NATURALEZA MUERTA

Las aguas suben turbias.


Seria una alegoría fácil decir que, para Jia Zhang Ke, todo se hunde en la China contemporánea, pero aunque fácil no por ello menos certera. En todo caso habría que empezar a desglosar un poco los términos acuñados e intentar evitar caer en la simplificación.
Empecemos por el “todo se hunde”: El “todo” podría ser entendido como una exageración si lo tomamos literalmente. Porque, lo que muestra en realidad Naturaleza muerta es la desaparición de 19 ciudades y 326 pueblos. Pueblos que quedaran bajo el peso de las aguas por la construcción de la represa de las Tres Gargantas. Naturaleza muerta es la mirada a la contradicción: si bien esta obra faraónica –considerada la represa más grande del mundo- abastecerá de energía eléctrica al gigantesco país oriental, no menos cierto es que para ello se demolerá hasta el último ladrillo donde hasta el momento viven sus habitantes. Aquí reside una de las ideas centrales de la película, la del “espacio”. Los habitantes son trasladados a “nuevos espacios urbanos” como si las personas fuéramos parte de un enorme rompecabezas acomodable sobre cualquier superficie. En este sentido la “espacialidad” es un termino clave en el cine de Jia porque desarrolla cinematográficamente la conflictiva relación de sus personajes con el medio que los contiene. El director entiende que al registrar este proceso de demolición de ciudades se está demoliendo la relación de los hombres con su medio natural, con la urbe que los ve nacer, con el lugar que eligen o les fue elegido para vivir y en donde establecen sus relaciones sociales y laborales. Ya no estar allí, no pertenecer, no poder establecer lazo con el espacio genera una idea de pérdida y de desamparo. El sujeto sin medio es un sujeto errante, a la deriva, perdido, que anda por el mundo en una condición fantasmagórica, es alma en pena que no encuentra medio físico que lo contenga.
Por eso ahora el “todo”, si tomamos esta idea, cobra sentido. No son solo las ciudades; es el pasado del hombre con respecto a su hábitat, es su condición de ser libre para poder elegir el lugar en el que vive, y son los fantasmas de sus relaciones los que se hunden.

La historia de Naturaleza muerta precisamente cuenta eso, la de un hombre que busca una familia que ya no es, a una hija que hace 16 años que no ve y que ya no esta. Paralelamente es también la historia de una mujer que busca a su pareja que la ha abandonado, de un amor que también ya es pasado, que se ha perdido y que el tiempo ha sepultado.
Solo queda esperar que el agua suba, que se finalice la obra, y que las presencias fantasmales se adueñen por completo del espacio divagando sin tiempo. Efectivizar el entierro, observarlo lentamente, como el mismo subir de las aguas.
El “todo se hunde”. ¿Sigue pareciendo una exageración?
Ahora, para seguir desmenuzando la frase, seria bueno mencionar la idea de: ¿Que es lo que entendemos por China Contemporánea? ¿Como la observa desde adentro Jia Zhang Ke? China es el objeto de estudio moral, social, económico, político y estético del cineasta. Lucido observador, coherente intelectual, riguroso artista que entiende que el crecimiento económico desmedido de su país, escondido detrás de la palabra “progreso”, es en realidad, un reacomodamiento fáctico y solo parcial, solo económico, de China en el mundo: el veloz traspaso de Republica comunista a superpotencia capitalista es perdiendo indefectiblemente la dignidad humana de sus habitantes.
Esto se evidencia ya desde la primera obra maestra del director, Pickpocket (1997); en Platform (2000), segundo opus, relataba ese mismo proceso desde su gestación cultural histórica, desde su pasado; en Placeres desconocidos (2002) donde el presente moderno explota rabiosamente en todas sus contradicciones y el desamparo resultante solo deja lugar al dolor de una juventud desconcertada frente a los nuevos “placeres” que vienen de Occidente. Y para salir del dolor lacerante no queda otra que la ironía fría resultante de la paradoja que se vuelve carne en los sujetos con esa apoteosis de la modernización excesiva y sus ridículas practicas que alcanzan en The World (2004) su punto culmine, parque de diversiones que lleva ese mismo nombre y esta ubicado en las afueras de Beijing (si, la Beijing olímpica). Como espectador, uno solo puede reírse de tamaña contradicción. Es la triste sonrisa que queda como catarsis luego de que toda perdida acontece.
Naturaleza muerta en el contexto de la filmografía del realizador, es resumen de todas sus obras anteriores, el cierre más acabado de todas sus tesis previas.

Además de funcionar como contracara perfecta a todo el cine previo que existía en su país antes, la llamada “Quinta generación” de cineastas chinos (con los “famosos” nombres de Zhang Yimou y Chen Kaige a la cabeza) que en la actualidad realizan sus obras cómodamente instalados bajo el ala oficialista, sin cuestionar nada, aceptando todo ese proceso de modernización haciendo vista gorda al drama humano.
Jia Zhang Ke en cambio es el abanderado de la “Sexta generación” (que incluye a otros realizadores importantes como Wang Xiaoshuai, Wang Bing, Lou Ye, Zhang Yan), la nueva y joven, la que mira la realidad con ojos críticos, la que no tiene apoyo oficial ni masivo, la que filma, muchas veces, en la clandestinidad absoluta, y cuyas voces contrarias al régimen suelen ser castigadas con la censura ideológica y con la prohibición de la exhibición comercial de sus filmes.
Pero también es la obra de un cineasta necesario que interpela la realidad desde los mismos márgenes que ella establece, desde los límites entre la realidad y la ficción.

Alejandro Cozza

LA RABIA

(TEXTO PUBLICADO EN LA REVISTA "METROPOLIS" DEL CINECLUB MUNICIPAL HUGO DEL CARRIL)

Perro que no ladra, muerde!
Recuerdo una canción que servia como introducción a los títulos de Nacido y criado de Pablo Trapero, dicho sea de paso productor de La Rabia, que dice: sangre/quieta/dura/ tonta/sangre va/lamiendo va la sangre/para el viento/y va la sangre/para suavemente al tiempo/y va sintiendo/el pensamiento/chupa sangre/toma sangre/ama sangre/buena sangre/sin pecado/sangre/sin aliado/sangre. Sólo una asociación libre que se me dispara azarosa al pensar el film de Albertina Carri.
Pasan cosas en el campo argentino, que no necesariamente tiene que ver con la soja y con el lucro, sino con algo un tanto más básico, y no por ello menos acuciante.
Nati es la niña protagonista y observadora que grita pero que de su voz no sale sonido alguno. Nunca hay que fiarse del silencio, allí anida la furia agazapada, presta a saltar y roer el cuello. Nati dibuja, traza a mamá desnuda en la cama con otro hombre que no es papá. El chancho chilla cuando es destripado, al igual que gime mamá cuando esta con ese peón. A Nati solo le queda mirar y callar. Sangre que las venas no contienen. Si el animal anda en pelotas por el campo y muere en su ley, por que la sangre humana no puede correr libre por la tierra. ¿Es eso violencia, o simplemente naturaleza?.
Grito sordo porque el mundo lo es. Ira reprimida que sale de la tripa, humana o animal. Carnicería. Carne y cacería. Desnuda carne. Con la soga al cuello, se arrea al ganado, pero también la correa al cogote de la china puede servir para sadomatizar y dominar.
La honestidad de Albertina Carri tapa toda posibilidad de provocación vacua, de pretensión intelectual, de psicologismo reduccionista, de pose canchera que podría producir su película. Su honestidad al estar por encima de todo transforma a La Rabia en una película justa y necesaria porque injusto es el mundo e innecesarias sus practicas.
Film realista en muchas acepciones cinematografías del término pero que paradójicamente su mayor crudeza emocional proviene de los momentos en donde lo que se cuenta es a través de dibujos y animaciones. Realidad y representación se amalgaman así creando una dialéctica sobredimensionada de la crueldad y de la violencia.

ALEJANDRO COZZA

CINE CORDOBES

(TEXTO PUBLICADO EN EL MES DE AGOSTO EN LA REVISTA "NUESTRA MUSICA" DEL CINECLUB LA QUIMERA)

AUTOREPORTAJE
¿Que pienso de la creación del cine en Córdoba? ¡En qué aprieto me ponen!
Lo siento, nada bueno. Es la tercera vez este año que me piden una opinión escrita sobre el tema. Me negué a hacerlo antes por considerar que mi opinión al respecto nunca seria constructiva. Conciente del peligro de todas las generalizaciones que pueden desprenderse de mis palabras decido no seguir esquivando el tema.
Entre cinéfilos cordobeses hay un comentario recurrente, de esos que se dicen en voz baja pero que nunca se gritan. La idea, con más o menos peros, es esta: hay (varios) miles de estudiantes de cine en nuestra ciudad, hay (algunos) espacios de difusión/creación cinematográfica alternativa en Córdoba. Esos “varios” con esos “algunos” (recurro a los anónimos y a la vaguedad adverbial solo por obvia falta de espacio) nuca van de la mano ni se juntan. ¿¡Por qué!?
La respuesta nunca seria concreta porque las fuerzas existentes entre esos “varios” y los “muchos” son múltiples por su propia categoría de adverbios de cantidad indefinidos. Pero se pueden proponer ideas rectoras para generar nuevas líneas de tensión.
¿Un realizador cinematográfico debe ser cinéfilo para hacer cine y tener una obra de calidad a sus espaldas? No, no es necesario. Los casos de cineastas famosos que no son cinéfilos son muchos. Pero pienso en los que si lo son, y caigo en la cuenta que son los que me gustan y me interesan. Con todas las excepciones del caso.
¿Entiendo al cine sin Godard, Truffaut, Rohmer, Varda, Resnais, Chabrol, Rivette? ¿Sin Nouvelle Vague? No, no lo entiendo. ¿Se entiende a la Nouvelle Vague sin Henri Langlois y sin Andre Bazin?. No, no se entiende.
Está demasiado disociado en Córdoba el lugar de creación con el lugar de exhibición y eso no es parra nada bueno ni augura un futuro para nada auspicioso.
¿La culpa es del estudiante/egresado de cine? No, no toda. Aunque su abulia es alarmante.
¿El problema esta en su profesores entonces, en la gente que enseña cine en Córdoba?. Si, es uno de los (tantos) problemas concretos.
¿No es gente calificada? Si, es gente muy calificada probablemente.
¿Es gente a la que le gusta el cine?. No, no suele ser gente a la que le gusta el cine, no es cinéfila para nada. Nunca vi profesores de cine en La Quimera. Me van a responder que lo hacían 15 años atrás. ¿¡¿Porque ahora no?!? No había profesores de cine en la proyección de Historias extraordinarias de Mariano Llinas. ¿Se puede enseñar cine hoy en Argentina sin haber visto Historias extraordinarias, o sin haber visto Belle Toujours en La Quimera o sin conocer a Sarunas Bartas? Si, se puede. ¿Se debe? No, no se debería. Hasta el año pasado yo enseñaba cine sin haber visto estos films y lo hacia igual. Pero ahora estos cineastas me obligan a hacerlo desde un lugar mejor. Lo mismo digo respecto al acto creativo y realizativo.
¿Esos profesores pueden contagiar el amor al cine y lograr que sus alumnos filmes cosas importantes? No, no pueden. De esa ausencia de dinámica nunca saldrá nada bueno, salvo de casualidad. Nunca vi un film hecho en Córdoba que haya significado algo para mí. Solo recuerdo algunas imágenes aisladas (nunca su conjunto) interesantes. Y observé muchos. ¿Puede haber algunos que no conozca y que sean buenos? Es probable.
Hoy todos agarran una cámara y pueden filmar, eso no significa hacer cine, ni tener una mirada. Si los que crean imágenes no tienen mirada. ¿Me interesan entonces los trabajos que ellos realicen en un futuro? No, no me interesan. Filmar el mundo significa comprometerse con él. Hacer cine significa comprometerse con una mirada.
La paradoja es que esta gente de cine sin mirada que no frecuenta los circuitos alternativos de exhibición recurren a ellos para que proyecten sus películas y pretenden que todos vayan a verlas. Los que no ven el mundo quieren que el mundo los vea.
Están apareciendo circuitos alternativos de difusión cinematográfica. No son masivos, pero tienen un público fiel y renovable (nunca gente del medio cinematográfico). Esa gente mirando ya esta haciendo cine y es cuestión de tiempo nomás para que alguno tome un cámara, le pregunte humildemente a otro (a un técnico), como se prende y empiece a filmar el mundo. Eso es hacer cine. Tengo Fe en esa gente. Tengo Fe en ese cine en Córdoba.
No entiendo al acto de filmar disociado del acto de ver, e ir a una multisala a ver películas no es ver. No nos engañemos.

ALEJANDRO COZZA

FRANCOIS TRUFFAUT EN CINEFILOS BAR

LA LIBERTAD DE SARUNAS BARTAS

Luego del visionado de La Libertad pienso: ¿De que esta hecho el cine de Sharunas Bartas? Y la respuesta que encuentro es, de imágenes.
Una obviedad ya que hablamos de un director de cine, pero en su caso esto se convierte en una revelación y en la esencia de sus films. Y que ocurre con las imágenes entonces en su cine? Se las contempla. Más obviedades. Toda imagen esta hecha para ser contemplada. Pero esto no siempre ocurre. El acto contemplativo de imágenes en Sharunas Bartas alcanza otra dimensión que no alcanza en cualquier creador. Invita a ver de verdad, a ver más.
Arena, pieles secas, para qué lado sopla el viento. Ver huellas… de personas… del tiempo. Gran cineasta del tiempo. En Bartas al tiempo lo observamos, y nos percatamos que el viento, es en realidad tiempo.
Y sobretodo ver miradas. Fijas, hacia la nada, pero fijas. Potentes. Es un cine de acción interior, sostenido solo a partir del peso de la mirada humana que carga de tensión a lo mirado. La de una niña puede provocar un sentido de desolación inmenso. Cuando un ser muere, sus ojos dicen lo mismo que cuando estaba vivo.
Contemplar el entorno natural. Plano General: Naturaleza. Primer plano: Hombre. Pasando de un plano a otro indistintamente se dialoga sobre la relación/tensión entre el hombre y su medio. Los paisajes tienen cualidades humanas; intensos, emocionales, vehementes. Los humanos cualidades propias del paisaje; áridos, secos, estáticos. Los rostros son piedras. A las ropas, los cabellos, los mueve el viento, a las personas no. Las erosiona, como a las rocas. La condición del ser humano en un ambiente natural hostil, como la brisa, como el ruido constante de las olas. Tan hostil como el sol, sin nada que lo detenga, alcanzándolo todo y creando a su paso… sombras. Pero la violencia es del hombre, no de la naturaleza, la naturaleza es implacable, no violenta.
Pensará el lector, que entonces el cine de Sharunas Bartas es como el arte perdido de los cineastas mudos. Si, pero también es limitada la respuesta, porque Bartas obliga a escuchar mejor. Por más que los personajes en su cine prácticamente no produzcan discurso alguno, Si no dicen es porque el mar dice por ellos. Las pocas palabras son piedras arrojadas al viento, que las desparrama por ahí, como a la arena. Así, hablan los silencios, y cuánto! Hay sonidos espeluznantes, como el aletear de las moscas antes de posarse sobre un rostro.
Así, una caricia entre tanto laconismo puede provocar lágrimas. Alivio… respiro… dos cuerpos al fin, se tocan lentamente. ¿Significara que en ese momento, el cine de Sharunas Bartas al fin cree en algo? ¿Vislumbra acaso, esperanza en la humanidad? ¿Nombrándolo? ¿Cree en Dios? ¿En religión alguna? ¿En la piedad? No, todo esto es ilusión, solo presagio de un dolor mayor que vendrá.
Implorar, es el único gesto humano factible antes de morir.
¿Ver? Si, VER.

TEXTO PUBLICADO EN EL DOSSIER DEL CICLO DEDICADO AL CINEASTA LITUANO SARUNAS BARTAS QUE ORGANIZO EL CINELCUB "LA QUIMERA"

ELECTION 1 Y 2

(E)Lección de cine.

Cuando los planos de una película se combinan como si crearan compases musicales, con melodías, contrapuntos y juegos rítmicos entre las notas. Cuando las tomas se pegan entre si como si fuera un ballet armonioso y bello. Cuando estas notas no desentonan nunca; ninguna sobra, ninguna falta. Cuando nunca se da un paso en falso. Cuando ocurre todo esto en una película, se dice que quien dirige la batuta es un autentico maestro de cine. Johnny To lo es.
En la era en donde ya casi no existen los grandes narradores cinematográficos ni los grandes contadores de historias. Donde la herencia clásica de John Ford, Nicholas Ray, Alfred Hitchcock, Fritz Lang, Howard Hawks parece perdida o, peor aun, aggiornada a los tiempos que corren, se dice que el cine tiende a desaparecer. Solo se nombra a Clint Eastwood como estoico sobreviviente. En Hong Kong, un hombre se cría viendo cine norteamericano y fundamentalmente, lo entiende y sabe crearlo. Este hombre de Hong Kong sabe que la narración, la historia, esta en primer plano, que el autor cinematográfico es el ser esquivo entre las sombras. Y desde allí, silencioso, arma su ballet de planos, su obra maestra.
Nunca será evidente, Howard Hawks nunca lo fue y allí, Rivette lo dijo claramente, residía su genio. Alfred Hitchcock también se escondía en las sombra porque allí estaba su fuerza creadora. Johnny To es el más grande heredero contemporáneo de Hawks y Hitchcock. Ya sea en comedias, dramas románticos, policiales de acción, films de mafiosos, cine fantástico, o westerns (en las dos partes de Election vemos duelos callejeros propios del mejor Sergio Leone). El amigo oriental, diría Wim Wenders.
Nadie en el cine actual mueve la cámara de mejor y más justa forma que Johnny To. El hombre que dignificó a la grúa que lleva la cámara (“dolly”) y le dio estatuto de herramienta fundamental de escritura cinematográfica y de puesta en escena.
En los films, la principal familia mafiosa de Hong Kong elige cada dos años a su presidente y le da su bastón de poder, tal vez el McGuffin más importante del cine moderno. Las triadas se preparan frente a cada elección para la guerra. Y la guerra es siempre una cuestión de política y de sangre. Una cabeza de caballo bajo las sabanas en El padrino 2 es un mensaje político. Un hombre pasado por la picadora de carne y dado a comer a los perros en Election 2 también lo es.

ALEJANDRO COZZA

AGREGO ESTE TEXTO PUBLICADO EN LA REVISTA METROPOLIS DEL CINECLUB MUNICIPAL HUGO DEL CARRIL PARA AMPLIAR EL COMENTARIO SOBRE JOHNNIE TO

CINE Y DERECHOS HUMANOS

(Prestar atención a estos dos fotogramas. El primero es de M y se ve a Nicolás Prividera entrando solo en un espeso follaje. El segundo muestra a Albertina Carri con una peluca rubia caminado en solitario por el sendero. Comparar y analizar)

El derecho a cuestionar a través de la mirada.

Una pregunta interesante para hacernos seria ¿Como entender los derechos humanos a través del cine? Ya que de por sí el cine, en su construcción, es un lenguaje complejo. Como tal, la multiplicidad de lecturas y miradas son variadas.
Al momento de su creación, el cineasta tiene que optar, como lo hace un pintor con su paleta de colores, que matices va a usar y cuales va a dejar afuera. En el cine, como en toda arte, importa tanto lo que se pone delante en evidencia, como lo que queda afuera, oculto al ojo de la cámara. Esto, que a priori, puede entenderse como una mera cuestión estética, no lo es tal. Si no que, fundamentalmente, estas decisiones son políticas, son sociales, son históricas, son económicas, y más aun, son morales. Todo dentro de un plano cinematográfico dando una visión del mundo que tiene el realizador. El celebre director francés Jean Luc Godard dijo que “el travelling -el movimiento de cámara- es una cuestión moral” y con esa frase marco a fuego toda una concepción del cine que entiende al lenguaje audiovisual unido al ser humano en su contingencia como tal y frente al mundo que lo rodea. Los derechos humanos no son ajenos a estas contingencias, y por ende, no son ajenos al cine. Están siempre en el cine que miramos, en el que se nos ofrece y podemos seleccionar, pero también en el que debemos exigir que se nos muestre.
La duración de un plano, la altura de la cámara, los colores, la banda de sonido, la iluminación, etc. son todos recursos formales que nos pueden hablar sobre los derechos humanos. No es solo importante lo que se dice como discurso hablado a través del guión del film o de los actores del mismo, el “mensaje”. Si no en el cómo se lo dice, por medio de las herramientas audiovisuales y los recursos cinematográficos que se disponen.
En el cine argentino una nueva generación de jóvenes directores ha empezado a revisar su pasado histórico, tanto personal como social, y ambos entrelazados. A tratar de ver y comprender como están parados en el mundo de hoy y a relacionarlo con lo ocurrido en la década del ´70, mas precisamente con la dictadura militar, el principal organismo represor y avasallador de derechos humanos que tuvo el país en los últimos años.
No solo es interesante la intención de estos directores de hablar del pasado, discutirlo y darlo a conocer, si no también la estética, la forma usada para acercarse a ese pasado.
Los ejemplos son muchos, pero quiero focalizarme fundamentalmente en dos casos emblemáticos y sobresalientes: “Los rubios” de Albertina Carri y “M” de Nicolás Prividera. Ambos llamados “documentales”, y uso comillas para aclarar que en ambos casos la frontera entre documental y ficción es esquiva.
Albertina y Nicolás son hijos de desaparecidos y ninguno de los dos hicieron un cine complaciente y de denuncia fácil que se podría esperar de ellos como tales. Todo lo contrario al cine que se venia haciendo en torno a estas temáticas.
Albertina Carri busca su historia, se busca a si misma y bucea en su pasado a través de un proceso de (des)construcción. En vez de armar, desarma. Su dirección es siempre contraria y nadando contracorriente hace un anti-documental según los parámetros de la industria. Mezcla registros todo el tiempo y funde ficción con realidad. Hace animaciones con muñecos en donde se ve a un plato volador secuestrar a sus padres. Así llega más lejos que nadie en su búsqueda de verdad. El Instituto de Cine le rechaza su trabajo, ella filma el rechazo y aparece en el film. Le piden que haga un documental “normal”, “común” (palabras peligrosísimas que atentan contra nuestro derecho a la diferencia), lo que se espera de ella como una hija haciendo honor a sus padres combativos. Nunca le darán plata para hacer el “mamarracho” que creen que Albertina hace. La directora obstinada y lucida filma igual el documental que quiere. Su mirada se ramifica en múltiples direcciones con la sagacidad suficiente como para mostrarnos como la unicidad de criterios atenta precisamente contra los derechos humanos y pueden crear formas, ocultas o evidentes, de represión. Con Los rubios se sale con la suya y logra una pequeña revolución. Es uno de los films mas importante de los últimos tiempos y un documental emblemático que marca un antes y un después por las formas utilizadas. Si eso no es ejercer su derecho a crear y a decir sus verdades. ¿¡¿Que son entonces los derecho humanos?!?
El caso de Nicolás Prividera es distinto, pero no menos loable. Él pone la cara y el cuerpo todo el tiempo en escena. Y es un ser tan racional, tan cuestionador, tan inteligente, como cargoso e insoportable para las personas que interroga. Porque Nicolás tiene una arma poderosísima e irreductible en sus manos; la verdad. Y esta dispuesto a usarla hasta las ultimas consecuencias y contra quien se le ponga delante. Sea amigo, enemigo, pariente, o ex-compañero de su madre desaparecida, a quien busca en su recuerdo. Cuestiona todo el tiempo, con palabras soases y justas, con gestos que dan miedo. Nos hace participes y responsables de lo que pasa, pasó y pasara en el país a TODOS. Y maldito, tiene razón. Hoy, cuando nada se cuestiona y todo se da por sabido y aceptado, que en este país alguien como Prividera haya hecho este documental es para ponerse de pie y aplaudirlo largo rato, por más que él, de seguro se indignaría con nosotros por complacientes. No perdona y ejerce su derecho a la verdad como nadie, y sabe que así nadie podrá callarlo. Porque no hay fuerza más poderosa que ella. En el mundo del relativismo absoluto que todo lo disuelve y lo olvida (que no es lo mismo que la multiplicidad de miradas de Carri), Prividera es quien pregunta y nos devuelve a la razón y a nuestras responsabilidades como seres humanos. Si alguien quiere entender los derechos humanos desde el cine, que se acerque a M. Allí no están explicados, allí están dados como un cachetazo a la conciencia, se entienden y comprenden muchos días después, cuando uno ha terminado de sobarse. Luego de esa toma de conciencia, se puede comenzar mejor a ejercerlos y a pedir por ellos.

Alejandro Cozza

TEXTO PUBLICADO EN UNA REVISTA SOBRE DERECHOS HUMANOS

JOHNNIE TO

Maestro To.

En el escritorio de mi computadora tengo pegada una postal/foto que un amigo me regalo del Festival de cine de Rotterdam. En ella se ve a un hombre mayor, oriental él, sentado en una mesa de un bar con una cámara de foto en la mano dispuesto a fotografiar a dos bellas señoritas, blondas ellas -probablemente holandesas-, que conversan entre si afuera del bar sin saber que alguien desde adentro, con una mirada juguetona, esta por fotografiarlas. La cámara de foto de quien tomo esta imagen esta ubicada fuera del bar de frente al hombre oriental con la “otra” cámara, en el medio están las dos rubias separadas por el vidrio de la ventana del bar que se me antoja hace las veces de una pantalla de cine. El fotógrafo que tomó esta imagen desconozco quien es; el oriental sentado en el bar con la otra cámara fotográfica es Johnnie To; las rubias son solo objeto de admiración traviesa de ambos fotógrafos.
Esta imagen me gusta y habla mucho del cine de Johnnie To, por ese motivo la tengo pegada en mi escritorio.
La sonrisa y el aspecto lúdico con la creación de la imagen que transmite esta foto sobre el director, habla mucho de él. Sus imágenes se encuentran suspendidas en un punto intermedio entre la felicidad que transmiten sus formas y el drama, muchas veces trágico, que pueden sufrir sus personajes. El suyo es un cine aéreo, en el sentido que desafía leyes de gravedad y las sitúa en un punto intermedio entre el aire y la tierra, un cine que vuela. No sus personajes en sentido literal, sino las quiméricas emociones que ellos desprenden.
Por ello su plano fundamental es el llamado “plano secuencia” y su forma de filmar es con la cámara arriba de una grúa que la sostiene. Así sus imágenes se despegan del suelo, de toda firmeza, y pueden recorrer libremente todo el espacio de la puesta en escena.

1996: uno de los referentes indiscutidos del cine francés contemporáneo, Olivier Assayas, estrena Irma Vep, un film de ficción con aires de ensayo en donde un director de cine (Jean Pierre Leaud, icono actoral de la nouvelle vague) contrata a una actriz oriental, la inigualable y también icónica Maggie Cheung, para protagonizar la remake de un serial francés, Les vampires de Louis Feudialle. Este film puente entre occidente y oriente reflexiona sobra lo que significa la nueva moda del cine de Hong Kong que empezaba a explotar por esos años. En él, se ven fragmentos de una película anterior de Maggie Cheung (cine dentro de cine), un clásico y muy popular, en su país de origen, wuxia contemporáneo de acción y artes marciales llamado El trío heroico, film dirigido por Johnnie To. Assayas traza así, una línea imaginaria para la nueva cinefilia entre dos mundos (no tan) distintos. Y de paso, occidente queda sorprendido por esas breves imágenes que se ven en pantalla. ¿Quién es ese director? ¿Quién hizo semejante película? ¿Quién se atrevió con esos encuadres estilizados hasta lo imposible? ¿Por qué vuelan de esa manera las actrices en el film?

El cine de Hong Kong hizo escuela y fue furor a fines de los ´80 y comienzos de los ´90, etapa de su descubrimiento por parte de occidente. No solo el de autor (caso Wong Kar Wai) sino sobretodo el de género; ya sea de acción, de artes marciales, policial, comedias, etc. La vitalidad, el desparpajo, y la innovación formal era su carta de presentación. El gran experto surgido en esta etapa fue el famoso John Woo (seguido por los menos conocidos Ringo Lam y Tsui Hark), genio indiscutido del cine policial de acción. Célebres son sus tiroteos coreografiados entre palomas que vuelan por doquier.
Pero un suceso político clave como el traspaso de Hong Kong de ser colonia inglesa a depender políticamente de China produjo una merma en este furor amarillo y la producción de cine decayó. Los viejos referentes fueron chupados y arruinados por Hollywood. Poo suerte, sobreviviría un heredero a la debacle quien surgiría con peso propio creando primero su propia compañía productora (la celebre Milky Way) para poder así tener el control total sobre su obra y hacer lo que se le viniera en ganas, que seria mucho, y muy bueno. El discípulo se calzaba ahora el traje de maestro. Johnnie To seria el encargado y el principal responsable de mantener viva la tradición del cine de Hong Kong y de llevarlo a nuevos puertos.

Johnnie To es un indiscutido amante del cine norteamericano en su vertiente más clásica. Al punto tal que es uno de los pocos que sabe narrar cinematográficamente siguiendo el modelo de los directores tradicionales americanos, o incluso, siguiendo los pasos del director más occidentalizado de los orientales, como lo es Akira Kurosawa. Esto se hace evidente en casi todas sus películas que están plagadas de referencias a clásicos concretos de la cinematografía occidental. Desde La pandilla salvaje de Sam Peckimpah en Exiliados (su adoración por este director y film en particular es clave en toda su filmografía); de los spaghetti westerns de Sergio Leone en Election (además de tomar elementos de los films gangsteriles de Coppola y Scorsese); de La Dama de Shangai de Orson Welles en Mad Detective; llegando así al sumum de la referencialidad y la intertextualidad en esa joya cinematográfica filmada con la velocidad puesta en quinta que es Fulltime Killler, recopilación de un sinnúmero de filmes de acción que van desde Point Break a El mariachi, pasando por El Perfecto Asesino, Perros de la Calle y un largo etc.; y no se puede dejar de lado a la figura de Alain Delon encarnando a El Samurai de Jean Peirre Melville, como un referente obligado en la construcción de todos sus personajes masculinos, todos héroes solitarios, ya sean policías, asesinos a sueldo o miembro mafiosos de las triadas.
Esto trasforma a Johnnie To en un gran director clásico en sus formas narrativas, pero netamente posmoderno en su erudición citatoria.

Es un problema (sobretodo porque limita su popularidad y el mejor conocimiento de su obra) que se lo asocie tanto a Johnnie To al género de acción. No vamos a negar que son fundamentales sus obras dentro de esta índole (además de los filmes ya mencionados, son excelentes también P.T.U., Throw Down, Running Out of Time y Breaking News) y es donde probablemente haya dados su filmes mas comerciales. Pero por culpa de una mala distribución que nos ha negado la posibilidad de ver otros filmes no menos espectaculares del director, nos genera un equivoco que es necesario subsanar: Johnnie To es un maestro también de la comedia, e incluso del melodrama romántico. Needing You y Turn Left Turn Right probablemente sean dos obras geniales del amor romántico filmados en clave de comedia ligera, en cuanto a las muy divertidas situaciones de enredos que se generan entre sus personajes y el carácter genuinamente emotivo que ellos destilan. Nuevamente, lo llamativo del caso es que son comedias resueltas sobre grúas “Dollys”. ¡Johnnie To sitúa la cámara arriba de una Dolly hasta para filmar un plano detalle! Y de esa manera le da mayor sentido narrativo hasta la más minima toma. Algo que ningún director haría jamás. A nadie se le ocurriría hacer una comedia filmando casi todo sobre una grúa y resolver la panificación de esa forma. Así la fluidez narrativa alcanzada y el vuelo que toma el argumento es inusitado. Logrando comedias que son complejos mecanismos de relojería; precisos y abstractos al mismo tiempo. Tal vez sea Ayer Otra Vez (un digno film en la tradición de Atrapa al ladrón, aquella ligera y encantadora obra maestra de Hitchcock) el film que une ambas corrientes del director; acción y comedia. Resultando un film burbujeante como el champagne, exquisito y juguetón.

Este año es el del desembarco definitivo de Johnnie To en nuestro país con la edición de DVD de su film Exiliados (gran pena da, no poder ver esta gran película en salas cinematográficas) que se suma a las ya editadas el año pasado Fulltime Killer y Ayer Otra Vez, y la llegada (si a las salas de cine por más que sean DVD´s ampliados) de Election 1 y 2. Ojala el público acompañe estos lanzamientos y podamos permitir así ver nuevos filmes de To por estos lados, que para colmo es un director muy prolífico que filma entre dos y tres películas por año, todas prácticamente perfectas. Es un maestro de cine ya consagrado en muchos lados, pero que por aquí tenemos que descubrir todavía.

Alejandro Cozza

EL SABOR DE LA NOCHE

EL SABOR DE LA NOCHE de Wong Kar Wai

Dos bares. Una carretera, una mujer. Un casino, un hombre. Dos pares de amantes.
La distancia insondable entre dos personas en donde los diálogos son siempre formas de rodeo en torno a los cuerpos a los que no se puede entrar.
Bares… no-lugares donde el amor no-se encuentra. Pero donde las emociones estallan por los costados (las huidas, las dispersiones) y de frente (un choque de auto), de cara a la imposibilidad de la comunión.
Temáticas afines a un director que entiende el estado latente de los sentimientos amorosos en sus manifestaciones azarosas y peligrosas cuando la imposibilidad es la regla. Wong Kar Wai puede estar en Hong Kong, su patria cinematográfica originaria (aunque él nació en Shangai), puede acompañar a sus amantes hasta Buenos Aires (como en Happy Together), o puede directamente situar toda la acción y cambiar de idioma como en El sabor de la noche, y ser los Estados Unidos el nuevo refugio para sus imágenes, pero siempre la química inaprensible y esquiva entre los amantes será su territorio.
El cambio de lugar era tema de preocupación previa para los incondicionales del director (típica frase tribunera: “se yanquilizó”) ¿Su mundo de imágenes se sostendría en este nuevo contexto? Pregunta un tanto inconducente teniendo en cuenta que Wong Kar Wai es tal vez el director posmoderno por excelencia. De esos que se dedican a borrar fronteras y hacer universales, para bien o para mal, sus inquietudes formales.
Tomando como antecedente inmediato a Wim Wenders, cuando se aleja de su Alemania natal y toma también las rutas de la América profunda en 1984 con Paris Texas, filmando también la imposibilidad del amor. Las similitudes entre los filmes son muchas. Desde la música conducida por el eximio guitarrista Ry Cooder en ambas películas acompañando la misma visión sobre la Norteamérica mítica, una que probablemente ya no exista, o probablemente nunca existió y solo pertenezca al imaginario cinematográfico. Pero como buenos bucaneros es esa, y no otra, la America/Tesoro que van a buscar tanto Wenders como Wong; recorriendo sus caminos, deteniéndose en sus bares y escarbando en sus seres olvidados, marginados. El parecido físico del personaje mas outsider de El sabor de la noche, David Strathairn, con el Harry Dean Stanton de Paris, Texas es como menos curioso y colabora en mucho al trazado de analogías.
Solo que Wong Kar Wai se aleja de la grandilocuencia pretenciosa de Wenders (que se hizo patente en su otro film mas reciente sobre Norteamérica, Land of Plenty) para hacer un film más pequeño, más cercano a un ensayo, o a un ejercicio de formas. Si uno viene con el antecedente de las obras maestras previas del director (Days of Being Wild, Chunking Express, Fallen Angels, Con Animo de Amar) puede sentirse decepcionado por la propuesta y despotricar contra el director (algo que ha ocurrido en muchos sectores de la critica cuando el film fue estrenado en el festival de Cannes del año pasado), pero no se puede dejar de reconocer que incluso un film menor de Wong Kar Wai es infinitamente superior a la mayoría de las películas que podamos ver estrenadas este año.
Ya que su titulo “argentino” menciona al sabor, la exquisitez visual esta asegurada (por mas que en la fotografía no este ya su ladero habitual, el grandísimo Christopher Doyle), la elegancia formal también. El genial barroquismo de la puesta en escena aleja toda pretensión de teatralidad que podrían temer sus escenas (la mayoría transcurren en únicos escenarios, los consabidos bares, durante largos minutos).
Para Wong vendría a ser un film de cámara, en el sentido musical del término, aunque si bien ninguno de sus filmes anteriores se alejan de esta definición. Siempre existe en ellos un papel predominante a la música popular en cualquiera de sus manifestaciones. ¿Cómo olvidar el clásico “California Somnolienta” o “Linger” de los Cranberries en Chunking Express, o a Nat King Cole en Con animo de amar?.
Aquí el soundtrack es también exquisito bajo la cuidada selección del ya nombrado Ry Cooder. La propia Norah Jones, protagonista principal, aporta un tema en exclusiva a la película. Pero sobresale por categoría y clase la sorprendente Cat Power (que además tiene un breve papel como ex-novia de Jude Law) con su tema “The Greatest”, canción del disco homónimo que el director escuchaba obsesivamente mientras planeaba la película.
Se dijo siempre que el guión era el de un cortometraje, y eso se nota. Tal vez sea su lado discutible. Las acciones están alargadas, por momentos, innecesariamente y si sacáramos las estilizadas ralentizaciones habituales del director probablemente el film duraría mucho menos y ganaría en concisión y precisión.
El film se divide claramente en dos bloques siendo Norah Jones el hilo conductual de ambas secciones. Aunque en la primera parte, que transcurre en Memphis, ella es mera observadora de la tragedia amorosa de los personajes de David Strathairn y Rachel Weisz. Ya en la segunda mitad, por lejos la más interesante, su rostro adquiere el rol predominante saliendo airosa de su primera actuación cinematográfica.
Aquí, cuando se cambia de escenario y Las Vegas pasa a ser la ciudad, es donde la cámara se libera del encierro y adopta formas mas libres, sale a tomar aire y como espectadores sentimos la brisa fresca en la cara. Además, esta segunda parte, tiene un factor desequilibrante que se llama Natalie Portman. Usar a la Portman en un film, filmarla, por desigual que pueda ser este film, significa que en sus escenas la imagen se ve transportada a un mundo de ensueño. Es una de las presencias actorales mas fuertes y bellas que existen en el cine actual, y su rostro enamora a la cámara. Cuando junto a Norah Jones huyen de La Vegas en auto, uno desearía estar en el asiento trasero, observándolas, siguiéndolas. Unas Thelma y Louise menos rebeldes y más líricas, preocupadas por si hay que confiar o no en el género humano y en el amor.
Es notoria la inversión genérica que realiza Wong Kar Wai en donde rompiendo estereotipos, los hombres son los seres pasivos, los que esperan, los que están quietos, hombres-bares. Mientras que ellas, son las activas, las que buscan, las que andan, las que se adentran en nuevos territorios, mujeres-coches. Gran reverso cultural. Porque si bien amar puede ser un asunto de espera, de confianza y de dejarse caer, también es paradójicamente una cuestión de búsqueda de libertad.

HISTORIA(S) DEL CINE DE GODARD

Historia(s) Del Cine (1988-1998) de Jean Luc Godard.
Para adentrarse en un film de Godard hoy, y mas precisamente en sus Historia(s) del cine, hay que partir con algunas consideraciones previas. La primera y principal, que es muy probable que uno se quede afuera de buena parte de lo que el director muestra y dice, no entendiendo lo que pasa delante de sus ojos. Una sensación de disminución intelectual que sufre el espectador desde los primeros minutos. De no estar a la altura. Esto, que a priori puede sonar decepcionante y perjudicial para el ego del espectador es, a viceversa, algo muy positivo para empezar a ver su cine. Esta aceptación del no-entender es base para poder adentrarse en su cine. Godard así lo quiere, y así lo provoca. Pasado ese malestar inicial, y despreocupándonos de nuestro ego, podemos empezar a relajarnos y ver sus imágenes, comprender su propuesta. Ahí, es cuando todo se aclara. Y la disminución del saber intelectual empieza a trasformarse en gozo audiovisual y sensorial en donde todo cobra sentido, solo que en otro orden al habitual. Algo similar a lo que ocurre con el cine de David Lynch. No por nada, tanto el francés como el norteamericano son los emblemas mas grandes de la modernidad y en sus manos esta el camino, y el hacer, del futuro del cine.
¿Y que son, o que es, las Historia(s) del cine?
Un collage abigarrado, lucido, confuso, revelador, genial, complejo, bello, totalizador, fascinante, abrumador, inteligente, lúdico, conceptual, y todos los adjetivos que se nos ocurran agregar, incluso los que sean contradictorios entre si. Así de simple. Quitándonos de encima el peso de la adjetivación recurriendo a buena parte de los adjetivos laudatorios que podamos tener a mano, se puede hablar mejor de su obra.
Es un ensayo, pero al mismo tiempo una ficción, un documental, es la historia contada de la realidad desde la subjetividad (el cine como mirada personal, a la vez colectiva) de los hechos ocurridos. Suena contradictorio? No lo es y si lo es. Es Jean Luc Godard.
En ocho partes el realizador disecciona A SU MANERA, la historia del cine fundiéndola con la historia del siglo XX, reescribiéndola y reinterpretándola a 24 cuadros por segundo. Dice en el film: “al alba del siglo veinte las técnicas decidieron reproducir la vida entonces se inventó la fotografía y el cine”
Las conexiones que Godard establece entre imagen sonido, audio, texto, palabra escrita y palabra hablada, imagen escrita e imagen mostrada nos trasladan a un nuevo mundo de resignificaciones. Así cobran distintos sentidos ideas que va desgranando, tales como:”El cine, como el cristianismo, no se funda en una verdad histórica, nos da un relato, una historia, y nos dice ahora: cree”; “Alfred Hitchcok logro allí donde fracasaron Alejandro, Julio Cesar, Napoleón, tomar el control del universo”; Solo el cine vio que si cada uno hace su tarea las masas se organizan solas siguiendo un irreprochable equilibrio que la luz cae donde debe y soslaya lo necesario porque es útil que ilumine un punto de la escena y porque la sombra puede reinar sobre el resto”.
El cine tiene un poco mas de cien años, y nadie mejor que Godard para explicarlo y hacernos ver su sentido en la historia del siglo pasado; del cine como política; del cine como arte; del cine como sociedad; del cine como filosofía; del cine como química emocional en nuestro cerebro; del cine como industria; del cine como herramienta ideológica de dominación; del cine como poema; del cine como la forma de mirar y plant(e)arse frente al horror (Auschwitz) del mundo.
Nunca didáctico, siempre dialéctico, nunca enciclopedista, siempre abarcador. No da cátedra, muestra el objeto de estudio abierto. Es la rana diseccionada en sus vísceras, no para explicarla y entender el funcionamiento de su organismo, sino puesta arriba de la mesa para que solo la toqueteemos y veamos/descubramos, fascinándonos o asqueándonos, como es su interior.
Es una de las obras cinematográficas mas importante de los últimos años, un resumen de la historia del cine al mismo tiempo que una obra cumbre dentro de la misma.

SIN LUGAR PARA LOS DEBILES

Tiempos Violentos.

Un fantasma, una sombra asesina, asola imparable e implacable los sueños de los justos, y de los no tan justos. Nadie escapa al alcance del mal. Es la tesis que proponen los terribles hermanitos Joel y Ethan Coen en su última película, “Sin lugar para los débiles”. Y si ese fantasma tiene un peinado tan horrible como el que luce Javier Bardem en el film, les aseguro que se instalara en sus pesadillas para no irse jamás. Tal vez desde Hanníbal Lecter que el cine norteamericano no presentaba a un asesino tan temible como Antón Chigurh. Cargado con un tanque de oxigeno que conectado a su pistola ayuda a que sus balas tengan una potencia mucho mayor, va recorriendo la carretera persiguiendo a un pobre ventajista que le roba una maleta llena de dinero.
No es la primera vez que los Coen realizan un retrato similar, ya las excepcionales “Simplemente Sangre”, “Fargo” y “El hombre que nunca estuvo” compartían tono y temática con este film. Pero nunca habían ido tan lejos y habían sido tan lapidarios. Ya casi no hay resquicio en el film para el humor negro tan corrosivo y característico de ellos, salvo, ay, en ese peluquín de Bardem/Chigurh. Y la gran noticia, es que estos hermanos que siempre se consideraron independientes y que desde su pequeño rincón de la industria cinematográfica tenían la libertad para mostrar las falencias del sistema como quisieran (porque llegaban a poca gente y en el fondo, no molestaban a nadie), de repente ganan el Oscar y son catapultados a audiencias mayores y a un lugar dentro de la industria que nunca habían tenido antes. Y lo bueno, que lo lograron sin resignar un ápice de su independencia y con su film inclusive, mas arriesgado y oscuro que sus anteriores, con una narrativa muy poco convencional y a contramano del uso y gusto de Hollywood.
Lo que tal vez sea un síntoma de los tiempos que corren, porque el cine norteamericano como pocas veces ha ocurrido antes (tal vez la convulsionada década del ´70 con Vietnam como telón de fondo pueda compararse con esta etapa), esta mostrando un vacío moral y una ambigüedad ética que es solo reflejo de una sociedad fragmentada, violenta, sin esperanzas, pérdida por las ansias de poder económico. En donde el fin, el capital, justifica las conductas mas ruines del ser humano. En la línea del reciente film de los Coen podemos agrupar a un numeroso grupo de películas recientes y a realizadores muy críticos hacia el presente y hacia el pasado de su país, que comparten este pesimismo social trasladado a conductas individuales. La excelente también “Petróleo Sangriento” de Paul Thomas Anderson en donde “oro negro” y “religión” forman un cóctel mortal; “Antes que el diablo sepa que estas muerto” del veterano “francotirador” Sydney Lumet; “Dueños de la noche” de James Gray; “Desapareció una noche” de Ben Affleck; todos films que muestran a la ambición como un cáncer que carcome la entraña misma de la familia norteamericana, la base fundamental y sostén espiritual del “american way of life”. Y tampoco puedo dejar de mencionar, por mas que la acción ocurra en Londres y sea filmada por un canadiense, a “Promesas del este”, nueva obra maestra del gran David Cronemberg, que entra en perfecta sintonía con los films mencionados y con la película anterior que el propio realizador ambientó en los EE.UU. “Una historia violenta”, y que funciona ahora como una especie de preludio de los tiempos que vendrían en el cine. Lugares en donde la dualidad moral entre bien/mal solo conduce a una espiral descendente hacia las llamas del peor infierno.


(ESTA NOTA HA SIDO TAMBIEN PUBLICADA PREVIAMENTE EN LA REVISTA "DADA" DEL MES DE ABRIL DEL CORRIENTE AÑO)

JOHN CASSAVETES EN CINEFILOS BAR!!!

El martes 8 de abril larga en Cordoba el ciclo dedicado al genial, imprescindible, ultraindependiente John Cassavetes. Para quien esto escribe, uno (sino el mas) de los cineastas mas importantes e influyentes de todos los tiempos. Absolutamente toda la historia del cine independiente mundial (no solo el norteamericano) estara en deuda eterna con el cineasta neoyorkino. Sus peliculas, sin embargo, son muy dificiles de ver y conseguir por lo que no se pierdan la oportunidad de disfrutar y apreciar este verdadero evento cinematografico.
La primera proyeccion de este martes 8, sera la de su primer film "Shadows" ("Sombras").
La cita es en Cinefilos Bar (Bv. San Juan 1020) todos los martes de abril y mayo a partir de las 20 hs.
Al finalizar las proyecciones de las peliculas se realizara una charla y posterior debate a cargo de quien esto escribe.
Por la programacion completa chequeen el flyer que pego arriba.
IMPERDIBLE!!!!!!
(JE, y no se crean que lo digo porque yo lo presnto eh)

BETTE DAVIS EN EL CINECLUB "PASION DE LOS FUERTES"

A partir de este sabado 5 de abril largamos con un cineclub nuevo en Cordoba. Se llamara "Pasion de los fuertes" en honor al celebre film de John Ford con Henry Fonda y funcionara el la biblioteca del CineClub Municipal Hugo del Carril. La idea es proyectar y organizar ciclos dedicados al cine clasico norteamericano y mundial. La cita es entonces el sabado a partir de las 19 hs. en la biblioteca "Los 39 escalones" de Bv. San Juan 49 y la presentacion de las peliculas correra por cuenta de quien les escribe. Para mas informacion, la pagina del cineclub www.cineclubmunicipal.org.ar.
El primer ciclo que hemos organizado con la gente del cineclub estara dedicado a la gran Bette Davis ya que el 5 de abril justamente se cumplen 100 años de su nacimiento. En su honor el primer mes hemos programado cuatro de sus mas celebres peliculas. El sabado largamos con la proyeccion de "Que pasa con Baby Jane?", la obra maestra de Robert Aldrich en donde la Davis junto con Joan Crawford realizan un tour de force actoral increible.
El sabado que viene sera el turno de "La malvada", el celebre film de Joseph L. Mankiewiczs tantas veces homenajeado (Almodovar en "Todo sobre mi madre" para emepzar) y "copiado". Mientras que los sabados 19 y 26 de abril pasaremos dos de los films que la actriz realizo juanto con el indispensable William Wyler; "La Carta" y "La loba".
Esta hecha la invitacion. Quien acaso osaria dejar plantada a una mujer con ese caracter, y con semejante mirada eh?!?!?!

IMPERIO

Nuestros sueños y pesadillas tienen quien los filme!
Este fin de año, la alicaída cartelera cordobesa se vio fortalecida por la llegada de un “ovni” cinematográfico dirigido por “el James Stewart de Marte” como se lo supo llamar en un momento a David Lynch. El estreno fugaz, pero estreno al fin, de su ultimo opus Inland Empire (Imperio para nosotros) nos hizo creer de nuevo que existen aún posibilidades de enfrentarse con filmes que nos deslumbren, nos sorprendan, estimulen nuestra inteligencia y nos provoquen, llegando al caso de producirnos malestares fiscos que nos acompañan a la salida de la proyección tales como; conmociones cerebrales, mareos varios y dolores estomacales. Que una película sea capaz de provocar semejantes reacciones en la platea es motivo de alegría de todo amante de cine y una demostración que el séptimo, es una arte vivo todavía.
David Lynch es el hombre que desafía toda lógica narrativa y estética que podamos poseer para llevarnos a su propio mundo de pesadillas y alucinaciones. Esto en si, no es del todo novedosa, ya que Lynch no es le primer cineasta que se mueve como pez en el agua por los sueños humanos (de Bergman a Fellini, de Buñuel a Kurosawa, el cine clásico y moderno tuvo muchos directores oníricos, así como en la actualidad podemos encontrar a Michel Gondry por ejemplo o al increíble checo Jan Svanmajer), pero lo verdaderamente sorprendente en Lynch es que una vez que entramos en su mundo, los caminos son accesiblemente complejos, nunca nos perdemos en su laberinto. Es un maestro de ceremonias que sabe conducir al espectador por un mundo irracional sin soltarle nunca la mano en su fábrica de fantasías como un Willy Wonka pasado de ácidos y con muchas noches sin dormir. Y el encanto de su mundo es tal, que por más que uno como espectador no entienda del todo lo que “nos quiso decir”, la experiencia nos deja fascinados y extasiados pidiendo más, no queriendo abandonar nunca la fabrica de espeluznantes maravillas del rey David.
Con Imperio, Lynch confirma que es el más grande narrador de lo irracional, ya que para él, el máximo caos es solo otro orden mejor al que conocemos habitualmente.
Y si hablamos de caos y nos damos una vuelta por la otra parte del globo terráqueo, encontramos a otro gran maestro del desconcierto y la confusión en sus formas mas (des)ordenadas y (des)encantadas. Yendo de occidente a oriente nos topamos con el “primo” desaforado y “zarpadito” (valga aquí el adjetivo) de David Lynch. Takashi Miike su nombre y conocer sus (muchas) películas es volverse un adicto total a su cine. Realidad y sueños se funden y confunden todo el tiempo en pantalla y la perdida de la noción total de todo esquema racional es el premio que recibimos por adentrarnos a sus múltiples mundos. Miike filma mucho, de tres a cuatro films por año, y todos distintos, todos fascinantes. En todos mezcla agua con aceite permanentemente y las mezclas le saben siempre deliciosas. Aunque a veces cuando este director esta pasado de vuelta, y cuando les digo que un director japonés esta pasado de vuelta eso significa que nunca van a ver algo tan extremo, estas mezclas pueden llegar a precisar de una hepatalgina cerebral luego del visionado de joyas como Visitor Q, Ichi the killer, Izo o Audition. Miike puede ir del policial hiperkinético y ultraviolento de la saga Dead or Alive, al film infantil con La gran guerra Yokai; del muy alegre musical negro con escenas animadas con plastilina en La felicidad de los Katakuris, a la calma poética e introspectiva de The bird people in China; de la parodia a la Godzila cruzada con los marcianitos de Tim Burton en Zebraman, con el terror mas extremo y repugnante de Imprint. Conocer las obras de Miike y Lynch significa ampliar en varias pulgadas nuestra capacidad de asombro y enriquecer sobradamente nuestra experiencia audiovisual.

(ESTA NOTA FUR PUBLICADA ANTERIORMENTE EN LA REVISTA DADA DE DICIEMBRE DEL AÑO PASADO)

LAS 75 MEJORES PELICULAS DEL 2007

Cuelgo la habitual seleccion anual de mejores peliculas del año que hacemos en el video. Pa´que chusmeen y se entusiasmen, son una bocha de peliculas comentadas:

Costó mucho este año seleccionar las mejores películas, no porque no las hubiera habido, sino todo lo contrario. La enorme cantidad, variedad y gama de películas que nos llegaron de todos los tamaños formas y colores hizo que fuera una tarea titánica.
Además, como nunca, estos meses nos llegaron films de años anteriores que nunca habían tenido distribución oficial en nuestro país y ni mucho menos estreno comercial alguno. Poder acceder a este material hizo que conociéramos películas de años anteriores claves para tener una idea más abarcadora del panorama del cine mundial de este nuevo siglo. Por ello decidimos incluirlas en este año para no dejarlas pasar.
Esto motivo a que las habituales “50 mejores del año” se agrandaran y tuviéramos que alargar la lista. No podíamos dejar afuera semejantes películas! Así, más que una lista de “mejores”, es en realidad una guía de 75 ítems con todo lo importante que paso este año en materia fílmica por Séptimo Arte. Si contamos las películas seleccionadas, mas un especial comedias, más los bonus recomendados, más las ediciones de películas clásicas de directores fundamentales, estamos hablando en realidad de una guía de más de 100 películas!!! indispensables para ver.
De los primeros 30 puestos por ejemplo, si bien tenemos la intención de que sea de la mejor a la “menos mejor”, el criterio de selección es netamente relativo, subjetivo y caprichoso. Cualquiera de estas primeras 30 podría haber tenido una ubicación distinta ya que son todas grandes películas, la mayoría de ellas obras maestras. Los puestos con los números es por ello, algo más bien anecdótico y juguetón.
Todos estos films apuntan a defender lo que más intentamos mantener en Séptimo Arte, la VARIEDAD y la posibilidad de ELECCION. Podrán acusarnos de los peores pecados, pero no de que no amamos al cine y apostamos por él en todas sus formas.
Para los que no tengan más planes para el verano que la pelopincho de rigor, o en su defecto, manguera y pies en el balde con agua, les recomendamos este puñado de películas. Ah, y no pregunten después que hay de bueno para ver eh! JAJA.

1) BUCAREST 12:08 : De Rumania descubrimos que no solo había cine, sino que la gente que lo realiza es un grupo de jóvenes cineastas con un soberbio dominio del lenguaje audiovisual. Y esta comedia política sobre la caída del comunismo, y el fin de la dictadura de Ceausescu, es su prueba más contundente. Con solo tres personajes dentro de un estudio de televisión se crea uno de los films más inteligentes y complejos políticamente hablando de los últimos años, y uno de los más divertidos! Bonus: Rumania revisa su pasado reciente a puro cine y Como celebre el fin del mundo es otra prueba contundente de esto.
2) SOÑANDO DESPIERTO: De Michel Gondry (director de El eterno resplandor de una mente sin recuerdos) sabíamos que poseía una creatividad desbordante, pero no cuan lejos podía llegar si lo dejaban suelto con toda la libertad del mundo en un set de filmación. Ver para maravillarse y creer en todo lo lejos que puede llegar la imaginación de un hombre cuando no tiene limites. Realidad y sueños se amalgaman creando un mundo encantador y una realidad paralela para contar una historia de amor que atraviesa toda barrera racional.
3) IMPERIO: El milagro cinematográfico del año! Que hayan estrenado la nueva y mas grande locura de David Lynch en los cines ya de por sí, es digno de festejo. Y cuando digo la mas grande locura de… estamos hablando David Lynch! Por lo que eso quiere decir ponerse frente a un shock absoluto de imagines que desconcertara y fascinara hasta los limites mas extremos. Un Lynch al 100% de su creatividad, así que imaginen lo que eso significa! O no... porque nadie en su sano juicio puede imaginar esto, solo viéndola se puede llegar a tener una idea.
4) LOS AMANTES REGULARES: Phillippe Garrell es uno de los directores mas importante del cine francés de los últimos 20 años, solo que su carácter de “cineasta maldito” ha mantenido su obra oculta al gran publico. Por suerte podemos ahora disfrutar de su última obra maestra, un muy realista fresco sobre el mayo del ´68 que en comparación, deja a Los Soñadores de Bertolucci como un inocente juego de niños. Bonus: Inocencia Salvaje es su film anterior y cuenta la relación que mantuvo el director con Nico, la cantante de The Velvet Underground.
5) LOS ESPIGADORES Y LA ESPIGADORA: Puedo parecerles exagerado pero creo que Los espigadores… es uno de los mejores documentales de todos los tiempos. Agnes Varda es la abuelita del cine francés y posee una sabiduría frente a la vida y frente al cine que le permite JUGAR (así con mayúscula) con toda la basura y los desechos que encuentra a su paso para reflexionar sobre el mundo moderno con una lucidez tan reveladora como divertida. Si es verdad que existen esas películas que “iluminan la vida”, esta es sin duda una de ellas.
6) THE WILD BLUE YONDER + GRIZZLIE MAN: Cuando creíamos que el gran Werner Herzog ya no hacia cine, se despacha el hombre con dos documentales que tranquilamente podemos considerarlos como entre lo mejor de su carrera;. The Wild Blue Yonder es un maravilloso “falso” documental de ciencia ficción sobre un futuro apocalíptico que expande los limites del cine; mientras que Grizzlie Man cuenta las desventuras de un hombre que amo a los osos hasta los extremos de la locura y de su capacidad como ser humano, o sea, todo lo que Herzog siempre contó en sus historias, solo que esto es real! Bonus: Rescue Dawn es la vuelta a la ficción de Herzog con Christian Bale haciendo de un prisionero de guerra en Vietnam.
7) PROMESAS DEL ESTE: Una vez mas David Cronenberg filma una obra maestra. Como en Una historia violenta, nuevamente con Viggo Mortensen (Oscar urgente para el hincha de San Lorenzo!) poniéndose en la piel de un descarnado mafioso en un thriller crudo y sangriento, además de complejo y profundo, que en nada tiene que envidiarle al cine de Scorsese y Coppola. Desde ya este film es un nuevo clásico inmortal del cine! Y posee la mejor y mas violenta escena del año con Viggo en un sauna enfrentando a los tipos que quieren matarlo.
8) THE HOST: El gran film “monstruo” coreano. Una maravilla absoluta. La ciencia ficción, la clase “B”, la superproducción de Fx y el cine catástrofe emergen de las aguas del río de la mano de un monstruo mutante para poner en peligro a una humilde familia. El drama, la comedia negra, el cine social y político, todo se mastica como un bocado perfecto en las fauces del “Nahuelito” coreano. Bonus: Boon Jong-Ho se llama este director y hay que aprenderle el nombre porque con solo tres películas ya se anota como uno de los directores mas prominentes del futuro, sus filmas anteriores a The Host son Barking Dogs Never Bite y Memorias de un Asesino y son dos prodigios también imperdibles!
9) FUNNY HA HA: La mejor noticia de los últimos, por lo menos, diez años dentro del cine independiente norteamericano se llama Andrew Bujalski. Un joven cineasta que filma películas chiquitas, con sus amigos, y con dos mangos y medio. Pero que poseen un encanto y una magia surgida de esa espontaneidad que no veíamos desde que John Cassavetes dejo de filmar. Las comparaciones que se le hacen al director con Eric Rohmer, Richard Linklater, Jim Jarmusch y el propio Cassavetes, les juro, que no son exageradas. La gran esperanza del cine “indie” es una realidad. Mientras esperamos para el año que viene su segunda película Mutual Apreciation, disfruten ahora de Funny Ha Ha, su excelente opera prima.
10) EXILED: Como todos los años hay un director que no nos falla y siempre hay una de sus películas entre las mejores del año. Claro! Si se trata del enorme Johnny To, el más grande maestro del cine policial. Este año se anota con Exiled, su mejor película a la fecha. Un glorioso ballet de acción y balas, así como de amistad y camaradería entre el grupo de yakuzas que ya habíamos conocido en la anterior, y también excelente, The mission. Bonus: se estreno también de este prolífico director japonés Ayer otra vez, una comedia/thriller chispeante, sobre una pareja de ladrones de guante blanco que en nada tiene que envidiarle al cine de Htchcock.
11) LOS ANGELES EXTERMINADORES: Una de las ultimas sorpresas que dio el cine francés en los últimos tiempos es este polémico film en donde su director Jean Claude Brisseau cuenta su experiencia real realizando castings para sus películas en donde pedía a sus actrices realizar subidas escenas de experimentación sexual con sus cuerpos. Un gran film que fuerza los limites del deseo y se enfrenta a sus consecuencias. Hacia mucho tiempo que la pantalla de cine no ardía tanto como con esta película que puede provocar absoluto rechazo, pero no indiferencia!
12) EL LIBRO NEGRO: Al igual que la coreana The Host, otro excepcional film que combina a la perfección el entretenimiento popular, en las formas del thriller y el film de espionaje, con las formas cinematográficas mas refinadas. El siempre polémico Paul Verhoeven vuelve a su Holanda natal para filmar con un trepidante ritmo los entretelones de la caída de la ocupación nazi en su país. Un complejo juego de cajas chinas en donde su heroína (aprendan el nombre de la chica; Carice Van Houten, se luce!), una “Mata Hari” judía, se debe infiltra entre los altos mandos nazis viendo y sufriendo como el bien y el mal se (con)funden todo el tiempo entre sí.
13) OASIS: De Corea no dejan de salir directores excepcionales y obras maestras. Y lo más interesante es que estos directores son todos distintos y originales sus propuestas, tanto estética como temáticamente. Tal el caso de Lee Chang Dong que cuenta en Oasis una de las historias de amor mas bizarras y extrañas que ha dado el cine. Un sujeto recién salido de la cárcel y con muy pocas neuronas se enamora de una discapacitada luego de violarla. La historia de amor de estos personajes marginales es justamente un oasis incomprendido en la moderna sociedad coreana. El tono justo alcanzado en todas las escenas hacen de este un soberbio film.
14) TU, YO Y TODOS LOS DEMAS: Junto con Funny Ha Ha, ésta es la otra gran joya del año que ofrece el cine independiente norteamericano. Divertida y grave en dosis iguales, la opera prima de Miranda July (directora, guionista y actriz del film) nos muestra a una artista con una sensibilidad única para retratar las relaciones humanas de personajes tan particulares y extravagantes como reales y cercanos. Otra promesa de directora a tener en cuenta en un futuro.
15) EL ULTIMATUM DE BOURNE: Uno de los mejores films de acción de los últimos años. La 3ª parte de la saga del agente Bourne confirma lo que ya se anticipaba en las anteriores. Que su director Paul Greengrass es un maestro del nervio y el ritmo cinematográfico. Y esta es su mejor película! Un tren bala a toda marcha que nos pasa por encima dejándonos totalmente boquiabiertos. Bonus: el año empezó de parabienes con los agentes secretos, se vino un nuevo James Bond con Casino Royale y la agradable sorpresa es que es un excelente film, distinto a todos, y mejor! Y Daniel Craig les tapo la boca a todos componiendo un 007 de antología.
16) STILL LIFE: La nueva obra del chino Jia Zhang Ke (el mismo del que apreciamos el año pasado las excelentes The World y Unknow pleasures), un cineasta fundamental para entender el cine oriental y a todo el cine actual. La construcción real de una monumental represa le permite al director conjugar todo su lirismo así como sus hondas reflexiones sociales en torno a la historia de un trabajador que llega allí para buscar a su hija que hace años no ve. Un cineasta único que hace todas obras mayores.
17) EL CIELO GIRA: La vedette del año han sido sin duda los documentales y El cielo gira es uno de los más importantes. Su joven directora Mercedes Álvarez vuelve a su pueblo natal “Aldeaseñor” para filmar durante un año a los poquísimos habitantes que allí quedan antes que el pueblo desaparezca definitivamente sepultado por el paso del tiempo y la globalización que no ha golpeado a sus puertas. Con sutil poesía, muestra el contraste de culturas entre gente que parece vivir en otro siglo, en medio del proceso de cambio modernizante de la Unión Europea.
18) DEATH PROOF: Compleja y fascinante es la ultima película de Quentin Tarantino. Por mas que a simple vista parezca todo lo contrario. Alejándose mucho de sus films precedentes para entrar en el terreno pleno de la clase B, Tarantino marca un nueva camino al cine norteamericano (difícil de discernir) y se muestra una vez mas un paso por delante del resto de sus colegas. Un grupo de chicas acosada por un asesino al volante es solo la excusa para filmar increíbles persecuciones automovilísticas, transformadas en arte puro y sublime por Tarantino.
19) PLANET TERROR: Sin dudas la película mas divertida, desquiciada, bizarra, berreta, asquerosa, repugnante y estimulante del año. Este film es de lo peor, de última en todos los sentidos. Robert Rodríguez hace, lejos, su mejor película con el colmo de las incorrecciones. Un film que tiene como pariente cercano al primer Peter Jackson de Braindead y Mal gusto. Una fiesta absoluta para todo amante de la clase B y del cine a secas!
20) LUCES DEL ATARDECER: Quien no conozca a Aki Kaurimsaki se pierde a uno de los más personales y encantadores cineastas de la actualidad. Sus films son una delicia absoluta, con un humor absurdo que ya es marca de fabrica en el director, más allá que nos cuente historias sumamente deprimentes que le ocurren a los personajes más comunes y patéticos que podamos encontrar. Y nunca perder tuvo tanto encanto como en este ultimo film de Kaurismaki. Tan triste como los tangos de Carlos Gardel que abren y cierran este film finlandés!?!?
21) LAST LIFE IN UNIVERSE: Abrir las puertas de la percepción en materia cinematográfica significa adentrarse a buscar nuevas formas visuales en países desconocidos hasta ahora, tal es el caso de Tailandia. Allí hay un cine distinto, con nuevas formas estéticas y narrativas. Y hay grandes cineastas, y uno de sus principales referentes es Pen-Ek Ratanuarang quien filma de manera hipnótica con una calidad exquisita y con la ayuda de dos enormes figuras del cine oriental, y mundial, como lo son el gran Tadanobu Asano en el rol principal del film y el director Miike Takashi como productor. Entre los tres logran una exuberante joya asiática.
22) ARMA FATAL: Que bueno confirmar que la excepcional Muertos de risa (Shaun of the dead) no fue producto de la casualidad sino del enorme talento de sus realizadores y de sus protagonistas. Edgard Wright, el director, así como Simon Pegg, actor y guionista, junto con Nick Frost reinciden juntos en su siguiente película y superan a la anterior, lo que en si da como resultado una obra genial del cine de acción, de la comedia, de la parodia, y del thriller de suspenso con toques a lo Agatha Christie. Un film divertidísimo hecho con total seriedad, además de con mucha inteligencia y conocimiento del cine de género por parte de su realizador.
23) ZODIACO: David Fincher nos ofrece su mejor película luego de una larga espera. Y eso, viniendo del director de Seven y El club de la pelea es una gran noticia. Basada en la historia verídica del asesino del Zodiaco que asoló los EE.UU en la década del ´70, Fincher reconstruye un gran fresco de la época y un excepcional film sobre la obsesión humana cuando los tres personajes principales ven que sus vidas están atravesadas por los misteriosos asesinatos.
24) TROPICAL MALADY: El nombre de este director tailandés Apichatpong Weerasetakhul es tan difícil de pronunciar como lo es encasillar a su cine pretendiendo entenderlo y dilucidarlo. Solo se recomienda abandonarse al placer de imágenes nunca vistas, con un poder y una potencialidad visual que hacen que la película parezca venida de otro planeta, un ovni tan indescriptible como hermoso. Tropical Malady es un film que se multiplica en varios, y todos ellos parecen chocar entre si al mismo tiempo que dialogan formando nuevas ideas y dotando de novedosos sentidos a lo que se esta viendo.
25) HONOR DE CAVALLERIA: La película que logró que mas gente huyera de las salas cinematográfica en donde se proyecto este año! Y lo increíble, para quienes quedan y terminan de verla es darse cuenta que ese es el mejor elogio que se le puede hacer a una película como Honor de cavallería (con “v” corta sí). Radical, imposible, fascinante, uno de los films más revolucionarios de los últimos tiempos. El mejor Quijote de la Mancha filmado hasta la fecha, y lo más llamativo es que se logra hacerlo yendo en dirección contraria a la ideada por Cervantes. Es la no-narración de la más grande narración de lengua hispana. Y esta hablada en catalán!.
26) REYES Y REINAS: El cine galo esta teniendo una renovación creativa y cualitativa muy interesante, y ejemplo de ello es este excelente film de uno de sus directores que mas aportan a dicha renovación, Arnaud Desplechin. Reyes y reinas muestra a una mujer (la excelente Emanuelle Devos) en crisis lidiando con los hombres de su vida; hijo, padre, marido, amante, amigo en un film maduro y complejo. Con notable fluidez narrativa pasa por distintos estados entre presente/pasado, cine/teatro, comedia/drama.
27) FLANDRES: Bruno Dumont hace un cine doloroso. En sus temáticas, en sus planos, en sus paisajes, en sus silencios, en sus personajes con demasiada carga existencial en sus espaldas por mas que no lo sepan. No es un cine fácil, ni digerible. Y enfrentarse a sus imágenes es a sabiendas que se sufrirá permanentemente. Y más aun si en su último film se atreve a ir de hostiles ambientes rurales de la campiña francesa, a la guerra de medio oriente con soldados galos incapaces de discernir el bien del mal. La recompensa, luego de soportar los malestares, es la sensación final de haber visto una gran película.
28) ANATOMIA DEL INFIERNO: Film solo para paladares muy exigentes y un estomago a prueba de todo. El último tango en Paris y El imperio de los sentidos son películas infantiles al lado del último film de la más lucida e irreverente provocadora del cine francés: Catherine Breillat (la misma de Romance X). Una mujer capaz de discernir sobre el deseo y dolor de los cuerpos humanos, tratando las temáticas sexuales de hombres y mujeres con la agudeza y el filo de un bisturí. Bonus: la norteamericana Shortbus, la película mas polémica del año por su osado planteo de las variedades sexuales con una explicitud franca y festiva, en una NY post-11 septiembre.
29) APOCALYPTO: Se lo puede acusar de las peores atrocidades a Mel Gibson y a su cine, que de seguro son ciertas. Pero lo que nadie le puede negar y reconocer al hombre, es que sabe filmar mejor que la mayoría de lo directores que existen en Hollywood y que tiene mas nervio cinematográfico y capacidad narrativa audiovisual que muchos. Con un enorme gusto por el riesgo a la hora de encarar sus proyectos y por explorar nuevos territorios. En este caso logra dentro del cine de aventuras, adentrándose en el mundo de los mayas, un gran film.
30) EL INTRUSO: Tal vez el nombre mas importante del cine francés del nuevo siglo sea el de Claire Denis. Sus narraciones imposibles, su aliento poético, sus imágenes hipnóticas y cautivadoras, el cine como reflejo del alma. En El intruso un hombre a sufrido un transplante de corazón y el paisaje de los bosques suizos se trasforman en un paisaje mental que la Denis retrata con dolorosa belleza. Bonus: el film anterior de Claire Denis Vendredi soir sobre la historia de amor de una pareja que se conoce en un embotellamiento de transito es increíble!
31) WOMAN ON THE BEACH: El coreano Hong Sang Soo es un maestro absolutoy hace rato que lo venimos diciendo. El primo oriental de Eric Rohmer, filma siempre las mismas historias de amor, pero cada vez lo hace mejor, con mayor ligereza (obviamente entendido como un elogio esto) y con mayor encanto. Un director de cine, su guionista y la novia de éste, coinciden en una ciudad costera al mar y se forma entre ellos un triangulo amoroso con reminiscencias a la comedia de enredos pero pasada por un filtro existencialista.
32) LINDA LINDA LINDA: Una de las películas más feliz, estimulante y sí, linda, de los últimos tiempos. Adictiva en todos sus aspectos. Cuatro jovencitas forman una banda de rock para el proyecto de ciencias de fin de año del colegio y ensayan la canción que posee el nombre del titulo. Y uno no puede dejar de tararear esa canción toda la película (y en los días siguientes después que se la ha visto!) y recordarla con la alegría con la que se puede recordar los mejores momentos del secundario. Una fiesta total que nunca escapa a la melancolía (porque la entiende como un elemento fundamental de la felicidad), en definitiva… un filma adolescente en el mejor sentido de la palabra.
33) LA PRINCESA RACOON + PISTOL OPERA: El descubrimiento de la obra de Seijun Suzuki ha sido un revelación absoluta, es conocer a un maestro de cine oculto por años y darse cuenta que el hombre es un adelantado a todo y a todos, y que desde la década de los sesenta ha venido haciendo un cine fundaméntala e inclasificable (ver Tokio Drifter y Brandead to kill es descubrir que hay que reescribir los manuales de cine). Con más de 80 años sigue filmando y sus dos últimas obras son unos experimentos estéticos excepcionales con una poética audiovisual que a pesar de su edad parece ser el cineasta más joven e innovador que existe.
34) MARY: El gran Abel Ferrara sigue incomodando y filmando a los márgenes de todo. Uno de sus tópicos favoritos de siempre ha sido la violencia urbana de las grandes ciudades, así como la idea de religión y fe en esos mundos cerrados donde la soledad y la desesperación ponen a prueba dicha fe. En Mary un director de cine quiere filmar una película sobre Maria Magdalena pero su actriz principal se pierde en un trip místico. Un productor televisivo con problemas maritales y filosóficos confronta sobre religión con dicho director. Todo se confunde y se pierde, y en el medio la miseria y la mugre de las calles. Un Abel Ferrara puro!
35) OLD JOY: Otro film contemplativo sobre la amistas masculina (interesante de emparentar con Honor de Cavalleria). Dos hombres salen de campamento juntos, vagan por el bosque y The End, fin de la película. Si, eso nada más y para colmo les conté el final, JA. Pero la verdad, es lo que menos importa porque lo relevante del film es todo lo que pasa en el medio, en esos silencios, esa nada, esos sujetos, la amistad, y la naturaleza, ahí reside lo que es fundamental e indispensable ver. Otro film clave para entender el nuevo cine independiente norteamericano. Al que tiene al Gus Van Sant de Gerry, Last Days y Elefante como principal referente.
36) LA HISTORIA DE MARIE Y JULIEN + VA SAVOIR: Sin duda mucho de lo mejor del año vino de Francia cuyo cine ha resurgido con fuerza luego de varios años de vacas flacas. Tanto los nuevos realizadores como los viejitos tal el caso de Jacques Rivette están en un buen momento creativo. Y Rivette, el miembro fundacional de la Nouvelle Vague que menos conocíamos, hace películas al margen del sistema siempre personales e innovadoras. Su estilo se acerca al teatro (Va savoir, con la enorme Jeanne Balibar en el rol de una actriz) para darle nuevos aires a cine, sin perder nunca de vista a las relaciones humanas y de pareja (La historia de Marie y Julien). Sus ultimas dos películas son obras mayores dentro de su filmografía ya de por si excepcional.
37) HAMACA PARAGUAYA: El cine contemplativo, de los planos fijos y tomas largas, y los tiempos parsimoniosos esta de moda de nuevo y se transforma en la nueva vanguardia del cine. En los tiempos rápidos del posmodernismo, que más provocador que un plano general estático con una hamaca paraguaya colgada de dos árboles y una pareja de viejitos dialogando en quechua sobre su cotidianeidad y sobre su hijo que ha partido a la guerra y no saben si volverá. Uno de los filmes latinoamericanos claves del año, premiado en Cannes. Bonus: para seguir contemplando, Five del iraní Abbas Kiarostami, son cinco tomas largas que enfocan distintas cosas; unos patos, un tronco en el agua, turistas, la luna reflejada. Y perdido en esas imágenes, les juro que por mas aburrido que parezca, la experiencia es entretenida.
38) MARIA ANTONIETA: Uno de los títulos que más dividió aguas este año. La Maria Antonieta pop de Sofía Copolla pasó a ser el titulo más incomprendido del año. En su aparente simpleza y liviandad (cuando el merito del film es ese, ser muy profundo y simbólico en sus supuestos detalles intrascendentes), el film traza un arco histórico sobre la idea de los levantamientos populares que llega hasta la actualidad; desde la revolución francesa hasta la irrupción del punk en la Inglaterra de Margaret Tachter. La “princesa” Sofía ya demostró ser una mas que digna heredera del “rey” Francis. Gran elenco y una banda de sonido espectacular!
39) LA CONQUISTA DEL HONOR + CARTAS DE IWO JIMA: El viejo Clint ya es un clásico ineludible. Este año se fue a la guerra y volvió con dos enormes películas sobre le conflicto bélico de Iwo Jima. Pero como viejo y sabio zorro desconcertó realizando dos films, uno desde el lado norteamericano y otro desde el lado japonés. Ambos films se complementan y juntos adquieren una dimensión abarcadora de todo lo que implica una guerra desde los puntos de vista enfrentados. Profundamente critico a su país (tiro por elevación a Bush y a Irak), además de conmovedoramente humano. Un Eastwood autentico, bah, dos en realidad.
40) CORAZONES: Otro viejo zorro que por suerte sigue filmando, y cada vez mejor. Alain Resnais con los años se ha vuelto saludablemente alegre, ya fue demasiado grave cuando era joven (recordar Noche y niebla, Hiroshima mon amour, Mi tío de América, El año pasado en Marienbad), ahora le gustan los musicales y las historias de amor corales de personajes de todas las edades. Quién diría que Resnais haría comedias tan encantadoras como esta 30 años atrás no?
41) BATALLA EN EL CIELO: El film que me mas me confundió y aturdió este año, nunca supe si era algo increíble o una película insoportable. Si las escenas eran originales o puro golpe bajo. Más allá de la duda, es una gran cosa que aun existan films que puedan provocar estas reacciones ambivalentes en los espectadores. Este film del mexicano Carlos Reygadas lo confirma al autor de Japón como una promesa del cine mundial definitivamente a seguir de cerca. Muy polémico, irritante, exasperante. Bonus: en un año interesante para los mexicanos, El violin es una propuesta austera y cruda sobre un violinista manco en medio de una guerrilla.
42) FANTASMAS: Uno de los directores más interesantes del nuevo cine mundial es argentino y casi nadie lo conoce. Nadie se atreve a ver sus películas. Lo mejor, lejos, que paso este año en el cine nacional es que se editaran en DVD una lujosa cajita con sus tres películas fundamentales a la fecha. Lisandro Alonso es un extraterrestre por como filma y sus películas son indispensables. Desde su maestra opera prima La Libertad, pasando por Los muertos que es otra joya, hasta recaer en Fantasma, su tercer film que homenajea a los protagonistas de sus films anteriores en una sala de cine con ellos mismos viendo sus propias películas.
43) 13 TZAMETI: Un film tapado, absolutamente desconocido, sin nada de prensa en ningún lado. Sin embargo es una sorpresa total! La opera prima de un director georgiano que filma en Francia un film negro, por su historia, por sus homenajes al cine clásico “noir” francés, y por su fotografía en impecable ByN. Un thriller tensionante sobre un muchacho que para ganarse unos mangos acepta participar de un torneo de ruleta rusa. Con los nervios a flor de piel y un ritmo narrativo que recuerda al mejor Jean Pierre Melvilla de El samurai, aquel film con Delon.
44) FICCION: Otro pequeño gran film. El catalán Cesc Gay (el de Krampack) cuenta la crisis creativa y sentimental de un director de cine que se refugia en la montaña para escapar de todo, y dedicarse a crear el guión de su próxima película. Pero su crisis existencial de la mediana edad, se ve agravada con la llegada de una mujer. Con sus impresionantes paisajes naturales el film se trasforma en un film épico pero desde lo emocional y retrata con madurez la relación de amor entre personajes adultos.
45) NACIDO Y CRIADO: En un año muy pobre para el cine nacional, el nuevo film de Pablo Trapero sobresale por mérito propio y lo confirma como un director cada vez mas maduro, con un pleno dominio de su oficio. Luego de un terrible accidente un hombre se escapa a la patagonia para intentar dejar atrás todas sus heridas. Un film profundamente doloroso, pero que la habilidad de Trapero para evitar la lagrima fácil lo salva del melodrama lacrimógeno para adentrarnos en las profundidades del alma humana. Al igual que en Ficción el imponente paisaje natural del sur de nuestro país es reflejo del interior atormentado de un hombre.
46) PURA SUERTE: Una de las mayores injusticias es que no se estrenara en cines este excelente thriller de Curtis Hanson (tal vez el mejor artesano de Hollywood de hoy en día) en donde en torno a la vida de un jugador de póquer en Las Vegas (Eric Bana) se trazan sus relaciones con una chica que conoce por ahí (Drew Barrymore) y su principal rival (Robert Duvall). Un film sin ninguna pretensión pero redondo y perfecto como esas historias bien contadas que Hollywood hace rato que ya no sabe como se hacen. Por suerte Curtis Hanson sí. Además con excelente banda de sonido con Bob Dylan, Bruce Springsteen, Ryan Adams, etc.
47) LA ANTENA: Con una estética increíble que cruza a la ciencia ficción con los primeros films mudos, se recrea a una Buenos Aires del futuro. Un film totalmente original y novedoso en nuestro cine nacional, con un cuidado creativo desde la imagen pocas veces visto. Una rareza total que demando un trabajo de artesano de su director Esteban Sapir en la visualidad el film. Frente a las injustas criticas de uniformidad que se le hacen al nuevo cine argentino, este film demuestra que hoy existen otras vías posibles y formas distintas de contar historias.
48) SUNSHINE: La ciencia ficción estuvo de parabienes este año. Hacia mucho que no veíamos un film tan solidó como Sunshine-Alerta solar. Una expedición de expertos tienen la misión de salvar al mundo mandada en una gran nave preparada para revitalizar al sol y darle nuevas energías al astro rey que esta extinguiéndose. De Danny Boyle el director de Trainspotting, un excelente film que comparte la reflexión filosófica, con la espectacularidad de los efectos y el ritmo del thriller. Bonus: Niños del hombre es el otro muy buen film de ciencia ficción existencialista del año. Lo dirigió el mexicano Alfonso Puaron. La premisa: la humanidad también esta por desaparecer porque no se producen más nacimientos. Apocalipsis now!
49) SURVIVE STYLE 5+: Un muy divertido film japonés que combina cinco disparatadas historias repletas de personajes desopilantes contadas con gran imaginación y sin perder nunca un ritmo ágil y ameno. Historias fantásticas; de un hombre transformado en pájaro, una muerta que no quiere morir nunca, una publicitaria con extravagantes ideas y un asesinos a sueldo venido de Inglaterra que le pregunta de el porque de su existencia a sus victimas antes de matarlas. Muy original!
50) FAY GRIMM: El regreso de un director fundamental del cine indie norteamericano de los 90, Hal Hartley. Un kafkiano film de espionaje muy extraño. Un mujer divorciada con su hijo a cuesta, tiene que encontrar a su ex marido que creía muerto porque es sindicado como una célula terrorista dentro de una compleja madeja de espionaje internacional, entre la CIA, escritores locos y policías despistados. Una rara cruza de géneros que se disfruta con una sonrisa en la cara por su abundante humor negro cercano a los hermanos Cohen. Y con una estética que remite a El tercer hombre aquel recordado film con Orson Welles.
51) A COCK AND A BULL STORY: El ecléctico director ingles Michael Winterbottom se atreve ahora con una divertida falsa adaptación de un libro clásico en teoría inadaptable como Tristram Shandy. Las idas y vueltas del equipo de filmación renegando entre si, y con la adaptación, la transforman en una muy entretenida “behind the scenes”. Además un reparto desopilante con muchos de los mismos actores de su obra maestra anterior 24 horas party people, encabezado por el gran Steve Coogan, un comediante genial. Y con el mismo tono festivo de aquel film. Bonus: para seguir disfrutando del enorme Steve Coogan recomiendo ver otro ameno y muy ágil thriller ingles cruzado con la comedia negra; La coartada.
52) UN FILM HABLADO: El año que viene el portugués Manoel De Oliveira cumple cien años y sigue filmando una película por año. Este es uno de sus últimos films que nos llega a nuestras manos y es tan bueno como todos los de su autoría. Una mujer recorre Europa en barco enseñándole a su pequeña hija la historia grande detrás de cada monumento. En el viaje conocerá a un raro grupo de viajeras que la acompañara; Irene Papas, Catherine Deneuve y Stefania Sandrelli. Mientras que el capitán del barco John Malcovich hará de nexo entre el viejo y el nuevo continente.
53) EL LABERINTO DEL FAUNO: El film vedette y gran revelación de la ultima entrega de los Oscar fue el del mexicano Guillermo Del Toro (por suerte no la espantosa Babel del espantoso González Iñarritu). Que fiel a su mundo personal y autoral (algo que no podemos decir de su compatriota Iñarritu), cuenta un fragmento de la guerra civil española mezclando la cruda realidad con un mundo de fantasía alucinante. Un gran cuento de hadas para adultos.
54) JESUS CAMP: Este film inaugura el género de documentales de terror. Me asuste muy mucho viendo como son entrenados y aleccionados los jóvenes norteamericanos en los campos de veraneo de las iglesias en los EE.UU. Espeluznante y muy preocupante. El documental acompaña a los niños en sus vacaciones implorando a Dios y declarándose a favor de la guerra en Irak. Y francamente dan mucho miedo! La mejor y más filosa crítica que se ha hecho a los EE.UU. y al conservadurismo fanático de Bush. El film da en el clavo en los temas tratados, por eso genera tanto pavor de solo imaginar que esos chicos serán el futuro. Y que pueden gobernar al mundo!.
55) HALF NELSON: Otro muy buen film indie yanqui. Una producción muy modesta se transforma en revelación. Un poco gracias a la gran actuación de Ryan Gosling y otro poco, gracias a que es realmente buena y muy conmovedora esta historia de un profesor de historia adicto a las drogas que quiere sacar a una niña negra del infierno de las calles. Siendo él mismo incapaz de salir de su infierno personal. La relación que se da entre ellos es antológica. Bonus: Diggers otro film muy oculto y sin nada de fama pero que posee mucho más, y mejor cine, que la mayoría de las pretensiosas producciones “indies” mas famosos del año (a la mediocre Pequeña miss sunshine me refiero) Una historia de 4 amigos bien contada y muy bien actuada.
56) EL TIRADOR: Gran sorpresa resulto ser el film de acción El tirador. No solo porque esta excelentemente hecho dentro de la coordenadas del genero, sino porque posee un mensaje incorrectísimo contra los EE.UU. El enemigo son los políticos norteamericanos y si no se puede vencerlos, bueno, que mejor que una bala en la cabeza no?. Anarquía pura! Y el mensaje viene de un film supercomercial hecho en el seno de la industria! Bonus: otro buen film de acción, cuando no esperábamos nada de el, fue la cuarta Duro de matar (una de las mejores de la saga) y de paso se le pega también unos palitos al gobierno yanqui. Larga vida a John McClane!
57) HALLOWEEN: Para salvar al cine de terror actual de la monotonía y el aburrimiento tenia que llegar un nuevo maestro del genero. Y apareció Rob Zombie! En su gran amor por el terror extremo confirma que sus dos excelentes obras anteriores (1000 cuerpos y Violencia diabólica) no eran casualidad. Ahora se anima a la remake del clásico de papá John Carpenter y le sale muy bien. No solo no la pifia, sino que Zombie es capaz de inquietar sabiendo poner realmente incomodo y muy mal a sus espectadores. Y eso es lo bueno del terror bien hecho.

ESPECIAL COMEDIAS:

58) EL DESCANSO: La mejor comedia romántica del año. Enteramente disfrutable. Resaltando la antológica pareja que componen Kate Winslet y Jack Black. Un dúo soñado enamorándose y divirtiéndose al por mayor juntos.
59) MUERTE EN EL FUNERAL: Otro importante director de comedía esta de vuelta, Frank Oz. Y con más humor negro que nunca. No es acaso un funeral el lugar indicado para hace reír a todo el mundo?
60) BORAT: La irrupción a la popularidad de Sacha Baron Cohen y su Borat es una gran cosa. Ya que este reportero venido de Kazajstán tiene en su maleta demasiada mala leche, incorrección y humor negro.
61) RICKY BOBBY + BLADES OF GLORY: Cosas importantes pasan en la comedia americana, y una de las mejores es sin duda Will Ferrell. Nada detiene en su irreverencia a este tipo, por mas fama que tenga sigue siendo un lanzallamas de humor anárquico y revolucionario.
62) FOR YOUR CONSIDERATION: Volver a ver un film del gran Christopher Guest (el recordado guionista y protagonista de la clásica y súper de culto This is spinal tap) arremetiendo contra el mundo del cine y Hollywood es una delicia.
63) DELIRIOS DE FAMA: Jack Black es otro grande del humor. Y no solo por el tamaño de su panza sino porque es una maquina repleta de gags que no se detiene para nada. Y cuando desata todo su amor por la música como en Escuela de rock y en este film, es grosso en serio.
64) SUPERCOOL: Jude Apatow es una de las mejores cosas que le paso a la comedia americana, no solo por dirigir la excelente Virgen a los 40, sino por producir también esta muy escatológica comedia de iniciación adolescente con personajes que ya son nuevos clásicos.
65) MAS EXTRAÑO QUE LA FICCION: Mas Will Ferrel, aunque acá en clave mas dramática, bah, comedia dramática con toques románticos y en línea Charlie Kauffman (Ladrón de orquídeas, Being John Malcovich, Eterno resplandor de una mente...).

10 EDICIONES CLASICAS IMPERDIBLES:

66) SATANTANGO: Por fin se puede ver Satantango! El célebre film de 7 horas del húngaro Bela Tarr. Una de las mejores películas de todos los tiempos del, tal vez, director mas importante que exista en Europa hoy en día. Y si no se tiene paciencia y valor aun para enfrentarse a Satantango, recomiendo ver primero otro peliculón del mismo director: La condena. Increíble!!! Tarkovsky reencarnó en este húngaro!
67) JACQUES RIVETTE: Otra gran cosa que nos pasó este año (algo que tiempo atrás era impensado) es acceder a la obra de Jacques Rivette, miembro fundador de la Nouvelle vague con Truffaut, Chabrol, Rohmer y Godard. Y constatar que todos sus films son importantes. Desde su primera Paris nos pertenece, pasando por su soberbia obra maestra La bella mentirosa (ahhh, con Emanuelle Beart!), mas La religiosa, aquel film prohibido en todo el mundo en su momento, El amor por tierra, su versión de Cumbres borrascosas, hasta los más recientes films comentadas anteriormente. Rivette es todo un descubrimiento.
68) DONT LOOK BACK: Otro film clásico del que esperábamos hace tiempo su edición. Realizado en 1965 acompañando a Bob Dylan en su gira por Inglaterra. Este documental no es solo increíble por la figura de un ya enorme Dylan a pesar de su corta edad, sino porque el célebre D.A. Pennebaker se transforma con este film en el padre fundador del video clip y en el abuelito de todos los film sobre rock que existieron después, además de ser el tipo que mejor retrato la historia del rock con los indispensables también tres DVDS del Monterrey pop festival (sí cuando Hendrix quemo la guitarra por primera vez) y el ultimo recital de David Bowie como Ziggy Stardust, un show histórico y antológico. Otro gran momento en materia de DVDS musicales del año fue Heart of gold, el show que el compañero generacional de Dylan, Neil Young dio en Nashville. Filmado por Jonathan Demme director de Filadelfia y El silencio de los inocentes y el del clásico también recital Stop makin sense de los Talking Heads, que también tenemos! Ah, y otra edición de lujo de este año fue El ultimo vals de Martin Scorsese, otro film pionero de 1978, esta vez con la disolución de la célebre The Band. Y ya que estamos con Scorsese, no puedo no recomendar los tres DVDS documentales con la historia del blues que produjo (y dirigió el mismo uno de los films) acompañado de nada mas ni nada menos que Wim Wenders y Clint Eastwood.
69) PEDRO COSTA: Mientras esperamos que el año que viene llegue su monumental obra Juventud en marcha, podemos ir disfrutando de un cineasta tan importante como Pedro Costa con sus primeros films. Por ahora tenemos Casa de lava y Ossos. Para amenizar la espera e ir conociendo a uno de los cineastas con mas presente y futuro del cine mundial.
70) HISTORIAS DEL CINE DE JEAN LUC GODARD: No es mucho lo que puedo decir de los cuatro DVDS con las Historias del cine “según” Godard (en realidad si se puede decir, pero necesitaría escribir un libro para ello y no una breve reseña). No sé….hay que verlos para creerlo. Godard es Godard, quien lo conozca sabe que su visión es única y original, y poder apreciar estas películas es un hecho de antología. Y quien no, bueno. Por favor! no se puede ser amante del cine sin conocer mínimamente la obra de Jean Luc Godard!.
71) AKI KAURISMAKI: Tenemos casi todos los films del querido Aki Kaurismaki. Si alguno de ustedes ha visto al menos un solo film de este finlandés, sabrá que poder acceder todas sus películas es un placer y una tentación difícil de resistir. Por favor, se ruega si se ama al cine, no perderse El hombre sin pasado, Contraté a un asesino a sueldo, Nubes Pasajeras, Hamlet en el negocio, La chica de la fábrica de fósforos, y un largo etc.
72) MIZOGUCHI + OZU: Hemos conseguido unas figuritas muy difíciles dentro de la historia del cine. Akira Kurosawa es el gran maestro “conocido” del cine japonés. Pero junto con el existieron dos hombres importantísimos. Las obras de Kenji Mizoguchi (imperdibles Ugetsu y El intendente Sansho) y Yasujiro Ozu (Historias de Tokio, El sabor del sake) son ineludibles y por fin podemos conocerlas en su total dimensión a varias de ellas.
73) PRESTON STURGES: La historia de la comedia norteamericana le debe todo a la década del ´40 y a los nombres de Ernst Lubitsch, Howard Hawks y Preston Sturges, este último si bien es el menos reconocido no por ello es menos clave e influyente. Y ahora nos llego una fantástica colección de DVDS con sus mejores películas que son el ABC del buen guionista y director de comedias. Un gran maestro solo reconocido por entendidos y trasformado en figura de culto por figuras actuales como Jerry Seinfield, Woody Allen, Jim Jarmusch y los hermanos Cohen que no dejan de citarlo en sus films. Un grande en serio. Si bien todas sus películas son fundamentales, perderse Sullivans travels, Hail the conquering hero, The Palm Beach story y Las tres noches de Eva debería ser sancionado por ley! más estando a disposición en el video cercano a su hogar!
74) SAM FULLER: El gran rebelde, el gran independiente, el gran anarquista, el gran agitador, tal vez el director mas influyente y de culto de la historia del séptimo arte. Sam Fuller es cine en estado puro y bestial. Y hemos conseguido varias de sus obras maestras. Shock Corridor y El beso amargo son la Biblia de todo director de cine independiente. Y sus demás films como The Big Red One, Casco de acero, Underworld USA, La casa de bambú, 40 guns son citas obligadas.
75) BERGMAN + ANTONIONI: Por último no podemos dejar de mencionar que este año fue tristísimo para el cine por las muertes el mismo día!!! De dos gigantes como Ingmar Bergman y Michelangelo Antonioni. El 30 de julio quedara como un día nefasto para el cine, y no me vengan con que fue una casualidad eh! Y no es que sea muy místico pero… es cosa de mandinga! Que decir sobre estos directores que no se sepa o que no haya sido dicho ya infinidad de veces? Nada… mejor ver todas sus películas. Ya sea por primera vez los que no las conozcan, o reviendo algunas los que ya sepan de quienes estamos hablando. Es el mejor homenaje no?.