LA LIBERTAD DE SARUNAS BARTAS

Luego del visionado de La Libertad pienso: ¿De que esta hecho el cine de Sharunas Bartas? Y la respuesta que encuentro es, de imágenes.
Una obviedad ya que hablamos de un director de cine, pero en su caso esto se convierte en una revelación y en la esencia de sus films. Y que ocurre con las imágenes entonces en su cine? Se las contempla. Más obviedades. Toda imagen esta hecha para ser contemplada. Pero esto no siempre ocurre. El acto contemplativo de imágenes en Sharunas Bartas alcanza otra dimensión que no alcanza en cualquier creador. Invita a ver de verdad, a ver más.
Arena, pieles secas, para qué lado sopla el viento. Ver huellas… de personas… del tiempo. Gran cineasta del tiempo. En Bartas al tiempo lo observamos, y nos percatamos que el viento, es en realidad tiempo.
Y sobretodo ver miradas. Fijas, hacia la nada, pero fijas. Potentes. Es un cine de acción interior, sostenido solo a partir del peso de la mirada humana que carga de tensión a lo mirado. La de una niña puede provocar un sentido de desolación inmenso. Cuando un ser muere, sus ojos dicen lo mismo que cuando estaba vivo.
Contemplar el entorno natural. Plano General: Naturaleza. Primer plano: Hombre. Pasando de un plano a otro indistintamente se dialoga sobre la relación/tensión entre el hombre y su medio. Los paisajes tienen cualidades humanas; intensos, emocionales, vehementes. Los humanos cualidades propias del paisaje; áridos, secos, estáticos. Los rostros son piedras. A las ropas, los cabellos, los mueve el viento, a las personas no. Las erosiona, como a las rocas. La condición del ser humano en un ambiente natural hostil, como la brisa, como el ruido constante de las olas. Tan hostil como el sol, sin nada que lo detenga, alcanzándolo todo y creando a su paso… sombras. Pero la violencia es del hombre, no de la naturaleza, la naturaleza es implacable, no violenta.
Pensará el lector, que entonces el cine de Sharunas Bartas es como el arte perdido de los cineastas mudos. Si, pero también es limitada la respuesta, porque Bartas obliga a escuchar mejor. Por más que los personajes en su cine prácticamente no produzcan discurso alguno, Si no dicen es porque el mar dice por ellos. Las pocas palabras son piedras arrojadas al viento, que las desparrama por ahí, como a la arena. Así, hablan los silencios, y cuánto! Hay sonidos espeluznantes, como el aletear de las moscas antes de posarse sobre un rostro.
Así, una caricia entre tanto laconismo puede provocar lágrimas. Alivio… respiro… dos cuerpos al fin, se tocan lentamente. ¿Significara que en ese momento, el cine de Sharunas Bartas al fin cree en algo? ¿Vislumbra acaso, esperanza en la humanidad? ¿Nombrándolo? ¿Cree en Dios? ¿En religión alguna? ¿En la piedad? No, todo esto es ilusión, solo presagio de un dolor mayor que vendrá.
Implorar, es el único gesto humano factible antes de morir.
¿Ver? Si, VER.

TEXTO PUBLICADO EN EL DOSSIER DEL CICLO DEDICADO AL CINEASTA LITUANO SARUNAS BARTAS QUE ORGANIZO EL CINELCUB "LA QUIMERA"

JOHN CASSAVETES EN CINEFILOS BAR!!!

El martes 8 de abril larga en Cordoba el ciclo dedicado al genial, imprescindible, ultraindependiente John Cassavetes. Para quien esto escribe, uno (sino el mas) de los cineastas mas importantes e influyentes de todos los tiempos. Absolutamente toda la historia del cine independiente mundial (no solo el norteamericano) estara en deuda eterna con el cineasta neoyorkino. Sus peliculas, sin embargo, son muy dificiles de ver y conseguir por lo que no se pierdan la oportunidad de disfrutar y apreciar este verdadero evento cinematografico.
La primera proyeccion de este martes 8, sera la de su primer film "Shadows" ("Sombras").
La cita es en Cinefilos Bar (Bv. San Juan 1020) todos los martes de abril y mayo a partir de las 20 hs.
Al finalizar las proyecciones de las peliculas se realizara una charla y posterior debate a cargo de quien esto escribe.
Por la programacion completa chequeen el flyer que pego arriba.
IMPERDIBLE!!!!!!
(JE, y no se crean que lo digo porque yo lo presnto eh)

LA SEÑAL - CINE ARGENTINO

Paro variar un poco las tematicas del blog, y mientras preparo la respuesta sobre cine, censuras, ideologias y otras yerbas, les subo tambien una nota que escribi y que salio publicada en una revista cultural nueva llamada Dadá. Busquenla, es gratuita, esta muy buena (la revista, no la nota, je), tiene un diseño muy copado y se consigue en centros culturales de la ciudad. La nota viene un poco a pedido tambien de quienes querian mi opinion sobre le cine argentino reciente y la peli de Darin "La señal". Situacion compleja la de nuestro cine nacional! En la nota apenas si se mencionan por encima algunas problematicas que se pueden seguir tratando y debatiendo en posteos siguientes. Va la nota:

EL CINE ARGENTINO EN LA ENCRUCIJADA.

Al igual que el caso a resolver que se le encarga al detective privado Corvalan (Ricardo Darin) en La Señal, debut en la dirección del propio actor, rastrear y analizar el estado actual del cine nacional no es tarea para nada sencilla para este cronista. Corro serios riesgos de terminar enredado en una maraña de intrigas e intereses encontrados que solo pueden llevarlo a un estado de perdición total. Pero el gusto al riesgo, o tal vez, como a Corvalan, la promesa de una bella mujer al final del recorrido, me obligue a calzarme el sombrero, poner el atado de Chesterfields en el bolsillo del sobretodo gris e iniciar las pesquisas.
Para intentar investigar un presente es necesario revisar el pasado y en los últimos diez años, sabemos, se ha producido una muy interesante renovación, temática, estética, generacional de todo nuestro cine. Lo que se dio en llamar “Nuevo cine argentino”. La aparición de jóvenes directores con muchas ganas de derribar rancias estructuras, mostrando nuevas formas de contar y filmar, produjeron un fenómeno no solo a nivel nacional sino también a nivel internacional. Los nombres de Lucrecia Martel, Adrián Caetano, Pablo Trapero, Martín Rejtman y Daniel Burman eran moneda corriente en los más importantes festivales de cine del mundo.
Hasta ahí el panorama era claro. El cine argentino era nuevo, era independiente, era joven, era distinto y era muy bueno! Surgió detrás de estos nombres, un grupo cada vez mayor de cineastas que se sintieron envalentonados por estos aires de renovación y las propuestas del cine argentino ganaron así en innovación y frescura.
Pero a todo proceso de maduración le aparecen las dificultades, o como a todo buen protagonista de un film negro, le aparece el objeto tentador. En la vida de Corvalan entra en juego una hermosa mujer impulsada por el deseo y la ambición de poder económico, el dinero que todo lo pierde. “Femme fatale”, según el diccionario del genero, que lo arrastra al abismo. El nuevo cine argentino fue tentado por las mieles de la crítica (la bella mujer), y quiso más. Quiso también el poder económico en la masividad del público asistiendo a las salas (el botín). Pero esto no se produjo. Los films novedosos y arriesgados que los entendidos alababan, eran rechazados por el gran público. Empezaron así los cuestionamientos, las divisiones y los enfrentamientos.
Eran necesarios films de mayor alcance popular para poder sostener una industria de cine que se pretendía creciente y en proceso de expansión. Solo que en ese paso, se perdió el riesgo y la originalidad de los films “nuevos” e independientes
La incapacidad del instituto de cine (INCAA) para proteger y ayudar a la promoción de estos films de factura amateur, sumados a los ataques reiterados e interesados de los referente críticos de los principales diarios del país (Clarín y La nación sobretodo, formadores de opinión y digitalizadores caprichosos de los que el publico “quiere ver” cuando compra una entrada de cine), provocaron la huida de las masas que empezaron a darle la espalda a estas nuevas camadas de realizadores que se iban formando. Generando una división, un tanto forzada es cierto, entre un cine de características mas independiente y marginal, y otro de cuño mas comercial e industrial, o al menos con mayor apoyo oficial.
Así, los mejores films nacionales se empezaron a producir al margen del INCAA y de los intereses comerciales creados. Lo que dificultó que estos “pequeños” grandes filmes puedan sobrevivir en la taquilla y que sus directores puedan encontrar financiamiento para poder seguir con sus interesantes filmografías. Y me refiero a una larga lista de nombres de jóvenes con grandísimo talento como Lisandro Alonso (Los muertos, La libertad) , Ezequiel Acuña (Nadar solo), Luis Ortega (Caja negra), Santiago Loza (Extraño), Albertina Carri (Los rubios), Celina Murga (Ana y los otros), Rodrigo Moreno (El custodio), Ariel Rotter (El otro), Ulises Rosell (Bonanza), Esteban Sapir (La antena), Juan Villegas (Los suicidas), Diego Lerman (Mientras tanto), y un largo etc. De entre estos, cabe destacar un caso como el de Lisandro Alonso, quien considerado por el status critico mundial como uno de los cineastas del futuro. Alabado en el festival de Cannes como un autor fundamental del cine contemporáneo y que, en nuestro país, no estrena sus películas en circuitos comerciales porque considera, ahogan su propuesta diferente y ecléctica, marginal a toda lógica y estética de mercado. La incapacidad del INCAA y de los medios de comunicación para proteger a un cineasta como Alonso, y nuestro timorato miedo como espectadores para arriesgarnos a una propuesta tan lucida como la de Alonso, logra que aquí no podamos ver las películas que en Francia son un éxito, tanto de público como de consideración crítica.
Si bien es cierto que a veces las propuestas de estos realizadores suelen ser reiterativas y condescendientes también hacia un reducido sector de publico y critica que los apoya.
En este proceso fue clave el nombre de un excelso director, Fabian Bielinsky quien con Nueve reinas y El aura, demostró que era posible esa conjunción de calidad estética y afluencia de gente las salas de cine. Pero ocurrió lo impredecible y Bielinsky falleció el año pasado, y su deceso es grave para el cine nacional. Muchos de los otros intentos de conjugar ambos estados fueron en su mayoría defectuosos. Exceptuemos de la lista, los casos de Damian Szifron, Enrique Piñeyro y Adrian Caetano.
Lo viejo contra lo nuevo. La puja entre un cine rentable que es ya es viejo antes de salir (por mas que sean jóvenes sus directores, como en los casos de Tocar el cielo, Elsa y Fred, El boquete, XXY y Nordeste) por basarse en viejas formulas remanidas de lo que se entiende por “nacional” y otro que es novedoso pero que necesita de aire, espacio y tiempo para crecer como propuestas sólidas y encontrar así su publico, que puede ser masivo pero que no se forma de un día para el otro y que requiere de paciencia. Esa mala palabra para el mercado.
Por otro lado, se insisten en ridículas propuestas de cuño desagradablemente comercial que si son éxito masivo de público y se estrenan en las salas de todo el país sin prurito alguno y que cuentan con el aval de exhibidores y distribuidores, y del apoyo mediático fundamental de los holdings empresariales y comunicacionales. Caso de las recientes Incorregibles, Isidoro, Mas que un hombre, así como el año pasado Bañeros 3.
Así el estado de las cosas y la espiral esta siendo descendente, este año que termina es el peor de los últimos diez años en nuestra cinematografía. La ilusión es que sea solo un mal momento, y se resuelva las cuestiones coyunturales para no terminar
-no quiero adelantar mucho el final- como Corvalan en La señal, un film correcto que intenta un cine de alcance masivo sin pelearse con la calidad artística.
Momento muy particular vive nuestra cinematografía nacional. Que creo interesante resaltar porque necesita de debates serios para ser resuelta lo que llamo esta situación de encrucijada. Para que esto no ocurra se requiere nuestra participación activa y responsable como espectadores.

Alejandro Cozza

PROMESAS DEL ESTE

Confieso sentir una terrible envidia por mi viejo que ha podido ver la nueva del enorme David Cronemberg en los cines de EE.UU. "Eastern Promises". Acá la prometen recién para el año que viene, malditos!
Va su comentario del film mientras esperamos ansiosos en el sur del mundo a que alguien se digne a traérnosla:

“Ale, esta semana estuve muy ocupado y no pude sentarme
a escribir. Asi que va mi vision mas en frio, mas
meditada de la ultima de Cronemberg.
Si me preguntas ahora cual es la pelicula que mas me
quedo entre las que vi el año pasado te contestaria
que fue "Una historia de violencia". Esa fue la razon
por la cual apunte hacia Estern Promises apenas
aparecio en cartelera.
No es la segunda parte de "Una historia de violencia".
Pero podria serlo.
No es "El Padrino" de una familia rusa.
Pero podria serlo.
La clave de la pelicula esta en su titulo: Promesas
del este. Y va una pequeña explicacion.
El fenomeno de la globalizacion tiene como una de sus
caracteristicas el facilitar el traslado de las
personas de un pais a otro. Y el mostrar a personas
las virtudes (aunque normalmente no los defectos) de
otros paises. Y hacer soñar a los que emigran con
venturosos futuros.
Inglaterra, y en particular Londres, es receptiva de
gran cantidad de emigrantes de otros paises y se ha
convertido en quizas la mas cosmopolita de las
capitales.
Los cambios producidos en Rusia desde la
desintegracion de la que era la URSS llevaron a
Londres a buena cantidad de rusos. Es interesante
comentar el reciente caso del asesinado ex-espia ruso
en Londres donde, una vez mas, la realidad supero la
ficcion. Residia en Londres, ya era ciudadano ingles,
y se reunio en un restaurante con un personaje cercano
al presidente ruso (otro ex-espia). A los pocos dias
murio por envenamiento con plutonio cuyos rastros
radioactivos se encontraron en el restaurante.
Le siguio un un entredicho diplomatico entre los dos
paises y todavia no esta dicha la ultima palabra.
El recuerdo de esta historia es inevitable al mirar la
pelicula.
Vuelvo a Estern Promises. Las promesas del este son
aquellas hechas a los que fueron de Rusia a Londres
para caer en las redes de la organizacion criminal.
Se muestra con acierto un tema que me apasiona: el
bagaje cultural que las distintas comunidades
depositan en cada persona y el efecto cuando se
producen traslados a otra sociedad.
Hay una pequeña entrada, una puerta que se abre
solamente a los rusos para entrar a ese lugar donde el
idioma, las reglas de juego y la violencia son solo
rusas. El chofer no es por casualidad chofer. Es el
contacto entre dos mundos diferentes, el de una
pequeña Rusia que vive en Londres y la comunidad
organizada como nacion que es Inglaterra, con
distintas reglas sociales. Lleva y trae. De una
cultura a otra.
Es otra historia de violencia porque es una nueva
exhibicion de esa mania que tienen los humanos de
matarse entre si de mala manera. Es otro padrino
porque asi como existio una Italia mafiosa en los
Estados Unidos existe una Rusia con su herencia
violenta en Inglaterra.
No me animo a calificarla la pelicula. Seria buenisimo
escuchar otras opiniones. Desde ya que es buena
pelicula. Quizas el año proximo sea otra que quede en
mi memoria filmica.”

Alberto

BUCAREST 12:08

Al fin se estreno en Córdoba en DVD, el film rumano Bucarest 12:08. Lo vi en cine meses atrás y me pareció increíble. Ya perfilaba como uno de los mejores films del año. Ahora que el 2007 llega a su fin, constatamos que efectivamente Bucarest 12:08 es uno de las mayores alegrías cinematográficas que nos deparo este año que se nos esta yendo. En su momento escribí este comentario que anexo mas abajo sobre el film, en la revista del Cineclub Municipal:

Recientemente, La noche del Sr. Lazarescu nos dejaba una manifiesta incomodidad en el estomago, mientras seguíamos las miserias de un hombre deambulando por los hospitales públicos de Rumania: el lejano país de Europa del este, con el atraso sufrido durante la era comunista, parecía estar acá nomás, a la vuelta de la esquina!.
Nueva incursión a los cines para ver la segunda película rumana estrenada en la temporada, Bucarest 12:08. Constatación de la inquietud: Rumania queda muy cerca! Es más, si se agarra la circunvalación seguro se llega! Corten cualquier escena del film y aplíquenla de fondo sobre cualquier momento de nuestra criolla cotidianeidad y verán que encaja perfectamente. Y uno que buscaba descubrir una cinematografía exótica!
En el film, al “viejo” Piscoci le encanta tirar petardos en la entrada de su edificio, cuando le dicen que esta grande para andar con esos juegos, le hecha la culpa a los chicos que corren ante el estampido: “Ellos fueron! Ellos fueron!”. Alegoría política?
Manescu, el profe borrachín de historia, sabe que si aparece en la tele contando que estuvo en la plaza antes de las 12:08 (momento en que cae la dictadura de Ceaucescu) se convertiría en el verdadero revolucionario del barrio obteniendo así una especie de redención. O al menos eso piensa él.
El periodista Jderescu cree que citando a Heraclito y Platón, su programa se tiñe de trascendencia y seriedad, disimulando su amarillismo, xenofobia e intolerancia. “¿Cómo puedo distinguir a Platón de Sócrates si los dos tienen barba?”. Le pregunta su mujer
Gran parte del film transcurre dentro de un pequeño estudio de televisión. Filmado solo a través de la subjetividad de la cámara televisiva manipulada por un joven camarógrafo que la mueve todo el tiempo porque dice, así se filma de forma moderna, sin encontrar jamás el foco, un encuadre correcto, y ni digamos, remotamente bello. Menos aún si el único decorado del programa es una espantosa foto de fondo con la bendita plaza donde supuestamente se generó la revolución. Que a fin de cuentas: ¿No sé si hubo o no? Pero si sé, de seguro, que las últimas muestras del cine rumano están revolucionando el anquilosado panorama del cine europeo.
Con elementos visuales tan aparentemente horribles. ¿Se puede lograr una obra maestra del cine político moderno? Sí, Bucarest 12:08 lo es. Y mejor aún, es increíblemente divertida. El novel director Corneliu Porumboiu sabe que si hay lugar para revoluciones hoy en día, que mejor que hacerla con una sonrisa de oreja a oreja. Y así, ¡Abracadabra! hasta el patético trío protagónico resulta embriagadoramente encantador.

Alejandro Cozza

LA ADICCION

Recomiendo rápido una obra maestra que vi también esta semana y me dejo extasiado. “La adicción” de Abel Ferrara. Ya hablaremos seguro mas adelante sobre este director con mas tiempo, otro fundamental del cine norteamericano de los últimos 20 años, pero en su veta ya sí, mas artística y autoral. Hacia años que quería ver esta película (ya tiene casi diez desde que fue filmada). Es una film independiente cuasi experimental (como casi todo Ferrara) en blanco y negro en donde la gran Lily Taylor es mordida en un callejón por una mujer vampiro y desde allí se dedica a desgarrar yugulares a todos sus amigos y conocidos mientras recita a Nietzche y Kierkegaard. Mientras hace un paralelismo, con el tema del vampirismo, sobre la adicción a las drogas y al holocausto judio en la segunda guerra!?!?!? Gloriosa! Imperdible! Una de las mejores de Ferrara, y eso es mucho decir!

VITUS

Frente a la flagrante y vergonzosa vagancia para escribir y actualizar el blog del corresponsal argentino, o sea YO (que dirá que esta muy ocupado y que no tiene tiempo para nada últimamente, pero sabemos que en el fondo son solo burdas excusas para esconder su desidia y desgano), tenemos que recurrir para mantener el sitio activo (por suerte lo tenemos!) al corresponsal norteamericano (Alberto, mi viejo, como ya sabrán los lectores) que le salva las “papas” al argentino y que le envía periódicamente notas de gran nivel sobre los últimos estrenos ocurridos en el país del norte. En este caso se trata de una película suiza (hay cine en Suiza!, además de chocolates, montañas y relojes), “Vitus”, de un director por mi desconocido, Fredi Murer, pero que viene precedida por buenas criticas. Ah, y actúa el enorme Bruno Ganz (como olvidar su papel en “Las alas del deseo”), este suele ser garantía de buen cine. Ojala se estrene acá y la podamos ver y hacer nuestro comentario por estos lados. Mientras tanto, para ir anticipándola, va el comentario de Alberto, y esperaremos pacientemente a que Alejandro vuelva a tener tiempo para ver cine en su vida (siguen las vergonzosas excusas!) y se le descongelen los dedos para escribir sobre ello:

Ale,
te anticipo que esta puede ser otra polemica.No se como se llama o se llamara por aquellos lados esta pelicula. Aqui se llama "Vitus", es de origen suizo y cuenta la historia de un niño prodigio.
La fui a ver siguiendo los consejos del critico de mi periodico favorito. Decia que era un analisis de lo que significa el ejercicio de la paternidad de un niño super-dotado y que la pelicula es para disfrutar.
Pero esta vez disiento con el y aqui es necesaria tu opinion para desempatar.
Para mi, la pelicula se maneja en diferentes niveles. El de la histora lineal, el del significado final y el del gustito amargo que te queda al dia siguiente.
Es cierto, la historia lineal es sobre un niño prodigio y el comportamiento de su familia y el medio. Pero despues de la mitad de la pelicula te das cuenta que fue una trampa. El real tema es el sueño de las sociedades del primer mundo en tener perfectas familias, hijos super inteligentes, convertirse en millonarios, tener exito artistico y de yapa triunfar en el amor imposible. Es demasiado?. No para los cuentos de hadas hechos a medida. Cuando eramos niños (si ya se, hace muuucho tiempo atras) nos ibamos a dormir felices porque el principe azul mato al dragon y se quedo con la princesa. Hoy en algunas partes se van a dormir felices porque el genio azul gano una fortuna haciendo malabarismos financieros por Internet y se levanto una mina.
Hasta aqui la pelicula es para disfrutar como dice mi critico.
Pero ahora viene la decantacion del dia siguiente.
Que quiso hacer realmente el director? Que quiso decir?. Quiso reflexionar sobre los niños prodigios?. Le salio muy mal.
Quiso contar un cuento de hadas?. Le salio muy bien.
Es un exponente de esa sociedad el contar un cuento de hadas sin ir mas alla? Es tristisimo. Es una sutil critica social siguiendo la via del absurdo?. Esta buenisima.
A esta altura de la decantacion, me quedo con la ultima.
Espero tu opinion.

TU, YO, Y TODOS LOS DEMAS

Parecía que este año el cine independiente norteamericano no iba a dar mucho, no aparecían grandes cosas, hasta que llego ella; Miranda July con “Tu, yo, y todos los demás” y pateó el tablero, es una joyita indie. Una hermosa película hecha a puro cerebro y corazón. Ideas y mas ideas, eso necesita el cine, y Miranda July tiene para tirar al techo, y mas aun, tiene una mirada, eso que tanto falta también!. No me quiero ilusionar, pero creo que nace una cineasta importante.
Por momentos la veo como una equivalente femenina de Wes Anderson, creo que juntos harían linda pareja. Sus personajes, como los de Anderson, son tan freaks, al mismo tiempo tan comunes, tan sensibles, tan encantadores, tan patéticos, tan solitarios, y con tanto para dar, pero, obvio, no saben como. Y están rodeados de un mundo que los entiende menos todavía, o que no entiende a nadie, y que entre ellos tampoco lo hacen demasiado ya que sus códigos comunicacionales les son solamente propios, pero no importa, así viven, y hacen y trabaja y siguen, sin tantos planteos, deseando el calorcito de un amor, no mucho más, y sí, mostrarle al otro lo que hacen, sus ocupaciones. Creo que tanto Wes Anderson como Miranda July son cineastas laborales, es decir, físicos y manuales. Muestran lo que hacen, el resultado de sus trabajos (lo que son como seres “ocupacionales”), ya sean artistas plásticos, vendedores de zapatos, oceanógrafos, o alumnos de un colegio en donde tienen que presentar algún proyecto de ciencia. Lo que sea, solo que en ello depositan su cariño y sus complejas emociones, esas que les cuesta tanto expresar. Es una nueva generación de cineastas norteamericanos, no hay dudas (podemos sumar al grupo a Andrew Bujalski, a David O. Russell, a Spike Jonze, a Paul Thomas Anderson, a Charlie Kaufman, a Michel Gondry y, porque no? A Sofia Copolla) y Miranda July se ha anotado en la lista… y su opera prima ya toma ventaja. Que vengan más películas así! Chiquitas, sensibles, sin pretensiones, inteligentes y amables. Las necesitamos!

REYES Y REINAS

Anteayer me pedía justamente un lector del blog un comentario sobre Reyes y reinas, film que acaba de ver la noche anterior, a si que, va la opinión del film:
Venía escuchando y leyendo en los últimos años que el mejor cine francés contemporáneo descansa en tres nombres: Olivier Assayas, Claire Denis y Arnaud Desplechin. De los dos primeros había tenido oportunidades de ver varios films y poder constatar esta afirmación, me parece lo mas interesante que ha dado el cine galo en los últimos diez años, al menos del pelotón de los jóvenes (no cuentan en este corral los nouvelle vaguistas). Y tras ver Reyes y reinas de Desplechin, primer film que llega a nuestro país de este director, puedo afirmar que si, el cine francés efectivamente descansa en este tridente. Pondríamos sumar a Bruno Dumont y a Francois Ozon (y porque no al francoargentino Gaspar Noe) al equipo pero la irregularidad de la obra de ambos mas su gusto a veces por la provocacion un tanto barata los hace estar unos escalones por debajo de Assayas, Denis y Desplechin. Sí, tampoco podemos olvidar a Laurent Cantet y Robert Guediguian, pero las últimas obras de ambos no están a la altura de lo que prometieron en un comienzo.
Y la excelente Reyes y reinas me abre le apetito para querer conocer mas de la obra de este director que se mueve, según lo visto en el film, con muchísima soltura del drama intimista y desgarrador, a la comedia fina pero con igual dosis de desparpajo. Con quiebres narrativos realizados con gracia y absolutamente pertinaces a la narración. La mezcla de registros, más la muy planificada actuación de sus interpretes, Desplechin debe ser de los cineastas que mejor aúnan teatro y cine sin que esto sea evidente ni moleste al espectador. Todo el film se centra en la pareja? Protagónica con los muy brillantes Mathieu Amalric (visto en la excepcional Fines de agosto y principios de septiembre de Assayas) y la gran Emanuelle Devos. Uno con la simpatía y el encanto del clown caído en desgracia, la otra con al frialdad para enfrentar los fantasmas del pasado y los del futuros que se avecinan. La película va acumulando así, capas de significados con cuidada inteligencia. Uno de los mejores films franceses del año.

LA VIDA DE LOS OTROS

Lo que empezó como un comentario mio en un mail que le envié a mi viejo que vive en Memphis (Estados Unidos), terminó en una interesante y extensa polemica en torno a La vida de los otros que me interesa reproducir en el blog para ver y demostrar a veces la cantidad de miradas que puede tener una obra cinematográfica. Mi viejo me la había recomendado tiempo atrás cuando aquí aún no habia llegado, y como confió en su gusto cinematográfico y su buen criterio de análisis, me había entusiasmado. Y bueno, en esta no coincidimos mucho, pero, lo bueno son las razones de la discusión que va tomando cariz hacia otras cuestiones y hacia otras películas (caso de El libro negro y Bucarest 12:08)… Vamos con la polémica….


Hoy justamente vi La vida de los otros, la alemana ganadora del Oscar y bueno, la verdad, me gusto poquito... Voy a tratar de escribir más extenso sobre ella en el blog si hago tiempo, pero hay como varias cosas que me hicieron "ruido" mientras la veía. Una, los malvados que son los tipos socialistas del estado de la Alemania Oriental (termino la guerra fria no?), unas caricaturas malísimas que hacen que la pelicula se torne dudosa en sus intenciones. Que muchas cosas seguro que son ciertas, sí, pero... en las democracias occidentales se comenten atropeyos peores. Por eso habrá ganado el Oscar? Y la otra, o a causa de esto justamente, resulta un film en donde los buenos momentos son arruinados en otros culpa de este trazo grueso que hace que su supuesto contenido humanista se quede en eso, es supuestos. Digamos que me parecio una pelicula que borra con el codo bestialmente lo bueno que iba escribiendo con la mano. Lastima, porque la historia en si es buena y los personajes y las actuaciones tambien. Pero me suena hecha por un director que no tiene muy en claro algunas cositas ideologicas, o al menos sin el valor suficiente para llevarlas hasta las últimas consecuencias.


No estamos tan de acuerdo con La vida de los otros.
No creo que el tema de la pelicula es demostrar que los dirigentes de la Alemania Oriental eran malos tipos. Tan malos eran que se cayeron solos. Tampoco creo que sea una caricatura. La realidad muchas veces se parece a una caricatura que ninguna pelicula podria igualar, y esto es al margen de las ideologias. Si alguien hiciera una pelicula con nuestro General Luciano Benjamin Menendez seguro que muchos dirian que es una caricatura. Si tenes tiempo podes ver en Youtube una seleccion de las mejores gansadas de George Busch. Dificulto que alguien pudiera hacer una mejor pelicula de caricatura que la realidad misma. A mi me emociono bastante porque recorde lo que pasamos nosotros en la epoca del gobierno militar y mis propias vivencias personales. No senti nada exagerado ni ideoligico.
El tema de la pelicula es el descubrimiento de la verdad y la caida de la venda de los ojos. Es un gran tema porque a todos nos puede pasar (y nos pasa) que creemos en una verdad, en una forma de vida o en una organizacion social hasta que descubrimos que algo no funciona. Y nace otra verdad que se impone a la anterior. No creo que sea ideologico en este caso, es simplemente el testimonio que vivio la gente en Alemania. Si has visto Good bye Lenin te daras cuenta que es parte del mismo proceso de cambio de la sociedad.
Con esto queda abierto el debate. Espero que aparezca el tema en el blog para seguirla.


Como explicarte las cosas que me molestaron de la pelicula… No niego sus valores pero..., es mas, me llama la atencion que hablando con distintas personas sobre ella (gente de tu generacion en su mayoria), a todos les encanta por cuestiones similares a las que me mencionas (creo que soy la unica persona ala que le molesta la pelicula), pero... no sé, te voy a poner un ejemplo nomás (la proxima me explayo más, sobretodo con la cobardia de los cineastas alemanes actuales a la hora de tratar temas históricos, llamese La caida, Sophie Scholl, Good bye Lenin, Los edukadores, El noveno dia, todas películas que me molestan bastante). En un momento del film, el hombre "bueno" (fea simplificacion) que hace la escucha lee un informe de la noche anterior en donde se reconcilia el escritor con su mujer la actriz (en un papel para escribir largo y tendido mas adelante por lo desaprovechado que esta y, nuevamente, simplificado) y se imagina como estos tienen sexo. Hay una serie de imagenes sobreimpresas de la pareja en el acto sexual pero me detengo en una de esas imagenes que me molesto y llamo poderosamente la atencion, dura apenas unos segundos y casi no se nota. En ella esta la pareja reposando luego del acto y la mujer en una posicion incomoda e imposible tiene una mano sobre su pecho, es decir se tapa la teta con su mano en una posicion imposible e irreal y por ende absurdamente falsa. La imagen pretende ser bella pero en su pudor, es irreal y por ende falsa, y por ende horrible. No es creible nunca y peca de puritana y conservadora. Pretende ser algo que no es. Hubiera sido bueno y valiente ver el cuerpo maduro de la mujer, es decir, la intencion es buena, sexo entre dos personas maduras (y no jóvenes bellos), pero arruina la intencion. Es decir, pretende ser algo que luego no se anima a ser, tira la piedra y esconde la mano, no llega más lejos. Un director que es capaz de filmar y planear una escena asi, no sirve para nada, por buenas que sean sus intenciones. Esa imagen me dejo la sensacion que tenia sobre la pelicula y me la graficó toda. Eso de intenciones buenas pero por falta de talento, o intencion de llegar a mayores audiencias, o ganar oscares la alejan de alcanzar mayores cuotas de realidad y verdad. No niego de que la verdad supera la ficcion, pero el film cae en reduccionismos, para mí graves. Eso si, ojo, no niego la implicancia y lo que puede significar el film a las personas. Sobre los sentimientos que despierta cualquiera fuere la pelocula en un espectador, no hay persona ni critico que pueda refutar ni negar ni decir que son malos.
Para colmo, anteayer fui al cine a ver una película rumana que es absolutamente perfecta. Se llama Bucarest 12:08 y ojala puedas verla por alla. Es la absoluta contracara de La vida de los otros. Ver esa película hizo que me molestara mas aun con el film aleman. Trata temas muy similares, es decir, lo que fue y lo que queda de la Europa comunista. Pero el film rumano es de una complejidad tal que roza la genialidad durante varios momentos. Y lo hace sin pretensiones de seriedad e importancia, todo lo contrario ya que es una comedia divertidisima. Y muestra lo que fue y lo que es hoy con unos detalles realmente lucidos, inteligentes y abarcadores. Y lo hace todo con un solo escenario durante 40 minutos que es el de un estudio de televisión! Para colmo, la forma es brillante, hasta se permite reflexionar sobre la escencia del cine. Te lo recomiendo de veras. Creo que estara de seguro en mi top five de fin de año, JA.


Comienzo (para terminarla) con algun comentario mas sobre la pelicula La vida de los otros. Alemania es un pais con algunas especiales caracteristicas. Su gente tiene el estigma del nazismo todavia fresco en su conciencia colectiva y hasta hace poco toda referencia a esa parte de su historia era cuidadosamente evitada. La reunificacion de Alemania, ocurrida hace 17 años, todavia es un proceso en vias de integracion y
subsisten grandes diferencias en sueldos, productividad y vision sobre ese otro pasado.
Por otra parte, Alemania fue la cuna del ptotestantismo religioso (Martin Luther) que fue la reaccion de protesta contra los excesos de la iglesia catolica. Te recuerdo que por aquellos tiempos (fines del 1.400 y comienzos del 1.500) los conventos eran acusados de ser prostibulos, el Papa Borgia tenia un hijo de su hija Lucrecia, algunas fiestas en el
vaticano terminaban en orgias, la venta de indulgencias alcanzo un grado de mercantilismo intolerable, etc. etc. Esta reaccion fue puritana y entre otras cosas condenaba el sexo que no fuera dentro del matrimonio y con fines reproductivos. A todo esto, no se si la directora de la pelicula es del este o del oeste, si es de una familia protestante o no. Pero quizas su origen explique las escenas que no te convencen tanto. Tambien puedo decirte que sin ser la gran pelicula representa la introspeccion, la busqueda de la sociedad en su pasado, que se muestra en varias de las ultimas peliculas del cine Aleman. Que me parece mas rescatable y valioso que el cine italiano, por ejemplo, del cual no pude ver nada interesante desde hace años. No podes ver esto con
ojos argentinos solamente o con la estetica de Hollywood. Punto.
Y con menos palabras te cuento que fui a ver Black Book, la ultima pelicula de Paul Verhoeven. El siglo pasado (cuando era jovencisimo) circulaban las revistas "comoic" El Tony y D'Artagnan que basicamente eran historias ilustradas para adultos. Algunas muy buenas que se convirtieron en clasicos y objetos de arte por la parte grafica. Esta película recoje la estetica y la forma de relato de esos comics y los lleva a la pantalla con la enseñanza de los años de Hollywood pero con esencia europea. El resultado es
una pelicula entretenida y con muy buena fotografia.


Me esta gustando esta polémica en torno a La vida de los otros. Es interesante no? Es más pensaba si te parece publicarla entera en el blog, ok? Puede quedar bueno.
Y bueno, justamente haciendo referencia tocaste EL tema al que me interesaba llegar y el que me viene generando dudas y al que le destino algunos pensamientos. Y es precisamente el del “ajuste” de cuentas de Alemania con su pasado. A ver por donde empezamos… Existe un libro muy interesante escrito por un tal Sigfried Kracauer que se dedico a estudiar al cine alemán previo a la llegada del nazismo, se llama “De Caligari a Hitler” y su nombre lo dice casi todo. El periodo previo al nazismo el cine alemán se encontraba dominada por una tendencia artística y estética denominada “expresionismo” (proveniente de la pintura obvio) y que dio grandes películas a la historia del cine, que en general tenían ciertas líneas temáticas similares y obsesiones estéticas recurrentes en un grupo de cineastas. Y que si, como muy bien mencionás, tiene que ver con la historia previa de Alemania, así como con el estado social que vivía el país luego de perder la primera guerra mundial. O sea, un cine oscuro, pesimista, tenebroso, tétrico y escabroso en cuanto a sus historias relatas. Así aparece la celebre El gabinete del Doctor Caligari, en donde el tal Caligari era un hipnotizador malvado que hipnotizaba a su ayudante para que cometiera los peores crímenes. Metrópolis, M (sobre un asesino serial de niños) y El testamento del Dr. Mabuse, todas del gran Fritz Lang (un tipo con muchos demonios dentro). Nosferatu de Murnau, sobre la leyenda del hombre-vampiro. Lulu o la caja de Pandora, la historia de una prostituta que cae a manos de Jack el destripador. Bueno, a lo que voy es que el libro nos dice que desde la pantalla cinematográfica se prefiguraba la llegada del peor monstruo, Hitler. Es decir que algo había en el inconciente colectivo alemán (claramente expresado en su arte y sus películas, para que engendrara a ese monstruo). O sea, no es producto de la casualidad, ni un malo que llega del espacio exterior. El pueblo, la gente, ayudo a engendrarlo. Algo que sin dudas ocurre en cualquier país con cualquier monstruo que lo gobierna. Llámese Hitler, Bush, Pinochet, Videla, Ceausescu, Saddam Hussein, etc.
A lo que voy, es cierto entonces, y supongo que hasta loable, que el cine alemán ajuste cuentas con su nefasto pasado (es cierto que muy pocos países lo hacen, e Italia ni por asomo lo logra, salvo la muy buena y reciente Il caimano del enorme Nanni Moretti que se mete cara a cara con Berlusconi con mucha lucidez y con una dosis de humor que vuelve mas salvaje aun su ataque al “caimano”. Me estoy convenciendo que la mejor forma de denunciar y combatir las atrocidades del pasado es con las armas del humor como ocurre con la película rumana que te cité Bucarest 12:08).
Ahora, habría que ver teniendo en cuentas eso ajustes, cual es la verdadera intención, ya que tanto en La vida de los otros, como en Sophie Scholl, La caida, El noveno día, Good Bye Lenin, etc. Los malos, sean jerarcas nazis o jefes de la Stassi son seres muuuy malignos, extremadamente malos, mientras que el pueblo son solo “hombres buenos”, artistas luchadores, gente inocente que sufre los embates del mal. Ahí el problema del estereotipo que te mencione la primera vez, que no dudo su veracidad, pero si el lugar de victima que sufre le pueblo alemán. Una tesis mostrada en estas películas que se contradice con todo el rico e interesante periodo expresionista de principio de siglo del cine alemán. Si antes mostraba el cine que eral el pueblo que crea al monstruo, ahora se muestra al mal venido de vaya a saber uno donde dominando al inocente pueblo. Es decir un film que muestre a Bush con todas sus idioteces (que de seguro son muy ciertas) tiranizando al pobre pueblo estadounidense seria un film mentiroso (como lo es en cierta forma Fahrenheit 9/11 de Michael Moore). El pueblo alemán en estas películas nunca se hace cargo de nada (cosa que si logra muy inteligentemente Bucarest 12:08). O sea, este ajuste de cuentas con el pasado me suena mucho a lavado de manos frente a la comunidad internacional. Como decir: “Perdónennos, hacemos autocrítica de lo que le hicimos a la humanidad, pero nosotros también sufrimos a estos tipos”
Rescatable por un lado pero dudoso de sus verdaderas intenciones. En eso, los reduccionismos de los personajes de La vida de los otros suenan falsos y mentirosos. Una cosa es la intención y otro lo que el discurso fílmico realmente dice entrelineas.
Y justamente tocaste una película brillante que iba a traer a colación para mostrar las diferencias y es precisamente El libro negro. Para mí, una excelente película, sí… muy entretenida porque tiene las reglas del thriller en su estructura, o sea no le importa tanto la veracidad histórica, ni Verhoeven querer ajustar nada con nadie, no lo necesita. Te cuento que Paul Verhoeven (un muy buen director) dirigió años atrás un film de ciencia ficción llamado Starship troopers, film que fue acusado por un lado por ser uno de los mas pro-fascismo que había dado el cine, mientras que otros opinaron que era una de las mas lucidas criticas al fascismo que había dado el cine, JA. Esto no significa confusión del mensaje dado por el realizador, si no todo lo contrario, daba cuentas de su inteligencia para plantear una temática compleja. El libro negro en sus múltiples capas y permanentes giros de los personajes (el estereotipo aquí sí funciona como elemento creativo y desestructurante) termina resultando una pesadilla en donde malos y buenos cambian de mascara permanentemente y a fin de cuentas los malos son los del pueblo, que se hacen los buenos y el verdadero malo no lo es tanto al fin. Ni que decir que El libro negro me pareció mucho más inteligente y verdadera por la fuerza que tienen sus personajes que La vida de los otros. Pero claro como El libro negro es solo un thriller, y no un film serio como el alemán, no gana Oscar y no tiene la fama de aquel. Algo que me molesta de sobremanera. El libro negro es ignorada en los Oscares, como también lo es Bucarest 12:08. Porque sus discursos no son simples y monocordes y pueden dar pie a confusiones. No vaya a ser que el buen ciudadano norteamericano se confunda!
Ahora, lo que si me viene a la duda con todos estos films es que son dirigidos por jóvenes cineastas bastante inexpertos. O sea la intención esta, pero… O son unos hipócritas bárbaros o no tiene aun las ideas del todo claras y en su afán por conquistar el mercado internacional se toman estas licencias y caen en los reduccionismo tan peligrosos. La duda me queda. Quiero creer que los problemas de La vida de los otros se debe a la inexperiencia y falta de talento de su director y que no sea hecho a propósito este “lavado de manos de los hombres buenos que sufren a los hombres malos”.
Eso si, reconozco que al menos se animan a poner en el tintero temáticas históricas y recientes, algo a lo que el cine argentino no se le anima ni por asomo. Y las únicas y pocas muestras de arreglo con el pasado, llámese dictadura militar, son también pobres muestras en donde el ciudadano sufre al tirano. No hay nunca un mea culpa y eso es muy cobarde. O sea, esta bien mostrar desnuda a la historia, pero no taparle las tetas a ultimo momento arrepintiéndose!

Que puedo hacer!! Es imposible dejar de contestar y seguir con la polemica. Vamos a tus comentarios. El tema del expresiomismo aleman y la pre-anunciacion del nazismo o la preparacion de la sociedad para hacer posible a Hitler, es uno de los grandes temas de la historia.
Recuerdo haber debatido con un amigo durante varias horas este dilema: son los hombres los que cambian el curso de la historia o es la sociedad que esta pidiendo, que pone a alguien en ese lugar para que dirija el cambio?. Napoleon no hubiera sido posible
sin una sociedad cansada del desgobierno posterior a la revolucion francesa. Tony Blair posiblemente hubiera sido tan gran de como Churchil en tiempos de guerra pero vivio tiempos de paz. Nuestro autoctono malvado Videla no hubiera existido sin el desastre de nuestra folclorica Isabelita. Y asi los ejemplos podrian seguir formando una larga lista. Pero... no todos los hombres son titeres de sus sociedades. Algunos han demostrado verdadero genio (para bien o para mal) y fueron mas alla de su mandato social. Van algunos nombres: Alejandro Magno, Julio Cesar, Ghandi. Y la lista podria seguir. Volviendo entonces a nuestro tema posiblemente en el caso del nazismo haya algo de los dos. La sociedad queria un Hitler, pero Hitler tenia su genio propio y fue mas alla del mandato social. Asi llegamos al segundo de tus cuestionamientos. El
nuevo cine aleman y el pueblo de hombres buenos. La real cuestion es: son los hijos culpables de los errores de sus padres?. Alemania hizo su recambio generacional despues del nazismo. Y su gente siente la necesidad de gritar que no son culpables. Que lo fueron sus padres pero no ellos. Ese es el pueblo de hombres buenos de tu comentario. Esta figura la podemos encontrar en otros pedazos de la histora. Son
los turcos de hoy culpables del genocidio armenio?. Son los blancos de hoy culpables de esclavitud de los negros en Estados Unidos?. Me temo que la respuesta es muy complicada. Objetivamente las nuevas generaciones no son culpables de los errores de sus padres. Pero los padres transmiten valores culturales a sus hijos y estos pueden llegar a ser culpables de pertenecer a una cultura. Dificil verdad?. Vamos a un par de
ejemplos. Creo que pocos alemanes de hoy son nazis porque parte esa parte de la cultura era preponderante de un hombre (Hitler) y no se transmitio a las nuevas generaciones gracias a la derrota de Alemania en la segunda guerra mundial.
Los judios de hoy en Israel, nuevas generaciones despues de la segunda guerra mundial, tienen intacto el valor cultural de la guerra y la enemistad con el pueblo arabe. La transmision de esa parte de la cultura fue todo un exito (pelicula: Munich). Y asi llego al tercero de tus cuestionamientos. Al nivel de gran vision historica y social que estamos
hablando, no existe inexperiencia o falta de talento en un director. Lo explico. Si "La vida de los otros" llego al Oscar y a la exhibicion en las salas del mundo es porque no habia mejores propuestas. Es algo asi como que la fotografia del momento de la sociedad esta tomada y es esa. Con esa experiencia y ese talento. Es asi. La sociedad no pudo producir en ese momento nada mejor.
Siempre me impresiona caminar por una plaza en Florencia. A su alrededor estan los bustos de los artistas florentinos de su epoca de esplendor, seran unos 15 o 20. Recuerdo algunos nombres: Leonardo Da Vinci, Miguel Angel, Dante, Boticelli. Por aquellos
años Florencia no tenia mas que unos 200.000 habitantes. Se me ocurre pensar que si juntaramos a todos los grandes talentos de Cordoba en toda su historia (no solamente un periodo) difícilmente podriamos poner 15 o 20 bustos en una plaza (antes estuve tentado de poner a Lorenzo de Medici en la lista de hombres con genio, sin duda lo era).
La sociedad muestra lo que tiene.
Y antes de irme a dormir un par de comentarios adicionales acerca de Black Book.
La pelicula expresamente te avisa que no es un relato con precision historica. Son los recuerdos de la muy agraciada protagonista. Y es sabido que las cosas no son como son (o como fueron) sino como una las recuerda. Esto implica que tiene la necesaria dosis de subjetividad con que cada uno miramos la realidad que nos rodea. Y su mirada es interesante. Hay malos y buenos en los dos lados. Los malos a veces son tambien
buenos. Y los buenos son a veces tambien malos. Y al final de la pelicula, no ya la parte de los recuerdos, los soldados apuntan sus armas hacia algun enemigo mas alla del kibutz (la transmision cultural de que te hablaba).
Mi cometarista de cine preferido (del "Memphis Flyer") comentando Black Book dice que si fuera una película americana con un par de artistas americanos seguramente seria la primera pelicula candidata al Oscar del año. O sea que no critiques tanto a mis
conciudadanos estadounidenses, aqui tambien hay gente que piensa.
La ultima en serio. Ya que lo nombras a Michael Moore, pronto se estrena Sicko que promete ser tan polemica como las anteriores. Reserva lugar en el blog.

HOAX

Cuando Lasse Hasltrom hará una gran película? No sé, me surgió esta duda después de ver Hoax-Estafa, su último film. No ha hecho nunca una película mala. Filma mucho, es prolífico, y siempre con una calidad indudable. Nunca decepciona, pero… Todas terminan siendo el borrador de lo que podría haber sido una gran obra. Las reglas de la vida, Atando cabos, Casanova, Chocolate, La vida de los otros (así se llamaba esa con Redford, Freeman y J.Lo?). La excepción seria su mejor película a la fecha, A quien ama Gilbert Grape, pero igual, fue filmada hace mucho esa película y me resultan vagos los recuerdos que tengo, y ni siquiera alcanzaba la estatura de “gran película”. Era buena, nada más. El director sueco es uno de los mejores artesanos que tiene Hollywood hoy en día, de eso no hay dudas. Pero insisto, seguiré esperando la gran obra de este director, tiene pasta, le doy crédito y a lo mejor, algún día nos regala esa película.
Por lo pronto Hoax es buena, cualquier película que tenga que ver en algo con Howard Hughes es buena (sí, ni Di Caprio puede arruinar la estatura mítica de este personaje), tiene muchos elementos interesantes. Las actrices que acompañan a Richard Gere son exquisitas y es siempre un placer verlas en pantalla; Hope Davies es magnifica, Marcia Gay Harden siempre tiene lo suyo (aunque creo que la nominación al Oscar por Rio Mistico no le cayo muy bien y últimamente anda “actuando” demasiado, me gustaba más como “segundona marginada”, no como “segundona estrella”) y bueno, Julie Delpy es una delicia siempre. Si existieran más películas con Julie Delpy el cine sería muuucho mejor!!! Acá aparece poquito, pero lo suficiente para marcar a fuego el celuloide que la filma y nuestras cabezas.
Y hablando de actores que hacen que el cine sea un lugar mejor y que mejor, para ilustrar este concepto, que don Alfred Molina. Después de ver El hombre araña 3 empiezo a darme cuenta de que tal vez la 2 era tan buena por que estaba Alfred Molina, y la 3 irremediablemente falla en eso. Porque Sam Raimi no lo resucitó? Porqué?!?!
Mucho del encanto de Hoax esta en Alfred Molina y en su personaje.
Todo esto suma meritos al film, solo que al final Lasse Hasltrom diluye todo demasiado y el gustito de cada ingrediente (Hughes, Davies, Delpy, Molina y Richard Gere que no hace mal papel) se termina perdiendo en la inmensidad de la olla.

KLIMT - CINE Y PINTORES

La gran mayoría de las películas que he visto recientemente de casualidad obedecen a ese tópico que podríamos llamar cine y pintura o más precisamente cine y pintores. Desde personajes ficticios a biografías de nombres célebres. La más reciente que ha llegado a nuestras pantallas es Klimt de Raul Ruiz. Como su nombre lo indica obviamente trata sobre un fragmento de la vida del pintor Gustav Klimt. La interpretación de John Malcovich en la piel del pintor más la dirección del chileno radicado en Francia Raul Ruiz me despertaba enormes expectativas con respecto al film. Ver por nuestras pampas un film de Ruiz es algo que hay que agradecer, ya que se trata de una figurita difícil, que raramente entra a nuestras carteleras, y han sido esporádicos los filmes que pudimos ver del director en nuestro país, una lastima ya que retrata de una de las voces mas personales, singulares y prolíficas del cine europeo (por mas que sea chileno hace años que filma en Francia donde se encuentra radicado luego de su exilio pinochetista). Solo se consigue en DVD la excelente Comedia de la inocencia con Isabelle Huppert y Jeanne Balibar y años atrás se edito Genealogía de un crimen en VHS con la Deneuve. No mucho más.
Pero en esta ocasión, tal vez ayudado en que un nombre como el de Malcovich pudiera despertar un interés comercial, podemos acceder a Klimt. Lo bueno es poder ver un film de Raul Ruiz, lo malo es que ese film es una obra menor del director. Es llamativa lo impersonal que resulta la película tratándose justamente de Ruiz. Sus inquietantes mundos herméticos de sus films anteriores, aquí se desarman en pos de una apertura que suena más a concesiones para realizar un producto más accesible a las masas que una búsqueda artística de pureza formal. Así el film, si bien no carece de interés por algunos momentos de sofisticada estilización visual, tampoco logra despegar nunca y se vuelve anodino y convencional (lo peor que se puede decir de un film de Ruiz). Lástima. Una oportunidad desaprovechada de acercarnos a un gran autor.
Antes dije que había mencionado que había visto varias películas con pintores, y Klimt en comparación con las otras pierde demasiado. Cuales otras? Bueno, me refiero a La belle noiseuse de Jacques Rivette. Durante años quise ver este film y recién ahora lo he conseguido en DVD, y no me decepcionado para nada! Todo lo contrario! Se trata, como su fama así lo indicaba, de una obra maestra monumental!!!.Entregarse a sus imágenes es navegar durante las cuatro horas que dura el film (podría durar ocho que no se notaria) en un mar de placer visual inigualable (es verdad que en sus cuatro horas de duración ayuda mucho a este nivel placentero que en casi dos de estas horas, Rivette se dedique a filmar el bello cuerpo desnudo de Emanuelle Beart mientras el enorme Michelle Piccoli lo pinta).
La otra gran película sobre la biografía de un pintor, es el Van Gogh de Maurice Pialat. Una de las mejores películas de su director que se transformado en una figura de culto dentro del panorama del cine francés por la esquiva distribución comercial que tuvieron sus obras (es muy interesante ver y rescatar obras como Police, Bajo el sol de Satan, o Loulou, todas con un joven Gerard Depardieu). El film es una lección (que Ruiz no toma con Klimt, así como años anteriores tampoco James Ivory lo hizo con su Picasso) de cómo encarar la biografía en imágenes de una figura clásica de la pintura.

RED ROAD

Volvemos al cine inglés que pareciera estar gozando de buena salud. Me gusto mucho Red road ( El camino rojo). El film de Andrea Arnold que sorpresivamente se llevo el premio del jurado en el ultimo festival de Cannes. Y el film la verdad es que resulta bastante interesante. Entre una cruza de Cache de Haneke con la estética de los hermanos Dardenne pivota la película. Sumado a un ritmo narrativo tenso e inquietante que lo acerca a las coordenadas del thriller.
Una mujer que trabaja viendo los monitores de las cámaras de seguridad que se encuentran diseminadas por el barrio, persigue a través de ellas a un hombre misterioso con el que ira tejiendo una enfermiza relación.
Sin escaparle a la crítica social (sin bajadas de líneas baratas) y animándose a osadas escenas sexuales (totalmente funcionales y congruentes con la trama) el film promete mucho durante su recorrido. Volviéndose asfixiante por momentos así como triste y poético en otros.
Lastima que todo lo bueno, al final termine desbarrancándose un poco por el afán moralizante y tranquilizador de la directora. Andrea Arnold no es Haneke ni tampoco Jean Pierre o Luc Dardenne y todo lo que se anima a transitar durante la película al final termina torciendo el brazo y elige los caminos tranquilizadores de las respuestas fáciles y digeridas. Cuando la falta de respuestas dadas al espectador era el principal merito y eje motor de la narrativa, uno espera que esta lógica no se corte hasta el final y que el film termine abruptamente dejando ese exquisito gusto a incertidumbre (de nuevo Haneke/Dardenne). Pero desgraciadamente no. La directora opta por explicarle todo al espectador y el buen gusto se torna un poco amargo.