dead”, acá horriblemente retitulada “Muertos de risa”? (no, nada que ver con la de Alex De La Iglesia)
Se acuerdan del rubio bastante “looser” que quiere salvar a su novia de una horda de zombies que han atacado al Reino Unido acompañado por su mejor amigo, un gordito simpático pero de una inutilidad tan grande como lo es su adicción a los pubs ingleses?.
Bueno, Simon Pegg y Nick Frost (los nombres de los actores) estan de vuelta y dirigidos por el mismo director de Shaun of Dead, lo que es un GRAN NOTICIA!
Y lo es porque el resultado de esta nueva película no solo no ha perdido un ápice de gracia de la anterior, sino que hasta se superan en disparates, escenas alocadas y mezclas genéricas que hacen de Hot Fuzz una verdadera sorpresa. Uno de los mayores disfrutes cinematográficos del año!!!.
Que bueno darnos cuenta que Shaun of dead no fue fruto de la casualidad sino que de las cabezas de Simon Pegg y Edgard Wright (ambos guionistas del film además de actor/director) pueden salir grandes películas.
Cuanto necesitaba el anquilosado cine ingles a este equipo cómico! Capaz de demostrarnos como lo hicieron años atrás los miticos Monthy Phyton que el humor es cosa seria y que con gracia, ritmo e inteligencia se pueden lograr visiones mucho más personales y criticas al “ser social” inglés que el habitual cine “realista” serio y comprometido socialmente que tan asiduamente se cocina en las islas británicas.
Con dos películas Pegg y Wright demuestran que pueden ser tan “autores” como Greenaway y tan o mas críticos que Ken Loach, Mike Leigh o Stephen Frears. Y además ser increíblemente entretenidos, mezclando Agatha Christie con el cine de accion a lo John Woo, a Harry el Sucio con Claude Chabrol. Y a los Monthy Pitón ya citados con el cine de su principal héroe y referente, el gran George A. Romero.
Uno de los mayores meritos del film es animarse al parricidio (no contare al padre de quien hay que matar en el film pero…), entendido en sentido figurado obviamente, dentro de la ficción, pero entendiéndolo también como una arenga a un nuevo cine ingles que se desprenda de sus vacas sagradas de una vez por todas, “padres” como los nombrados Loach, Leigh, Frears, Greenaway y podemos sumar también a James Ivory y Jim Sheridan.
Se necesita de mas películas como esta para que el cine inglés (y porque no mundial) vuelva a respirar.

Mata a Bill

2007-05-15T12:22:00.000-07:00

Mata a Bill

2007-05-10T07:24:00.000-07:00

Volvamos a Hot Fuzz! pero, primero va el trailer, despues el comentario.

2007-05-10T07:03:00.000-07:00

Hola a todos!!!
Largamos el blog Mata a Kill (por Kill Bill jeje, se habían dado cuenta no? bien, con gente inteligente y perspicaz tratamos Jeje).
La idea (tiene siempre que haber una idea?) es hablar sobre cine y películas que vayan surgiendo y sobre cosas relacionadas con el cine que se nos vayan ocurriendo. Sobre películas que amamos y, mas divertido aun, sobre las que odiamos.
Bueno, basta de chachara y larguemos. Que las presentaciones me aburren, joder!!!
(no, no es el blog de un gallego, aclaro)
Ah, y no esperen una actualización muuuuy seguida que uno no anda con mucho tiempo para huevear tampoco!!! Haremos lo que se pueda, y lo que no, bueno, lo dejaremos en manos de amables (y hasta hostiles algunos) colaboradores, además de invitar a los que se quieran sumar con comentarios sobre las pelis que vayan viendo o que le hayan gustado en su vida, o las que le hayan parecido un pelotazo en los huevos total.

2007-05-10T06:58:00.000-07:00

PRIMERA PELICULA COMENTADA DEL BLOG!!!
Se me ocurrió empezar con una película que he visto recientemente y que la verdad, son de esas películas que le renuevan a uno la fe en el séptimo arte, que le dan ganas de vivir a uno y de salir a matar a toda la gente conservadora que pueda haber en el barrio!!! JAJA. Siiii, todo eso despierta Hot Fuzz o Arma Fatal según su local, y espantosa traducción.
Perdón, interrumpo la crítica de Hot Fuzz para hacer un comentario que capaz venga a colación. Escribo esto desde un videoclub y me acaba de interrumpir un socio que muy amablemente me devuelve “300” (la vieron no? esa superproducción sobre la batalla de las Termópilas) y me dice: “Muy buena che, la verdad excelente, me encantó, con razón todo el mundo me dice que la vea, UNA MASA!!!”. Y yo, bueno, me quede calladito y como vio que no reaccionaba para afirmarle su comentario simplemente se fue. Y yo con ganas de decirle: “amigo, 300 es una mierdaaa!!!, no te diste cuenta lo que dice esa pelicula? Es una basura BUSHISTA, FASCISTA, MISOGINA, REPUBLICANA, IMPERIALISTA, BELICISTA, HIPOCRITA… pergeñada parece por la mente de Dick Cheaney y Donald Rumsfeld!” Eso sí, hecha por gente muuuy talentosa como lo son Frank Miller (que vamos, sera muy buena Sin City pero tambien es muy discutible ideológicamente, solo que al lado de 300 no es taan peligrosa en su mensaje) y Zack Znyder (cuando al muchacho se le aclaren un poco sus ideas políticas nos va a dar grandes películas, como ya hizo con “El amanecer de los muertos”). Y además, ese comentario “como la vio mucha gente debe ser buena!”. Volvemos a películas como Hot Fuzz que desnudan justamente eso, el latente peligro que puede haber en las mayorías cuando son movilizadas por el conservadurismo más extremo y reaccionario. Sí, las mayorías se equivocan, y las opiniones de las mayorías pueden ser peligrosísimas muchas veces. Pregúntenle si no, a nuestros vecinos de América del Norte. Eso sí, seguro que toda la gente que vio y que le gusto “300” y que se la recomendó a este muchacho que también tanto le gusto, piensa y le dice al vecino: “que malo Bush, matar a tantos pobres iraquiés, que tipo malo no? che, viste “300”? Que peliculón no?”.
Una cosa tiene que ver con la otra?. Bueno, no sé, piénsenlo, y si quieren me cuentan.